在经历了《复仇者联盟1～2》的分分合合，我们迎来了号称复联2.5版本的《美国队长3》，它所检阅的超级英雄队伍丝毫不输给前两集。而从《星际争霸》这款游戏开始，诸多懵懂少年的庞大宇宙观就已基本定型为神族、人类与虫（兽）族三元论。无疑这种阶层架构已经被观者强行移植至漫画电影宇宙里。所以本片里当传统逗哏钢铁侠严肃起来不再负责搞笑，而雷神与绿巨人这对活宝也不再老拳相向逗乐大家时，我们动动脚趾都能猜到，新入会的底层虫族屌丝蚁人与小蜘蛛将责无旁贷的撑起147分钟时长里的所有笑料。

而漫威的超级英雄电影也越来越像连续剧了，这不仅仅指它的没头没尾，更指向它的撕逼剧情神似那些年我们追过的商战港剧，好基友反目多半是谁谁的父母多年前被另一方的父母或兄弟所杀害，这个千年老梗儿的运用至少可以在80集以上的总篇幅里占到10集左右的比例。

友谊的小船说翻就翻，这是上天注定的，因为在漫威的系列漫画里，内战的激烈程度可比电影里惨烈多了。要不是因为克里斯·埃文斯的胸肌大伙儿还没看腻，本集他就该交棒给猎鹰了。而新时代自然有新时代的拍法，美国队长的精神却是永恒不死的。

美国队长的精神是什么？

答案是出人意料的，那便是霸权主义！

来看看引发英雄撕逼的导火索吧，《索科维亚协议》，它是由谁起草？又是由谁拒绝签署？

它由深受超级英雄们暴力执法之害的多国联合发起，旨在控制凌驾于法律之上的复仇者联盟自作主张的所谓除暴安良行动。这多多少少有点儿像当今社会里联合国安理会力图约束以美国为首的所谓正义联盟干那些单边军事行动。

由911事件引发的一系列反恐行动与中东侵略战争事实上造成了伊斯兰国家大量的平民伤亡，并蝴蝶效应般的牵动地缘政治的变化，导致诸多政权的倒台与更多穆斯林国家的分崩离析，以及难民涌入欧洲世界后的剧烈社会动荡。

事实便如影片中幻视所言，复仇者联盟的成立不但没给世界带来和平，反而带来了更多的恐怖主义事件与平民伤亡。这恰恰是《索科维亚协议》签订的背景，因为以暴制暴往往带来无辜的伤害以及更多冤冤相报式的恐袭事件。

比对之下，现实世界里诸多深受其害的第三世界国家便是类似《索科维亚协议》的发起者，而联合国安理会便是协议中即将承担起监视与约束北约这种以世界警察自居的超级英雄们胡乱行为的监督者，而美国便是那带头拒签的美国队长。

美国队长拒绝签署协议的理由是冠冕堂皇的，“如果他们派我们去往原本不该去的地方，而我们该去的地方他们反而不派我们去，这该怎么办呢？”这是典型的美国霸权主义思维，潜台词就是“老子认为正义的事情就要干，你特么想阻止，门都没有。”

美国屡屡在没得到联合国安理会批准的情况下纠集自己的兄弟伙在第三世界国土上横行无忌，以打击恐怖分子的名义肆意屠戮平民百姓，并激起更多的仇恨与反抗。即便明知和自己有私交的小弟冬兵（以色列或日本）曾经罪行累累，仍然以交情为第一标准，完全不把法律与公理放在眼里。口口声声的所谓正义反而衬托出其冷战思维的余孽仍在作祟，这正是美国队长与其所谓新复仇者联盟的真实写照。

托尼·斯塔克所代表的军火商原本是应该和美国队长所代表的霸权主义站在一起的，可本片里钢铁侠却出人意料的站在了协议签署方，这不得不说是个意外。可放到当下如火如荼的美国总统竞选背景下又是顺理成章的。红蓝大战可不是我们传统理解的可口可乐与百事可乐之争，它终究只是美帝国主义的内部矛盾，一场肥皂爱情剧里必须插播的打情骂俏而已。“内战”归纳了它的所有内涵，最终他们仍将携手对抗所谓的“邪恶轴心国家”，而对黑名单范围的界定根本不需要联合国或是XX协议来约束。在这件事情上，美国队长说了算！

好莱坞电影有时会自然而然的反映出其主流价值观与世界观，在某种角度上来讲可以算作是真情流露，但也可以称得上是意识侵略。其观点的正确与否也是随着时代的发展不断涂抹着标准答案的选项。我们没必要过分较真儿，毕竟这个世界本来就是强者说了算，谁让我们没有当家作主的超级英雄呢。

而一旦我们强大到某个程度，XX协议摆到我们面前，那也是分分钟说撕就撕的事情。毕竟，最近“权威人士”便为我们上演了一出“翻脸比翻书还快”的教科书式演出，不是么？

如我般大叔级的影迷都还记得，西部片在我们童年闲暇时光的方盒子电视机里曾经占据着相当重要的位置。因为在那个电视频道数还能用手指头数得过来的年代里，央视每周六都会播放一部美国译制片，这可是万人空巷的黄金时段，在秀兰·邓波儿式黑白片肆虐之下，能带点彩色的影片一多半都是西部片了。

那么多年后，我们早已记不清那些个西部片的片名与剧情了，大体也逃不开《XX黄沙》或是《XX镖客》。多年以后我们才知道，那些穿着邋遢的络腮胡汉子不是约翰·韦恩就应该是克林特·伊斯特伍德，而导演肯定绕不开约翰·福特、赛尔乔·莱昂内或是其他的几个。

彼时的孩子们肯定记不住这一长串的外国名字，他们能记住的只有歪戴的牛仔帽、斜挎的子弹带、锃亮的左轮枪以及叮叮作响的马刺靴。我们流窜在集体宿舍的走廊里，用木把手枪彼此“piu、piu、piu”互射，只为中弹后躺在石板上享受汗水贴地后那片刻的清凉。

许多年后，我们穿着牛仔裤、挎着山寨耐克包、腰间别着BB机、脚上穿着运动鞋，奔走在校园周边的各个录像厅里。西部片几乎与我们失联，取而代之的是屏幕上那重机枪的扫射、威压刀剑的飞舞以及“哈～哈～哈～”的星仔式无厘头。

又过了许多年，我们穿着正装、挎着公文包、兜里揣着苹果6、脚上穿着商务鞋，奔走在鸽子间与电梯井里。蓦然回首，牛仔帽、子弹带、左轮枪与马刺靴早已烟消云散。

渐渐的，我们又开始接触新一代涅槃重生的西部片，我们试图回望，找到那些曾经荣耀的西部之魂……

1、黄沙：苍凉与颓废

印象中，西部片多是取景于荒凉的黄沙之地。后来我们才发现，这其中又有美国荒野与墨西哥戈壁的分别。而再后来我们才知道，其实有些电影压根儿就是在西班牙戈壁拍摄的。

黄沙总是与明晃晃的日照相伴。标志性的场景通常是，孤胆英雄顶着牛仔帽或是墨西哥圆毡帽，微微抬起头用细细的眼缝瞄着天空中如火般炙热的太阳，低下头时便看到红石山脉为背景的无垠戈壁里，在热浪蒸腾的地平线上，一人一马缓缓的踱来……

许多年后我们才真正理解，这是一种苍凉的颓废感，蕴含着人生磨砺后的无奈与彷徨，仿佛周遭的人群与世故都被那风沙所卷走，只留下你独自品尝那略带咸味的孤独与寂寞。

再度复活的西部片仍然保留着这份粗犷的质感，只是偶而增加了新的色彩与场景，比如更加空旷与虚无的白色。《八恶人》的雪原与《黑荆棘》里的干涸盐湖。它们仍然在凸显着一缕西部之魂，那便是难以名状的落寞。

2、快马：洒脱与自由

儿时最为心仪的一部西部片就是《游侠传奇》，德普版的《独行侠》便是改编自此。主人公黑眼罩银枪银弹，飒爽英姿。最令我们羡慕的是那匹名叫“银子”的白色野马，如闪电般的飞驰，银箭般的刺向泛着银光的溪流。

马是牛仔们的搭档与伙伴，也是惟一能驰骋沙场的生灵。它是一种自由精神的象征，刻画着无垠荒漠里那点到点最短直线距离里的最快疾行。它是洒脱与畅快的飞扬，用纯白的鬃毛在无拘无束的山风间展旗，用铿锵的铁蹄在横行无忌的沙尘上擂鼓。

3、左轮手枪：快意恩仇

早期西部片里牛仔们的标配武器都是左轮手枪，通常都歪歪斜斜的插在腰间，这是一种吊儿郎当的范儿，也是一种一语不和随时拔枪相向的蛮横。玩弄它的招式多半是在手指上打转顺带迅雷不及掩耳盗铃之势的插枪拔枪，或是左手拨弄击锤右手扣动扳机快速击发。

儿时最喜欢看英雄与坏蛋的决斗，双方站在小镇惟一街巷的两头，黄沙弥漫，四周静谧无声，只余偶而一只老鸦呱噪着飞过，一盏大钟上分针赫然跳到正上方的12点位置，双方迅疾拔枪，两声几乎混为一声的枪响后，一方缓缓倒地，另一方两摇三晃之后牢牢的屹立……

孩童的心思是天真而单纯的，所以那时的我们就爱看这种快意恩仇的场面。如同古龙小说描写的那样：飞刀！那只是一柄飞刀！天下武功，唯快不破！

而多年后当我们看到一部武林大会式的单挑合集西部片《致命的快感》时反而没了那种遥远的快感。街道没变，风沙没变，钟没变，枪没变，只是观者的心变了。浮躁的我们已经看惯了新一代视效大片的爆炸与魔幻CG，根本没心思在品位那一指一弹间曾经单纯的快乐。瞬息间拔枪击发的快意恩仇已然离我们远去，因为我们的脑海已被那纠结而复杂的仇恨所填满，我们只爱那《老男孩》与《告白》般的残酷复仇方式。

4、并肩骑行：除暴安良

正如《追风筝的人》里那些孩童描述的那样，大部分全世界童年观众最喜欢的西部片是《豪勇七蛟龙》。它之所以深入人心，便在于那并肩骑行的团队精神。

和许多强调独行侠单打独斗的西部片不同，《豪勇七蛟龙》展现的是一种如今更为流行的组队模式，它更在意七个个体形成的合力，以及相互影响之下带来的正义感延伸。

早期的西部片主旨比较简单，多以宣传邪不压正、除暴安良为主。如今的西部片则开始更多的关注人性、人心与人际关系。

但即便是喜欢不走寻常路的昆汀·塔伦蒂诺也在不太像西部片的新作《八恶人》里给出了一个符合传统西部片价值观的结尾，原本可以走向邪典的影片最终仍是以恶人自居的黑人赏金猎人与白人新任警长合力将匪帮女恶首绞死在木屋里作为终结。虽然外壳被改成了阿加莎式的悬疑片，但其内核仍然是嫉恶如仇的西部片本色。

5、黄巾骑兵：卓绝的拓荒

记忆里，与浪荡不羁的牛仔们形成鲜明对比的便是那些蓝衣黄巾的轻骑兵。与牛仔们的散漫自由所截然不同的是，他们给人一种井然有序、恪守纪律的庄严感，总是整齐划一的行进、埋伏与冲锋，象征着一种群体性的开拓与进取。

正如杰克·伦敦在小说集《热爱生命》里描写的那样，西部淘金史是众多个体美国梦的践行舞台，其过程充满了艰辛与苦难。同时西部大开发也是国家意志的战略靶场，集体性的迁入也伴随者执法者的进驻。黄巾骑兵代表着卓绝拓荒的一部分，以一群年轻人大无畏的冒险精神融入了苍凉颓废却又热火朝天的西部征程。

6、印第安人：孤独的守望

早期的西部片中，与牛仔的正义与黄巾骑兵的纪律性相对应，印第安人是一种邪恶与无法无天的存在。他们劫持火车、屠戮妇孺、无恶不作，经常如妖怪般嚎叫着出没于黑夜中，给观众带来豺狼虎豹般的野蛮印象。

然而后期好莱坞也对这种粗暴的设定与刻板的描画进行了反思与批判。渐渐的，印第安人从阴险的敌对方变成了平等的对抗者，继而变成了朋友。

《与狼共舞》里，主人公从种族间最初的互相仇恨、排斥到中期的相互理解、帮助，最终完成了民族间的融合。最终他穿上了印第安人的服装，从一个侵略者、征服者转变为流浪者、防御者。他让我们看到，西部这片土地上，原有的主人在时代车轮的碾压下已不断的退守，直到那最后的底线。在这片他们时代繁衍的土地上，最后竟然没能留下一个小小的角落让其维持那孤独的守望。

《与狼共舞》与《最后的莫西干人》等影片一起，成为了西部拓荒史里守土者最后的绝唱与挽歌。

7、音乐：永生的西部之魂

苍凉昏黄的色调是西部片的皮毛，络腮胡子的扮相是西部片的五官，除暴安良的故事是西部片的骨骼，奔驰不懈的骏马是西部片的血液，孤独寂寥是西部片的心脏，那什么才是西部片的灵魂？我会选择音乐作为答案。

如同西部片的色调从早期的单黄转变为后期的多彩，西部片的配乐也经历了不断更新的过程。早期西部片由于影片风格的趋同性，其配乐也形成了较为统一的风格，多为口哨搭配吉他或管弦乐的行进曲，如埃尼奥·莫里康内为《荒野大镖客》所谱的“A Fistful of Dollars”；有些则带有轻佻的戏谬风格，如《黄金三镖客》里的“Il Buono il Brutto il Cattivo”；有些节奏更为明快，气势也偏恢宏，如艾尔默·伯恩斯坦为《豪勇七蛟龙》所谱的“The Magnificent Seven”；又或者是号角高亢，旋律激昂的《银城争霸》“Themes from Silverado”等等脍炙人口的名曲。这个时期的音乐偏向欢快与激奋，电影主题多是以单纯的除暴安良为主。

逐渐的，西部片开始向拓荒的苦难题材深入，于是一批带有悲壮与抒情风格的配乐跃入舞台，比如老派音乐人阿尔弗雷德·纽曼于《西部开拓史》中的“Howthe West Was Won”、埃尼欧·莫里康纳于《西部往事》中的“Once Upon a Time inthe West”。这种曲风发展到《与狼共舞》时达到了顶峰，约翰·巴里在这张配乐作品里倾注了太多的情感与心血，以致于它已经独立于影片成为了配乐史上不朽的传奇。它的整体完成度已超越了众多的西部单曲而使整张专辑成为了一个风格统一、气势磅礴的史诗组曲，也当之无愧成为这种交响乐风西部片配乐的不二丰碑。

之后西部片渐渐退出历史舞台，被观众们所淡忘，其配乐也相应减产，长时间没有精品出现。直到2006年古斯塔沃·桑多拉拉凭借《断臂山》再次为西部片赢得了一尊奥斯卡最佳配乐奖，但从曲风上来说，它已经偏向于民谣而非正统意义上的西部配乐了。

时间来到2016年，埃尼奥·莫里康内凭借《八恶人》里现代电子与复古相结合的西部曲风赢得了他第一座奥斯卡小金人，这多少是对他早年躬耕于西部片配乐的一次迟来的肯定，也是西部之魂的再一次崛起。

近些年来，好莱坞为了让西部片重获观众的青睐，开始在原有传统风格的基础上不断与其他类型片相融合、杂糅，演变出更多耳目一新的新型西部片：

与动画片相融合，上乘之作《兰戈》，正是在此片中引出了“西部之魂”的概念。

与科幻片杂糅，代表作《牛仔与外星人》，一部两不像的试验品。

与烂仔片交叉，代表作《西部的一百万种死法》，无厘头恶搞西部片。

与黑帮片还是乐器片杂糅，大家自己去想吧，《三步杀人曲》。

与血浆CULT片混血，居然还是罗伯特·罗德里格兹干的，《弯刀》系列。

与功夫片合体，《上海正午》，成龙的功夫喜剧风刮到了西部。

染上了武侠风，《黄沙武士》，张东健、狄龙……当西部枪手遇上东方剑客与忍者，着实有些不伦不类。

向文艺片靠拢，代表作《艾斯卡达的三次葬礼》，一次自我救赎的历程。

向传记片致敬，以前有《好小子比利》，如今有《神枪手之死》，不过这次风头全让给了老帅哥皮特。

与同志片合体，里程碑《断臂山》，尽管看上去它不那么像一部西部片。

与黑色片跨界，惊艳之作《老无所依》，它的独特气质已很难让西部片的外延将其涵盖。

与悬疑片通电，代表作《八恶人》，也许是史上第一部大部分场景设在室内的西部片。

一方面好莱坞在题材嫁接上挖空了心思，另一方面他们也仍然在传统套路上不定期的来上一发，比如近些年的翻拍片《决斗犹马镇》、《大地惊雷》、《独行侠》等。

又比如著名西部片忠实粉丝昆汀·塔伦蒂诺的《被解救的姜戈》。

还有前期高调宣传，中期命运多舛，最后中规中矩的《拿起枪的简》。

以及正在翻拍的经典之作《豪勇七蛟龙》。

尽管西部片曾经无比繁盛，之后又长期沉沦。但作为好莱坞历史最为悠久的类型片，相信它的生命力在浮浮沉沉之后将会更加的旺盛，因为“西部之魂”仍在，西部精神永存。

八恶人
The Hateful Eight
(2015)

与狼共舞
Dances with Wolves
(1990)

豪勇七蛟龙
The Magnificent Seven
(2016)

电影工业的日益强大已经让其他娱乐领域纷纷向它投诚或靠拢。这几年大部头名著改编电影在逐渐退潮，而漫画与游戏改编却如火如荼，焕发出举世震惊的生命力，这也与当下主流消费群体的娱乐习惯在发生变化息息相关。

当大陆电影出品方还在孜孜不倦的消费西游记这个大IP时，好莱坞早已开发出无数座金矿。漫威与DC的超级英雄自不用说，而当诸如变形金刚、忍者神龟这种世界范围内的童年伙伴开始活跃于大银幕并赚得盆满钵满时，我们才开始抬出在国内影响力可以与之相提并论的葫芦娃与黑猫警长，多少有些跟风炒作的嫌疑。

而当好莱坞开始将眼光放在了《吃豆人》、《小蜜蜂》、《极品飞车》、《魔兽争霸》这类红白机与PC游戏改编的宝藏时，我们才赫然发现，我们童年与青年的这一部分电游记忆竟然全是舶来品。国产游戏的IP全用来改编为胡歌、杨幂们的古装连续剧了。

赶快挖掘手游市场吧！毕竟这一领域里我们还是占据了不少地盘。只可惜，居然被一只胖鸟抢先了。

《愤怒的小鸟》可以说是为苹果手机与平板电脑打下江山的开国元勋了。在早几年APP游戏还没那么声势浩大之时，几乎每台智能手机与平板电脑里都必装了这款标志性的游戏，它的风靡程度已毋庸置疑。

对它的电影改编应该说是迟到了，但经历过多年前《超级玛丽》的大电影改编失利教训的好莱坞也明白，这类指尖操控闯关游戏的故事性相对RPG等游戏来说有着先天不足的缺陷。如何把它移植到90分钟时长的电影，这非常考验编剧的发散思维能力。既要将故事讲大讲长，又不能跑题弄成了一部熟悉演员主演的陌生电影而完全丢掉了情怀。这，的确是个难题。

电影《愤怒的小鸟》在这方面是很成功的，胖红这个当仁不让的主角，率领游戏中随着关卡提升不断解锁的大红、飞镖、爆炸等一帮小伙伴对抗着绿猪军团，这个故事主线与游戏完全吻合。而众鸟不会飞、只能用弹弓的这一反常规的游戏背景也非常巧妙的用世外桃源岛这一场景设定加以了化解。绿猪们原本呆萌可爱的形象也用故事性的丑化加以扭转以强化观众的憎恶感，而顺理成章的从形式上的大反派变为了心目中的大反派。

以上是宏观的背景与线索设定。微观上，问题少年飞镖、爆炸那天赋异禀的设定也很好的与游戏接轨，让老玩家们不由得会心一笑。而绿猪们外来者的身份也很好的解释了其住宅必定是木结构快速装配式这种抗击打能力不强的箱式建筑，为后续的弹射击垮经典桥段铺垫了合理性。顺便还交代了一下为何绿猪们的建筑里会有大量TNT炸药箱的奇怪设定。而无处不在的熟悉音乐也让观众们仿佛重回了玩家身份。

比较遗憾的是，影片在原游戏里趣味性与参与性最强的小鸟弹射角度、轨迹与力度等细节技巧方面缺乏挖掘与展示，淡化了技术控粉丝观众对这项游戏操控性的怀旧体验，失去了原本由浅及深不断提高难度攻城拔寨的游戏进阶快感。

影片在游戏之外还着重引申了关于“愤怒”的含义。为什么胖红一直很愤怒？而愤怒能激发怎样的正能量？并如何成功的感染他人？这些必要的横向挖掘一方面让影片在游戏的单纯娱乐性上提升了哲学与生活意义，另一方面也成功的解决了原有游戏故事性无法支撑其90分钟电影时长的游戏改编类电影的共性问题。

本片肯定还有系列续集，这从片尾蓝色小鸟三胞胎的诞生，大红、膨胀橙鸟还未大显身手，以及绿鸟、粉鸟尚未出场等种种迹象就可以看出，如X战警般身怀绝技的各路英雄尚待于续集中渐次登场并大显神通。

电影还开发了法官村长、无敌神鹰等游戏中没有的新角色，他们未来的本领与戏份是个未知数，也为续集的创作潜伏了新鲜元素，说不定还能反馈于游戏成为未来关卡中的登场角色呢。

《愤怒的小鸟》为我们示范了一次简单闯关模式手游如何改编为大电影的成功模式，在游戏精髓即特色角色与游戏耐玩性线索方面的充分挖掘，加上针对如“愤怒”这种主题词的延伸探讨，再加上好莱坞导演炉火纯青的讲故事能力与工业化的视觉特效、动作设计、歌曲配乐等技术配合，每一个畅销游戏IP都将成为一座待开发的宝藏。

下一个该是谁？水果忍者？神庙逃亡？植物大战僵尸？一切皆有可能。

而我们国产游戏IP又有哪些？能否改编为电影？开心农场？连连看？消消乐？天天打飞机？天天酷跑？天天飞车？似乎都有点儿难度……

1、《孤筏重洋》

与同类型航海漂流片相比，本片显得有些过于平实，节奏缓慢，缺乏高潮。也许是真实事件改编所致，本片有些纪录片的风格，也许正是这种真实而不带浮夸所蕴藏的力量才使得它打动评委入选了奥斯卡最佳外语片提名。片中那头鲸鲨还是能让观众眼前一亮，而那一大群鲨鱼却未能拍出惊悚感。影片惯例在片尾给出了主要人物的结局，惯例让人不由得唏嘘感慨。

2、《坚不可摧》

影片可以分为两部分，前半段是大兵们的奇幻漂流，后半段则有些《Merry Christmas Mr. Lawrence》的影子。本片由真实事件改编，讲述一个传奇人物的两段传奇经历。科恩兄弟打磨的剧本不用说还是有些份量的，而安吉丽娜·朱莉第二次执导筒也是让人不得不佩服其老辣的功力，相信她的导演之路会越走越宽广，只要她不那么过分执念愤青的话。

3、《重见天日》

同样是战俘营电影，本片却聚焦于战俘们各自的心理状态，有人选择坚持就有人选择放弃。这是一场忍耐力与意志力的考验，在残酷的环境里，只有抱有强大的求生欲才有生存的希望与动力。影片后半段着重描写越狱的过程，颇有看点。主演克里斯蒂安·贝尔对电影事业可谓全身心投入，本片他暴瘦加蓄须，不惜牺牲银幕形象，值得点赞。但当大家看过之后他的若干电影后，才发现对于这位橡皮人来说，这其实真是小菜一碟。

4、《铁路人》

本片根据一个战俘的同名自传改编，有虐囚桥段，却没有越狱情节。它与其他同类型电影略有不同的是，它聚焦于战争对于参与者双方留下的深深伤害。这是典型欧洲电影工作者思考的问题，当仇恨与悔恨碰到一起，故事的走向该往何方？犹太人会选择报复，而欧洲人会选择宽容。这是《旧约》与《新约》的不同，代表着两种宗教信仰的差异。试想能否请昆汀或是朴赞郁来拍另一个版本，那样的结局才是我们内心真正想要的宣泄？

5、《桂河大桥》

可能是最经典的战俘营电影了，《桂河大桥》可就明显高出同题材电影好几个档次。因为它不仅仅局限与虐囚、抵抗、赎罪与宽容这些基本的层面，它甚至触碰了创造与毁灭这个战争之外的哲学命题。修建桂河大桥让战俘们找到了尊严与自信，而当战事逼迫他们必须亲手抹杀能证明自己在这几年还活着、还是个人的惟一印痕时，导演残忍的让我们看到了那一双颤抖的手。

6、《小屁孩日记》

少年版的校园日记电影，多多少少让我们回忆起那些淘气或是被淘气的童年。和小伙伴斗气而引发的分分合合，这是每个少年在青春期未至前共同的烦恼与苦楚，它来得那样自然与突然，去得也同样自然与释然。影片另一个看点是科洛·莫瑞兹，这可是她第一次饰演《海扁王》“超杀女”时同年的电影，只可惜清纯又略带成熟的她当年的戏份还不及那片耷拉着躺在地上的臭奶酪来得长。

7、《刺客学妹》

看本片不是冲着女主角海莉·斯坦菲尔德来的，因为她不论哪方面都提不起我的兴趣。这种校园喜剧糅合特工题材也是好莱坞几乎快用烂了的梗儿，完全没有新鲜感与想像空间。老实说，本人就是冲着杰西卡·阿尔芭来的，想抓住女神青春风采的尾巴。这是个伤感的话题，一部质量不高的校园喜剧完全不能冲淡这种愁绪。

8、《绯闻计划》

艾玛·斯通有脸蛋、有身材，饰演这种问题少女是最为合适的。本片完全可以定位为校园黑色喜剧，因为它的喜剧效果全来自于“自黑”这种潮劲儿十足的壮举。不要把它想像为当下网红们不择手段、不顾廉耻的宣传方式，女主角的存在真可谓处男之友、GAY之福音。她用大慈大悲观世音菩萨的怜悯之心拯救着一干宅男、屌丝男、自卑男们，使他们在低俗价值观、人生观充斥的世界里微微的抬起那不合群的头颅。

9、《校园风云》

瑞茜·威瑟斯彭也许由于脸部轮廓线条的硬朗，总给人一种工于心计、咄咄逼人的女强人印象，但又由于其身材较小，所以很适合饰演此类具有庞大野心与超强行动力的小女人形象，让人看过之后既恨又怜。本片是一部校园竞选片，由最初的励志走向了人与人的交流。在我们看来，这种校园竞选很滑稽，但在民主选举从娃娃抓起的美国，这就是一堂未来政客的入门课程。嬉笑间，他们未来的人生道路便已泾渭分明。

10、《美丽生灵》

《暮光之城》的性别互换版，只是把吸血鬼的设定换成了巫师而已。男女主角拙劣的演技以及不高的颜值，再加上只比五毛多一毛的特效水平，使得本片完全无法在一堆同类型青春校园奇幻小说改编电影中突破重围。倒是几位配角让人印象深刻，给影片多少留住了些观众不至于中途散场。

11、《八恶人》

一部典型的昆汀式电影，充满了其标志性的恶趣味。片头非红即黄的粗体字幕，章回式多幕形式，倒叙插叙式叙事结构，渐入高潮的娓娓道来，重要人物的突然死亡，枪枪爆头的爆酱场面，满地鲜血的重口味色调，话唠到人烦的大段对白以及同时存在的不等人把说完便果断干掉的利落。总之，昆汀不愧是昆汀，片不惊人誓不休，不到最后猜不到他的收尾方式。熬过了前面的闷，便会迎来后面的爽。出人意料的还有，这部西部片大部分时间居然是发生在室内的。

12、《拿起枪的简》

也许是想致敬正统的西部片，本片采取了传统的拍摄与叙事手法，在如今的电影工业里就显得有些另类与老迈。缓慢的叙事，冗长的铺垫，最后换来的居然是老套的大团圆结局，这使得原本极短的98分钟片长显得无比漫长。惟一的亮点来自于女主角娜塔莉·波特曼，当她沉稳老练的端起双管猎枪时，你还能记起20年前她在《这个杀手不太冷》里初次拿起枪时的青涩么？

13、《黄沙武士》

武侠风混搭西部片的大杂烩，纯漫画风视觉系电影，黄昏的天空与萧瑟的小镇还挺带感，用来怀旧还是不错的。情节就的确Low到极点了，特别是狄龙率领的忍者组织，你确定这些海量的小兵不是用来给张东健欧巴刷经验值的么？武士刀、左轮枪加上忍者兵器，东西方冷热兵器大比拼，国际化的阵容野心不小，早几年引进大陆说不定还真能捞到钱。

14、《牛仔与外星人》

当西部片遇上科幻片，奇妙的化学反应产生了，其结果是个四不像的怪物。牛仔联手印第安人痛扁外星来客，仿佛把天煞地球反击战硬生生的搬到了蛮荒的西部。开始牛逼哄哄的外星人后半段简直弱爆了，你们再派这种废物来我们的超级英雄们就得失业了。

15、《西部的一百万种死法》

将现代烂仔帮电影要素融入近代西部背景的一次尝试，各种屎尿屁，各种秀下限。其实这种无厘头喜剧是上世纪香港的王晶、周星驰们在各种武侠古装片中玩烂了的把戏，突然诈尸来到好莱坞却有着意想不到的笑果。赛斯·麦克法兰的鬼点子还是挺多的，用在这种小人物身上也是再合适不过了。西部的一百万种死法，总结起来就是：不作死，也可能被误杀，那还不如作死算了。

16、《万万没想到》

万万没想到，万众期待的网红剧大电影拍成了这么个样子。看来大家还是习惯短小精干亮瞎眼的冷幽默小视频，而不待见这种高潮迭起麻木感的段子集合式大电影。虽然王大锤还是那个王大锤，但当影片长到了某种程度，他的机关枪语速便犹如强弩之末般无法激起观众耳膜的共鸣。当可爱的小叨逼变成了无奈的老话唠，当点到即止的网剧重回80年代港片穿越古装片的老套路，新鲜感沦为了老梗儿，观众也就只能啦啦啦啦啦了……

17、《唐人街探案》

异国风情，密室杀人案，记忆迷宫与相关配乐故意模仿卷福，侦破片与喜剧片混搭……这一切新鲜的元素让这部电影变得与众不同，在老三篇的内地影坛显得独树一帜。陈思诚新人有新意，敢想敢做。王宝强告别蹩脚功夫片回归老戏路给本片增色不少，活脱脱一个《泰囧》探案版。刘昊然稍显稚嫩，张子枫少年老成，几个知名配角倒是大放光彩，有望组成喜剧片绿叶黄金组合。影片剧尾惯例的大反转很有新意，令人印象深刻。

18、《最佳嫌疑人》

本片的看点在于，1、《疯狂的石头》和《疯狂的赛车》的编剧张承编导之作，2、也是在山城重庆取景。可惜本片不论是在故事情节、外景选择与演员发挥上都与疯狂系列的格局小了许多，由此可见一部影片里导演的重要性。张承无疑在插叙倒叙多线索式黑色电影剧本上有独到的功力，但在影片场面调度、摄影取景、演员调教方面却明显比宁浩低了不止一个档次。事实证明，好导演的确不是一年半载能炼成的。

19、《剩者为王》

落落作为作家其小说的长处便在于文字间充满了画面感，国内青年作家无出其右；但转型为导演后却失去了长处，其电影的最大败笔恰恰是欠缺了文字感，这一点从苍白无力的对白与旁白变能感受到。剧情本就不是她的强项，摄影一般般，再加上其特色文字风格的丧失，纵然有两位号召力较强的主演撑场面也无法挽救影片的口碑。若要用一个平庸的导演去换那个才华横溢的作家，影迷与书迷均表示遗憾。

20、《香气》

纵然有朴时厚这样热度的偶像明星加盟，也难以调动陈燃那略显呆萌的表演神经，男女主角知名度的落差多少使这段爱情有些违和感。本片是典型的韩剧式电影，节奏缓慢、画面优美、台词淡雅、童话般的大团圆结局。这些都使得本片有些流程化与模式化的痕迹，过少的戏剧冲突与过于明显的结局走向使得本片真如片名里的“香气”一般，浅闻辄止，难以撼动观众们被众多韩剧所麻痹的强大内心。

21、《妈妈》

三段母子（女）情集合式电影，用三种外在不同却又内涵一致的母爱作为共同线索，将社会各个阶层与职业包罗其中。其间有催人泪下的苦情，也有啼笑皆非的搞笑，还有普遍存在的代沟与隔阂，使得同为“妈妈”的主题阳光照耀下结出了酸甜苦辣各式口味的果实。类似于命题作文下不同考生交出的答卷，揉在一起五味杂陈却又让人回味。

22、《爸爸》

从天而降的爸爸与一群联合国式多色人种混编童子军家庭的故事。有些《阳光小美女》的味道，却又少了些引人思考的气质，特别是结局完美得令人发指，使得本片过于近似童话而非《阳光小美女》式的真实与亲和。高雅拉又唱又跳煞是惹眼，暗合本片情节是选秀造星的一个成功案例。今年国产《洛杉矶捣蛋计划》套拍此片，却给人一种翻拍无力要扑街的预感。

23、《美娜的文具店》

小品式轻喜剧韩国电影，其最大的优点在于恪守本分的定位与走势，而不是像某些国内矮大上导演用尽全力试图将小情怀拍成高逼格的野心之作。本片单纯而质朴的将昔日情怀淡淡浅表，演员始终将情感内敛而非歇斯底里的释放，使低成本小制作影片不至于自我膨胀到难以遏制的高度，这一点很本分，也很难得。

24、《热血青春》

怀旧题材青春片，抛开了大陆同类题材影片里常见的时代背景的不断插入，本片只聚焦于单纯而纠结的少男少女多角初恋。甩开了这些沉重的时代包袱，使得本片较为清新与轻松。演员颜值不错，没给人一种成年演员扮嫩演出的伤。结局有些烂俗，如果处理为更为跳脱或隐晦的方式，也许会更好。

25、《狼少年》

时间线的拉长是此类影片的惯用套路，通过老人重返故地的回忆来叙事会让故事更具传奇性与厚重感。如果结局只是烂俗的“在一起”，倒不如来一场“相见不如怀念”的告别让人更加刻骨铭心。有时候遗憾也是一种美，狼性的忠贞与坚持让这种人间不应有的美又狠狠的加重了色彩。此类影片总能在片尾用某种方式撼动你的泪腺，前面所有的铺垫都是为了此刻的到来。顺便说一句，原来他就是大名鼎鼎的宋仲基啊。

26、《实习生》

【北影节】《实习生》：那人那街那建筑，让我莫名感动

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27、《和声》

【母亲节】影史上最为悲摧的苦命母亲专业户：金允珍

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28、《美国队长3：内战》

《美国队长3：内战》：美国队长的精神是什么？

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29、《豪勇七蛟龙》

【西部】曾经的西部之魂在哪里？

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30、《愤怒的小鸟》

《愤怒的小鸟》：手游改编电影的成功路线图

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【本月观影总数】 30 【短评数】25  【长评数】5

把“天启”作为本片的副标题，却将这样一个传奇大BOSS如此轻易的做掉，这让我不得不怀疑副标题的真实含义其实是——“天哪！重启了！”

不过，它也是时候重启了。

纵观叉人的银幕发展史，从2000年布莱恩·辛格凭《X战警》开超级英雄电影先河；2003年《X战警2》（导演仍为布莱恩·辛格）继续走上正轨；到2006年《X战警3：背水一战》更换导演为布莱特·拉特纳，并通过把重要人物X教授、琴、镭射眼都嗝屁掉以试图结束走上死胡同的三部曲。

在观众意犹未尽中，FOX在2009年派出导演加文·胡德鼓捣出单飞外传《金刚狼》以解狼迷之渴。商业上的诱惑让FOX面对这座金矿终日坐立不安，于是在2011启用怪才导演马修·沃恩重启了Ｘ计划，我们迎来了耳目一新的前传序篇《X战警：第一战》，它通过挖身世的方式让年轻的X教授在银幕上活了过来，并以英国方式（你懂的）为他量身定做了一位好基友——年轻版的万磁王，从此正传三部曲里的势不两立便演变为前传系列里的相爱相杀。

可终归X教授这样一个重量级人物在《X战警3》里是被该死的拉特纳给弄死了，这个隐患始终未能解决，给之后系列电影的前景蒙上了挥之不去的阴影。FOX下了死命令要把历史改写，于是在2013年《金刚狼2》（导演为詹姆斯·曼高德）的片尾彩蛋里我们赫然看到X教授出场邀请金刚狼去执行一项特殊任务。难道X教授就这样莫名其妙的复活了么？这里面一定有蹊跷。

2014年，布莱恩·辛格终于重回这个他一手缔造也同样让他名声大噪的电影系列，蓄谋已久的他祭出了一记重拳——《X战警：逆转未来》，这部前传第二集彻底让时间线回到了1973年，并大刀阔斧的直接把1973年～2023年之间的故事彻底从叉人历史书上抹去。这种一笔勾销的方式堪称儿戏，和孙大圣乱改生死簿有的一比。然而系列开创者就是可以这样任性，布莱恩·辛格蛮不讲理的将故事主动权掌握到了自己手中。

所以我们就看到了，2016年的《X战警：天启》在前两集交代了X教授、万磁王、魔形女、野兽这几位开国元勋的青年身世后，在本集中陆续推出了琴、镭射眼、暴风女、蓝魔、天使等次要角色的少年史。貌似本集仍是以前传的方式出现，其实FOX在下一局很大的棋，它已经通过开创者布莱恩·辛格将这个系列完成了一个环形结构并彻底将时间线拉回了原点。观众恍然大悟，这下X教授、琴、镭射眼真的活过来了，因为让他们死掉的那段历史给抹去了，他们又可以愉快的再重新玩耍一次了。

有关于时间线主题的系列电影其实不少，但诸如《回到未来》、《终结者》系列的时间线都是线形或树形的，每一部的前后关系也是清晰而容易理解的。而《X战警》系列加《金刚狼》外传共计8部电影的时间线却是网状加环形的，充满了矛盾与陷阱。如果观众不能按电影出品时间正向依次观看，就会很容易迷失在其复杂的时间线网络里被搞得云里雾里。

然而本次任性的重启把乱麻全数斩断，这下世界彻底清静了。他们可以抹去一切不愉快的回忆，在银幕上作回一对安静的美男子；而我们也可以抛却主角到底死了还是复活之类的纠结问题，重新和新一代X战警影迷们回到同一起跑线，看者银幕上的他们如何在新的三部曲里再次捉对厮杀了。

PS. 本集亮点与槽点：

1、 快银如何将“子弹时间”升级为“炸弹时间”，并会致敬上世纪哪首劲歌金曲？

2、 金刚狼如何一言不发的打酱油与抢戏？

3、 大表姐的“蓝色”时间会缩短到什么程度？

4、 传奇BOSS天启轻易被灭是制作经费下降导致的么？

5、 肉弹灵蝶将在续集中穿得更少么？

6、 如何看待帕特里克·斯图尔特与伊恩·麦凯伦的零出场，他们还会在未来的三部曲中出现么？

《魔兽》从立项开始便头戴着万众瞩目的光环，因为它拥有超级庞大的粉丝群体。我是一个“暴雪”的粉丝，却并非魔兽粉。因为我读大学那会儿还是《星际争霸》与《暗黑破坏神》横行校园与网吧的时代，同为暴雪出品并堪称这两大游戏继承者的《魔兽争霸》与《魔兽世界》登上历史舞台之时，如我般年龄的大叔们已经沉沦于海量工作与家庭建设中了。即便工作之余找点儿游戏发泄一下，也多半会选择更为暴力与直接的《星际争霸》与《CS》。所以我一直与魔兽绝缘，并注定此生与之擦身而过。

至于《魔兽（Warcraft）》究竟改编自《魔兽争霸（Warcraft）》还是《魔兽世界（World of Warcraft）》这个问题，如我般路人便更搞不清楚了。引进方也许正是想打这个擦边球，于是简称《魔兽》来吸引两者的粉丝。因为从英文片名《Warcraft》来看，明显把WOWER们置于了尴尬的境地。

《魔兽争霸（Warcraft）》是一款典型的RTS，即所谓的即时战略游戏，核心在于战略与战术的结合，后期发展为局域网对战游戏，强调多人配合军团作战，魅力在于4V4真人玩家PK。RTS起源于《DUNE2（沙丘2）》，崛起于《红色警报（Command & Conquer：Red Alert）》，巅峰于《星际争霸（Starcraft）》，其间比较著名的还有《帝国时代》、《横扫千军》等。倚老卖老的说，以上游戏我都玩到了烂熟。而到《魔兽争霸（Warcraft）》出现时RTS其实已走向了衰亡期，之后再无雄风之作。

而《魔兽世界（World of Warcraft）》则是典型的RPG，即角色扮演游戏，核心在于第一人称的参与式冒险，后期发展为网络游戏，强调玩家互动与组队，魅力在于不断升级与扩大交友圈。早期国产的《仙剑奇侠传》与《金庸群侠传》曾经凭借深厚的读者与连续剧观众的群众基础而雄霸国内PC市场，后期因为暴雪一款场景视效与情节均制作精良的《暗黑破坏神》分流了一部分RPG拥趸，并进而建立了后期网络时代WOW一统江湖之势。

《魔兽》其实是来源于这两款游戏共有的故事本源，即暴雪公司虚构的魔兽世界史实，它并没有像《指环王》那样成为名著，却依然成为了玩家心目中与之相媲美的虚拟史诗。如何同时改编《魔兽争霸》与《魔兽世界》这两款游戏于一部电影，并同时满足两类游戏迷的心理预期，这个问题着实让出品人头痛，我想这也正是该片经历那么多年才得以出炉的原因之一。毕竟RTS游戏迷们热衷于人海规模的大型战争场面，而RPG粉丝却迷恋于个体英雄的冒险经历与种族之争。

我们看到，导演邓肯·琼斯交出了一份折衷的答卷，力图满足两款游戏不同粉丝群体的需要，既有群殴作战，又有英雄任务式的经历与单挑PK。不知道这份良苦用心是否让两大粉丝群体都满意。

从成片与观影评论来看，似乎该片形成了严重的两极分化。宽容的粉丝仅仅因为“情怀”二字便把本片捧上了天。而苛刻的粉丝却怒其不争，严重质疑导演是否是魔兽真粉丝。究其原因，我觉得还是脱胎于游戏的故事本身缺乏主题性与连贯性造成的。换句话说，复杂历史背景与人物线索众多的大部头史实是很难浓缩到一部或几部电影里来的，比如《三国演义》。

而提到魔幻，提到史诗电影，就不得不和《指环王》做一番比较。

同为魔幻电影，虽然《指环王》篇幅很长，但它的故事线索却远比《魔兽》显得更为清晰与明确，说穿了它就是一部与《西游记》极其相似的公路片。通过一群身世、种族、地位、性格各异的个体组成一个小分队去完成一个目标单一的任务（西天取经或是毁灭魔戒），在旅途中他们经历各种磨难，从起点的胆小懦弱到终点的人格圆满，从最初的各怀心事到最后的齐心协力。漫长的征途中，每个个体战胜了心魔，完善了自己；而整个团队也由散沙最终凝聚在一起，铸就为一座牢固的坚塔。

这样目的性单一的故事明显比《魔兽》那种多线索、多目标的网状故事线更容易搬上大银幕，因为电影的时长根本容不下过多主角们的过多理想。组队RPG可以拍成三部曲，个体RPG却最好拍成外传式单飞电影。这便是《指环王》仍能给非书迷观众以循序渐进的清晰故事感而《魔兽》却把非游戏迷观众弄得云里雾里的根本原因。导演想一口气讲整个历史，却因为人物太多、渊源太深而难以在2个小时内充分厘清。

除开讲故事的角度，从场景变幻与人物登场方面来看，《指环王》也远高于《魔兽》。由于是单线索公路片模式，随着小分队的不断前行将遭遇不同的异域国度，从精灵森林、地宫到人类王城以及魔都，场景不断变化，充满了悬念与新鲜感，和《西游记》的一路西行有着异曲同工之妙，这便是步移景异的好处。

反观《魔兽》，一开场便因为诸位主角需要多线同时登场便将兽人大陆、暴风城、铁炉堡、卡拉赞之塔等重要场景于前10分钟内快速展现，以致于之后便沦为了剧情发展需要而重复出现的提示性地名贴片，使观众丧失了新奇感，即便是鸟瞰的角度发生些许变化也无法激发观众的眼球味蕾。

《指环王》里众多友军领袖与反派BOSS的不断登场也让故事充满了游历式的乐趣，而《魔兽》却在前半小时内就让一大堆角色悉数登场，造成了观众前半段脸盲、后半段脸荒的尴尬局面。

原剧本倾向于以人类为中心，把人类作为正面人物，兽人作为反面人物。而导演邓肯作为一个忠实的部落玩家，硬是将影片的主线转变为由冲突的双方引出两条同等重要的故事线。让《指环王》式的正邪不两立变成了《魔兽》里的两大阵营各为发展而好坏不分，这当然体现了世界二元性的辩证法则，也充分考虑了两大阵营玩家的均衡感受。但负面效应便是故事走向变得更加混沌与模糊，普通观众会缺乏代入感，进而丧失身临其境的紧迫感。

即便是正邪分明的太平洋战争，克林特·伊斯特伍德在讲述硫磺岛战役的故事时也从参战双方的角度套拍了《父辈的旗帜》与《硫磺岛家书》两部风格完全不同的电影，尽管都是以反思主旋律与战争作为主题。这种双角度各自成片的方式不妨运用到《魔兽》这样一个阵营如此分明的宇宙里。

以上种种原因造成了《魔兽》与《指环王》相比粉丝更多但评价普遍偏低的结果，归结起来也许问题还是出在了编剧上。本片肯定会有续集，希望编剧们耐下心来，分析一下导演的野心与观众的承受能力是否能在120分钟内取得舒适的平衡，并思考一下过于纷繁复杂的背景与线索是否可以通过片头片中或片尾的字幕与旁白来佐助以消除非游戏迷的隔阂感。而擅长倒叙插叙、设局与大反转的导演邓肯本次完全没能发挥出此类特长，也希望他在续集里能扬长避短适度的运用其看家本领，把魔幻巨制也能拍出些悬疑与回味就更有新意了。

老实说，在《壮志凌云》以前，汤姆·克鲁斯的电影我一部没看过。

也可以这样说，在《壮志凌云》以后，汤姆·克鲁斯的电影我几乎一部没落下。

所以我和大多数影迷一样，是从《壮志凌云》这部电影开始认识汤姆·克鲁斯的。

在我看来，这碗靓汤的熬成，经历了这样几个过程：

1、倚重食材：青春偶像时代

青春片是汤姆·克鲁斯出道时的大杀器，手握这把利刃，他初露锋芒。

凭借着托尼·斯科特导演的一部《壮志凌云》，小汤一战成名。并在之后同样由托尼导演的另一部壮志系列《雷霆壮志》里再次展现自己特有的制服诱惑，前一次是飞行服，后一次是赛车服。

同时期的小汤基本靠卖脸，那张俊俏的让所有男人羡慕的精致小脸活跃在各种类型片舞台上，带着墨镜，骑着摩托，但最终都离不开青春与潇洒的扑克脸模式。

《金钱本色》里搭档保罗·纽曼，《雨人》里搭档达斯汀·霍夫曼，两次与老戏骨们的合作不知道究竟是小汤的幸与不幸。幸的是如此年轻便能与两位演技派明星飙戏的确是难逢的机遇；不幸的是红花终须绿叶来配，两位大腕分别凭这两部电影摘得奥斯卡影帝，而小汤却连一次提名都没获得，只能傻傻的坐在颁奖台下装天真了。

这个时期，是汤姆·克鲁斯的青春修炼手册，大部分明星都要经历这个阶段，没什么好诟病的，毕竟有颜值也是一种资本。

2、调剂火候：演技突破阶段

《生于七月四日》是汤姆·克鲁斯演艺生涯中特别重要的一部作品，不光是因为他本人生于七月三日这样一个很接近于片名的日子，更重要的是本片彻底否定了外界批判他没有演技只靠脸蛋的所有说辞。

这部由奥利弗·斯通导演的反战题材电影几乎带来了汤姆·克鲁斯截止目前演艺生涯中最高的演技评价。影片后半段小汤彻底毁掉了自己青春的外貌，出演一位造型邋遢、终日酗酒、放浪形骸的越战残疾老兵。对于一个将外表形象视作高于一切的青春偶像来说，这不亚于一次自杀行为。

如果说小李子靠不断作践自己终于摘得了第88届奥斯卡影帝是一段大家热议的梗儿的话，汤姆·克鲁斯这位前浪早在1989年便已经拍死在沙滩上了。而小汤的此次自残应该比小李更用力，毕竟小李子在通向演技派的道路上已经神不知鬼不觉的慢慢长残了，而彼时才27岁的小汤长得和《壮志凌云》时24岁的自己并没有什么两样。

同样的付出不一定收获同样的果实，小汤并没有小李那么幸运。他没能入奥斯卡评委的法眼，《生于七月四日》为他赢来各种荣誉的同时却并未能为他捧回那最最闪亮的奥斯卡小金人。在第62届奥斯卡影帝争夺站中，他输给了自残程度更高、直接扮演全身瘫痪的丹尼尔·戴-刘易斯。在《生于七月四日》里，克鲁斯丧失了双腿；而在《我的左脚》里，刘易斯却只剩下左脚能动弹。在这场“看谁比我惨”的竞争中，小汤败下阵来。

之后的汤姆·克鲁斯并没有气馁，他在1997年与2000年凭借《甜心先生》与《木兰花》分别提名当年度的奥斯卡最佳男主角与最佳男配角奖，不幸的是他两次皆铩羽而归。

2008年，克鲁斯在《热带惊雷》里再次刻意扮丑作贱自己，不但秃顶蓄须，还大腹便便，吓得观众们不敢相认。但这次他出格的演出甚至连最佳男配角提名都没捞着，也让他基本断了自毁形象换同情的念头。

那期间克鲁斯游走于《义海雄风》、《大地雄心》、《夜访吸血鬼》、《香草天空》等各种类型的题材片里，试图证明自己的演技。它们或是大众的法庭片、史诗片，或是小众的吸血鬼片、悬疑惊悚片，但都非大制作的商业大片。从中我们可以看出克鲁斯心中对于自己的偶像派定位还是心存芥蒂的，他尝试突破，并付诸于实践。他甚至不惜牺牲色相出演了《大开眼戒》，只是寄希望于斯坦利·库布里克的金字招牌为自己赢来演技派的称号。

从《生于七月四日》、《甜心先生》、《木兰花》这三部电影都为克鲁斯带来了金球奖影帝来说，小汤不可谓不努力了，演技也为众人所认同。然而时运不济未能在奥斯卡上折桂也算是天公不作美了。但小汤并没有像小李子那样执念于此，他学会了放弃。

不再追名，专心逐利。小汤开始向阿汤哥过渡。

3、大牌锅具：商业大片阶段

在试图成为演技派并游走于中小制作政治片与文艺片之后，汤姆·克鲁斯开始将目光转向更为纯粹的商业大片。这种类型片一方面靠大投资，另一方面还得靠大导演。好汤还得好锅来炖，不用上大牌锅具，就只能等着收杯具了。

从《碟中谍1》与布莱恩·德·帕尔玛合作开始，汤姆·克鲁斯参演的众多商业大片里可谓大导云集。《碟中谍2》的吴宇森，《少数派报告》与《世界大战》的史蒂文·斯皮尔伯格，《最后的武士》的爱德华·兹威克，《借刀杀人》的迈克尔·曼，《行动目标希特勒》的布莱恩·辛格……每一位都是如雷贯耳的大腕。

这个阶段也是阿汤哥演艺生涯里的黄金时段，其身价与带来的票房也是令人瞩目的。这当中有克鲁斯自身的商业价值因素，更重要的是各种商业类型片领域里的诸位大导演操刀所致。

4、量身定做：动作大片时代

在对各种商业大片进行尝试之后，阿汤哥最终将自己定位于动作偶像的领域。每一位动作明星都需要一套独有系列来装点门面，要不都不好意思出去说自己是搞动作片的。就像施瓦辛格拥有《终结者》系列，史泰龙有《蓝博》与《洛奇》，布鲁斯·威利斯有《虎胆龙威》，范·迪塞尔有《极限特工》与《速度与激情》一样。汤姆·克鲁斯必须要拥有自己的品牌，这便是《碟中谍》系列。

阿汤哥在动作片领域是有先天劣势的，他的身高比不过施瓦辛格，体重赛不过范·迪塞尔，肌肉没法比史泰龙，流氓劲儿又输给了布鲁斯·威利斯。他聪明的把自己定位于智慧型特工形象，伊森·亨特身高、身材与身手在众多动作英雄中都算不上最顶级的，但论头脑与团队精神却是最杰出的。这便是阿汤哥独辟蹊径的动作英雄之路，随着《侠探杰克》系列的展开，他的特工之路愈发的宽广。

暗合了《甜心先生》的剧情，汤姆·克鲁斯早在1993年便与波拉·瓦格纳（Paula Wagner）成立了属于自己的Cruise/Wagner Productions电影制作公司，并参与制作了自己出演的从《碟中谍1》开始的几乎所有电影，并亲自担当部分影片的制片人。2006年 Cruise/Wagner Productions从米高梅手中收购了联美电影公司，此举更扩大了阿汤哥的电影版图并让他取得了更多的话语权。

当上老板的克鲁斯实际上已经可以自主决定影片的走向了，这从他最近几年的导演挑选便能看出，J·J·艾布拉姆斯、布拉德·伯德、克里斯托夫·迈考利、道格·里曼这几位导演基本上都是克鲁斯钦点的。在彼此创作理念磨合后将会不断的为他自己量身定做更多的动作大片。

从很多角度来看，汤姆·克鲁斯和刘德华、贝克汉姆非常相似：青春偶像成名，演技（球技）天赋算不得是一流，在历经冲奖失败后并不甘于终身偶像派的定位，通过勤能补拙的不懈努力，在某些自己擅长的方面成为标杆式人物。在卖脸开始吃力的时候，他们开始卖“肉”，这里的“肉”指的是汗水、体力与拼博精神。他们都是各自领域的偶像级明星，同时也是首屈一指的顶级劳模，提到他们的敬业精神，没几个演员（球员）能与他们相提并论。

一碗靓汤就是这样炼成的，它需要挑选良好的食材，再通过火候的调剂，用优质锅具慢慢炖制，最后再量身定做进行调味与调色。似乎说起来容易，但真正看遍全过程，我们才发现其中的艰辛与磨砺并不是常人所能克服的。

汤姆·克鲁斯便是这样一道风景，不管你喜欢他还是讨厌他，你不得不认同他的勤奋与敬业精神。银幕上的他总是那样的谦逊与乐观，正如演艺道路上的他，将痛苦与委屈都埋在了心里，永远用阳光般的笑容面对命运中的挫折。他的人生具有正能量，他不知疲倦的拼博，他用辛勤的汗水谱写着一段不老的传说。

1、《希区柯克》

正面描写希区柯克的一部电影，将其夫妻关系按主旋律电影的模式进行编剧，未免有些煽情过了头。影迷则更关注其经典电影《惊魂记》的诞生与插曲。安东尼·霍普金斯演得很棒，虽然形象不那么像，总让人先入为主的脑补霍普金斯本人的面容。斯嘉丽·约翰逊是当之无愧的金发美女，如若生逢其时一定会是希胖的最爱。

2、《那个女孩》

有关希区柯克与一位金发希女郎的传记片，让我们看到这位天才背后猥琐与不堪的一面。本片一定会为希粉与希黑所重视，对于一位普通影迷来说，这不过又是一部八卦花边式的隐私题材电影。值得一提的是，片中还原《群鸟》拍摄现场的情节震撼力爆棚，对于希区柯克研究者来说是一场资料片，对于希望从事演员工作的潜在巨星们却不啻为一场恐怖片。

3、《摩纳哥王妃》

格蕾丝·凯利有两个身份，一是奥斯卡影后，二是摩纳哥王妃。本片着墨于第二个身份，却仍在在明星传记与政治题材之间游走，有一种两边不讨好的感觉。妮可·基德曼在外形上完全可以与本尊比肩，但在高贵气质上仍输了三分，所以谈形神兼备似乎还差了那么一些。格蕾丝·凯利是个宝库，相信好莱坞不会这样轻易放过，对她的挖掘肯定还会继续下去。

4、《戴安娜》

同样是王妃，比起格蕾丝·凯利，戴安娜则显得更有人间的烟火味。本片聚焦于她的一段婚外情，力图给人一种八卦恋情转真爱的感觉。然而对于大部分不明真相围观群众来说，皇室家庭的绯闻的确是个卖点，但不管导演怎么用力，观众都很难从中看出代表片名“戴安娜”的人格与性格来。毕竟这个片名，有点儿太大了。

5、《布鲁克林》

女性题材电影，可以戏称为“一个女人的双城记”。主题词有两个：思乡与励志。特别适合在外留学或工作的洋漂一族观看。如果有以上两种经历，也许你会被感动到莫名流泪。反之，你也许会嗤之以无病呻吟。故事比较平淡，人物传记史诗题材爱好者可以绕开，毕竟它描写的是一个小人物的命运。恰恰是因为真实，所以显得更加温暖。

6、《拳王阿里》

迈克尔·曼执导的人物传记片，角度与叙事皆有独到之处，包括拳击比赛的镜头视角都与众不同。威尔·史密斯不仅塑造了一个很帅的阿里，也让观众看到一个风流、调皮、爱嘲弄挑逗对手的活生生的拳王，更让我们看到阿里乐观、善良、坚持信念、对不公勇于抗争的斗士形象。拳坛内外，阿里都是一名真的勇士，值得世人尊敬。

7、《灵魂歌王》

无可挑剔的人物传记片，无可挑剔的最佳男主角。很多艺术家都有人格缺点，甚至有身体缺陷，但这并不妨碍他们与众不同的细腻感性与表达方式。他们比我们离上帝更近一步，所以才能捕捉住灵魂里更加神性的一缕。可与之相伴的是，他们也更靠近魔鬼，所以才会有那么多不被常人所认同的乖戾。

8、《林肯》

史蒂文·斯皮尔伯格与丹尼尔·戴-刘易斯之所以超凡，在于他们可以把平淡的人物与故事演绎得震撼人心，也同样可以把伟大的巨人演绎得平易近人。本片使不熟悉美国历史的国人看到林肯这样一个神级人物背后真实的一面。在作为杰出政治家的同时，林肯仍是一名标准的政客，他同样会为达目的不择手段，包括贿选。他并不想成为一名道德圣人，他只是在完成时代赋予他的职责，追求力所能及的正义。

9、《黑道传奇》

作为黑帮电影，本片显得有些沉闷与拖沓。不多的看点来源于，首先它改编于真实的故事，其次便是汤姆·哈迪精神分裂般的一人分饰两角。他所扮演的孪生兄弟一个沉着老练，另一个歇斯底里，着实有些考验演技。

10、《危机大逆袭》

根据真实事件改编的政选电影，从中我们可以看到民主所蕴含的商业价值，所谓民选制度也同样可以充满欺骗与伪善。政治家的嘴脸其实更多仍是一场化妆与彩排后的面部表演，很多时候它来得比商业广告还虚假。你对国家领导的选择其实仍是在百事可乐与可口可乐之间做出选择，它们的口味非常接近，在第一口冰爽解渴之后，便是胃部不适所引发的一个长长的嗝。

11、《功夫小蝇》

传说中的印度神片，原来就是脑洞大开＋视效渣渣……期待中的苍蝇歌舞MTV没有出现，惟一值得关注的是阿三片里女主角永远的那么养眼。

12、《幻影车神3》

视觉效果超炫的印度大片，小故事撑起大制作。阿米尔·汗除了印度憨豆的一面原来还有肌肉壮男的资本，演起动作片来也不含糊，这种亦正亦谐的演员真是印度的国宝。卡特莉娜·卡芙太迷人了，有了她再长的歌舞插播我都愿意看。

13、《保镖》（2011年印度版）

大部分印度电影很难摆脱剧情幼稚的诟病，比如本片。让萨尔曼·汗与卡琳娜·卡普这个年龄的明星来饰演校园里富家千金爱上木讷保镖的童话故事不论从哪个角度来看都充满了违和感。肌肉爆衫的萨尔曼·汗与日显老态的卡琳娜·卡普从颜值上撑起了这部低幼的电影，但仍然让观众落下了一地的鸡皮疙瘩。

14、《无畏警官2》

拥有非常炫酷武术设计的印度动作片，真心打得是行云流水与脑洞大开，看来宝莱坞的动作设计完全可以独立于其他武术之乡而自成一派了。还是萨尔曼·汗与卡琳娜·卡普的组合，看来他们俩可以搭配任意片种。

15、《特工维诺德》

印度本土的007电影，国际化的拍摄地点与紧凑明快的叙事节奏明显借鉴007模式。只是剧情略显粗枝大叶，漏洞颇多。歌舞犹如植入式广告一般无厘头的出现，还好舞蹈形式每次都有创新，让人也不觉得乏味。不管它的007山寨味道有多浓，也甩出天朝《富春山居图》好几条街。从国际化商业片的野心来看，丝毫不输给亚洲的几个强国。

16、《宝莱坞大玩家》

印度版的《偷天换日》。同样的盗宝情节，同样的内鬼重重与勾心斗角，同样的两代恩仇与胜负反转，可让三哥拍起来不知为什么就显得那么浮夸与热闹。以前我一直认为印度片是在电影里硬塞歌舞戏，后来我才发觉似乎这些电影是围绕着既定的歌舞片段在外围填充着剧情才对。

17、《共犯》

关于15年犯罪公诉期即将结束前发生的故事，悬疑线索撑到了片尾，结局意料之中但演绎的方式却是意料之外。只能说老爸金甲洙实在是“演”得太好了，而共犯女儿孙艺珍也煽情“配合”得太到位了。

18、《蒙太奇》

没想到韩国人能把“15年犯罪公诉期”这样一个题材拍出多部电影，而且居然都是以多年前未能侦破的儿童绑架案作为线索却拍出了完全不同的套路。本片也是悬疑片，故事情节却比《共犯》设计得更为精巧与有趣。悬念也几乎能延续到结尾才被观众猜到，是一部很有创意的探案片。尽管剧情与前后人物性格的变化仍有经不起推敲的地方，但仍不可否定影片的高质量。

19、《恐怖直播》

非常精彩的犯罪惊悚片，1VS1的单挑模式考验的就是主角的演技。本片堪称河正宇的独角戏，能担起这种大梁的韩国男演员还真不在少数，而反观天朝又能有几位呢？本片所反应的报复社会心态所引发的恐怖袭击事件在国内亦不少见，但扛着“和谐社会”大旗的中国影人敢于拍摄此种现实题材电影的能有几位呢？

20、《深夜FM》

把电视直播换成电台播音，把男主播换成女主播，韩国人又玩出了新花样。相比《恐怖直播》，本片的格局就小多了，落入了变态粉丝的小众俗套圈圈，离现实意义相差就更远了。

21、《走到尽头》

大雪崩式的悬疑片，由一件偶发的酒驾事故引发漩涡般的一系列谜局。剧情步步惊心，黑色幽默十足，殓尸间与鱼塘边的情节设计创意十足，令人拍案叫绝。“勿以恶小而为之”是本片的主旨之一，但片尾男主角的飞来横财似乎又在告诉大家：偶而为之也不为过。

22、《坏蛋必须死》

中韩合拍的黑色喜剧片，与宁浩的诸多电影类似，强调多线索故事的环环镶嵌与首尾衔接。精心设置小伏笔与潜在线索是对此类电影编剧水平的考验，倒叙插叙必须有但却不能过于凌乱也是该类型电影的成败底线。本片试图构建完整与精巧的布局，有野心也有行动，虽然有些设置显得过于生硬，但仍是一部值得鼓励的类型电影。

23、《恶棍天使》

真心厌烦这种低俗胡闹的电影。邓超若想要成为内地版的周星驰仅靠这种低级的山寨与复制是很难再现当年星仔的神话了。毕竟彼一时此一时，时代已经发生变化了，就连周星驰都在不断的创新与变革（《美人鱼》除外，那也和邓超有关），更何况你一个毫无风格积淀与群众基础的邓超。野心大不是坏事，过于自嗨就是你的不对了。

24、《新娘大作战》

浮夸、做作，看得我尴尬症都要犯了。惟一的亮点是黄晓明与冯绍峰分别于片头与片尾的客串演出。为两位主演Angelababy与倪妮量身定做的龙套卖点，却因为冯绍峰和倪妮现实中的分手变得无比尴尬与讽刺。

25、《新步步惊心》

没看过连续剧，所以完全没有所谓的情怀，我看到的只有低幼的剧情与肉麻的台词。冒着被剧迷喷死的风险，我要弱弱的问一句，就这样的穿越梗儿能支撑起一部长达35集且风靡全国的连续剧么？我想不至于也不可能吧。不是为了看看陈意涵，我都不知道怎么忍下来的。

26、《滚蛋吧！肿瘤君》

作为小妞电影的旗帜式人物，白百何的确有她的看家本领与过人之处。在她收放自如的表演下，吴彦祖都仿佛给挤到了银幕外面。本片题材好、故事好、演员好，也很感动人，可要拿去冲击奥斯卡却明显不具有卖相与爆发点，光你的台词量就明显高过历来奥斯卡最佳外语片N倍。所以它是一部好电影，但却不是一部合格的典型参赛片。

27、《X战警：天启》

长影评：【X战警：天启】：天哪！重启了！

http://i.mtime.com/kenshin/blog/7963977/

28、《魔兽》

长影评：【魔兽】对比《魔兽》与《指环王》的改编方式

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【本月观影总数】 28 【短评数】26  【长评数】2

对于如我般年龄的大叔影迷来说，1996年上映的《独立日》（当时译名为颇为霸气的《天煞：地球反击战》）无疑具有大片启蒙教育般的里程碑意义。而时过20年后姗姗来迟的《独立日2》则更具有一种怀旧气质，所以我看待它的态度则更加宽容与怜惜。撇开对《独立日2》的主观评价，我更想聊聊这20年间戏里戏外世界究竟发生了什么。

1996年，《独立日》选择在7月4日美国国庆日的前一天上映无疑是具有商业与政治用意的。1776年7月4日大陆会议在费城正式通过《独立宣言》，从而宣告美利坚合众国脱离英国而独立。这其实与片中美国军民抗击外星侵略者不具有可比性，但美帝傲娇的主旋律味道却丝毫不差。而时至20年后的2016年，《独立日2》选择在6月24日上映则更具有戏剧性，因为这恰恰是英国这个美帝前主人现任宠物狗用公投形式宣告脱离欧盟的日子，这是另一个重要的独立日，其轰动效应使它非常轻易的抢走了《独立日2》全球上映的头条。

1996年，《独立日》的上映使导演罗兰·艾默里奇声名大噪。20年间，他又拍摄了《哥斯拉》、《后天》、《2012》、《白宫陷落》等灾难大片，使其成为当之无愧的地球毁灭者。

1996年，艾默里奇的中国情缘并不深厚。20年间，他对帝国主义诸多地标无情摧毁的实际行动已使他成为中国人民心心相印的老朋友。受到2007年中国船舶创出300元这样一个A股历史天价的启发，他在《2012》中把建造大船的任务交给了我们，这是艾默里奇与中国元素的第一次亲密接触。2016年，他在《独立日2》中浓墨重彩的彰显了中国元素。

1996年，我们还在使用Win95，MSN刚刚起步，腾讯还未诞生。20年后，《独立日2》中的主角们都在使用QQ聊天，仿佛全世界的网络通讯已完全被企鹅所占据。

1996年，蒙牛乳业尚未成立。20年后，它已经成为《独立日2》中月球太空站的指定饮品，中国制造再一次YY般的屹立于世界之林。这才是本片之所以被称之为科幻大片的真正原因。

1996年，一个叫作杨颖的女孩才7岁。20年后，她成为了《独立日2》中受人敬仰的战斗机飞行员。她操着国语在太空防御总署发号施令，仿佛中文已经成为了全宇宙的官方语言。

1996年，中国距引进第一部美国大片《亡命天涯》才2年。20年后，好莱坞已进入了我们的日常生活，而我们也在如《变形金刚》、《地心引力》、《火星救援》等越来越多美国大片中看到中国演员以及中国制造的身影，虽然他（它）们多是以金钱或商业目的换来那为数不多的出场机会。

1996年，我还在读大学，怀着激动的心情在校外录像厅里吱嘎作响的凳子上看完了《天煞：地球反击战》的VCD盗版，145分钟的时长意犹未尽。20年后，身处IMAX影院舒适沙发椅里的我一边提防着手机时不时的骚扰一边耐心的看完了《独立日2》，2小时的时间却丝毫没能让我兴奋起来。

1996年，《独立日》里外星飞船巨大身影在太空中从头顶驶过的镜头前无来者，其震撼效果让我终身难忘。20年后，这个镜头再次出现，而且飞船的尺度呈几何化增长，它的“巨大”几乎覆盖了半个地球。艾默里奇用从《后天》更新到《2012》般的套路强行升级了《独立日》的版本，并试图斩断山寨者试图模仿并与之攀比的念想。他的这一目的达到了，短时间内世人都只配仰止了。然而，除了一个大写的“大”字，它还留下了些什么？20年前那惊鸿一瞥的末世恐惧感如今却被满满的土豪炫富所替代。除了情怀，它还能消费什么？

1996年，威尔·史密斯刚刚凭借《绝地战警》初出茅庐，正是这一部《独立日》才使其声名鹊起。20年后，他却因为身价太高无缘《独立日2》的回归盛典。

1996年，饰演总统的比尔·普尔曼与饰演电脑工程师的杰夫·高布伦在好莱坞的星途不温不火。20年后，他们依然没能如史密斯般大红大紫。在《独立日2》里，他们苍老了许多。

1996年，美国总统是比尔·克林顿。20年后，《独立日2》里美国当政的是一位女总统。现实世界里，美国也许真的会迎来它历史上的首位女总统——希拉里·克林顿。

1996年，欧洲杯决赛上，德国队凭借超级替补比埃尔霍夫的一粒绝杀金球让捷克队突然死亡。20年后，德国队刚刚淘汰了意大利，向着冠军挺进；而捷克队却在小组赛中因积分垫底而早早的打道回府。

1996年，英格兰队的前锋是希勒与谢林汉姆，而意大利队的前锋是皮耶罗与卡西拉齐。20年后，两队的前锋已面目全非到我完全不认识的程度，并对鲁尼为什么时候沦落到了中场表示完全不知情。

1996年，艾默里奇摧毁地球的方式还停留在用飞船底部的强大激光束秒杀白宫等美国地标建筑的套路。20年后，《独立日2》已发展到直接利用飞船质量所自带的引力将全世界地标建筑连根拔起再扔到如伦敦等标志性灾难头条城市，期间还引发了诸如海啸等综合性灾难，堪称艾默里奇毁灭世界大合集。

1996年，《独立日》里的外星人毁掉了纽约的大部分摩天大楼。20年后，这个任务的一部分被地球人自己完成了。

1996年，《独立日》里地球各国因为遭到外星入侵而同仇敌忾。20年后，《独立日2》描述了全世界人民空前团结共同建设月球空间总署的美好景象。现实世界里，地球公民并没有如导演期望的那样一致对外，世界变得更加分崩离析与彼此仇视。

1996年，陈奕迅才出道，发行了他的个人首张专辑。20年后，我们是否能改编一下《十年》里的歌词以表达如今的感受：

二十年之前，我刚认识你，你不属于我。我们还是一样，陪在一个陌生人左右，走过渐渐熟悉的街头。

二十年之后，我们是朋友，还可以问候。只是那种温柔，再也找不到拥抱的理由，情人最后难免沦为朋友。

每个时代的孩子都有自己的童年动画小伙伴，就像现在的孩子整天泡在《喜羊羊》、《熊出没》与《猪猪侠》里一样，我的初中记忆是和《变形金刚》、《太空堡垒》与《忍者神龟》分不开的。

那个时代并没有互联网，境外动画片的惟一来源全靠央视或地方台的译制引进。1987年美版动画系列片《忍者神龟》被国内引进应该是在1990年，我看的也真是这个最古老的版本，并成为了其忠实粉丝。

90年代香港嘉禾为打入美国市场拍过3部票房不错的真人电影，如今看来也是造型粗陋得不忍直视。之后2000年重启的新版动画系列我就完全没关注过了，毕竟彼时我已经被《灌篮高手》、《EVA》、《攻壳机动队》等日式动漫所洗脑，对于略显低幼的《忍者神龟》已经不屑一顾了。

2007年中国意马工作室与美国华纳联合开发了CG动画大电影，重新吸引了我怀旧的目光，因为此时已进入工作麻木期的我终于开始沉静下来思考人生，说直白一点就是开始怀念童年那些无忧无虑的烂漫时光了。可惜这一部动画电影并没有掀起复古浪潮，漂亮的动作设计终究还是没能激起大众的情怀G点，它沦为了一部叫好不叫座的昙花之作。

直到2014年迈克尔·贝携《变形金刚》大获成功的余威所监制的真人电影版《忍者神龟：变种时代》的上映，我那童年记忆的热血才又再次燃烧了起来。说实话，第一部的出现还是让我这个多年前的忠粉着实激动了一番。毕竟距离相识也有二十几年的时间了，曾经相伴的美好时光早已一去不复返，那些一起打闹着上下学的小伙伴们早已疏于联系，而我们那年轻而单纯的心是否还在，也已经难以言说了。

2016年该系列的第二部《忍者神龟2：破影而出》终于登陆内地，与大部分年轻观众揣着爆米花心情去观影所不同的是，我仍是扛着那面沉重的情怀大旗走进了影院。散场后才发现，和《变形金刚》系列一样，首部那种长期等待后火山爆发般的感染力在续集推出时消退了很多，只能靠不断登场的新人物才能针灸般的刺激我那大脑深处沉睡已久的脑页神经。比如本集里的凯西·琼斯、牛头、猪面以及差不多忘得一干二净的大BOSS朗格。

说到我最喜欢的神龟，那肯定是米开朗基罗了。

早在初中年代，我就对动画片中那个带着黄头巾的家伙情有独钟。一是因为他是神龟兄弟中最为活泼搞笑的一位，孩子们没几个不被他的滑稽逗得前仰后合；二是因为他使用的武器是双截棍，正好是那个时代李小龙热度不减的产物，很多男孩子都梦想着有这么一件“哼哼哈兮”的顺手兵器；三是因为顶着意大利姓氏的他最爱吃披萨，在那个还没有必胜客的时代里，我们只能盯着米开朗基罗的披萨盒子解馋了；四是因为我的姓名首字母也是M，理所当然在小伙伴们神龟角色扮演游戏里担任米开；五是因为通过后期的延伸阅读（罗曼·罗兰的《巨人三传》），我爱屋及乌的喜欢上了米开朗基罗这位文艺复兴时多才多艺的文化巨匠，在我后来大学所学的专业领域里，建筑师米开朗基罗也时常出现在我的教科书中。

颇具反差效果的是，历史上的米开朗基罗是个勤劳、清苦、严谨不苟、极度自律的人，因为相貌丑陋与性格孤僻极度不受人喜爱，甚至一度贫寒交加，这与同为文艺复兴三杰的达·芬奇与拉斐尔的富足完全不同。而且据说米开朗基罗有同性恋倾向，与达·芬奇追求科学与哲学、拉斐尔贪图美色与享受不同，米开朗基罗几乎一生都过着清教徒般的清贫生活，他的作品充满了一种难以名状的悲剧色彩。所以他的名作往往不是绘于纸上的贵族肖像画，而是需要观者怀着肃穆之心驻足仰视的宗教壁画或穹顶画，而此类创作的艰辛过程非常人所能想像，其对身体的摧残与折磨更是令普通宫廷画师望而却步。

这些都与动画与电影中那个调皮搞笑、爱吃披萨、颇有女人缘的神龟老四格格不入，但却令我对这个爱耍嘴皮子的乐天派更加青睐。因为我相信如果真有投胎转世，上帝一定会为他那位1564年步入天堂的忠实仆人选择戴上那象征乐观的黄头巾，因为他的前世实在是太坎坷而压抑了，需要在今生彻底迎来开朗与欢笑。

电影散场时熟悉的87版动画片头曲响彻在影院内，望着鱼贯而出的年轻影迷，我安静的坐在沙发上，慢慢摘下3D眼镜，仿佛摘下了那黄色的眼罩头巾。这一刻是属于我们那一代人的，伴着迪斯科节奏的音乐，我们从潮流时尚的舞台上退去，却在另一个名叫生活的战场上重燃斗志。

“当我们第一次知道要拍魔术电影的时候，其实我们是，是拒绝的。我们跟导演讲，我们拒绝，因为，其实我们，根本不会魔术……导演跟我讲，拍完加特技，魔术很酷很炫很帅……加了一个月特技之后呢，魔术DUANG~~~后来我们也知道它们是假的，是CG成分的。”——天眼四骑士

理由1：喜欢魔术，也喜欢魔术电影，但不太喜欢以魔术为幌子的魔幻电影。《惊天魔盗团》系列从第一集开始就把自己定位为电影视觉魔术电影，而并非展示真实魔术的电影，它的绚丽魔术戏多半是由CG制作完成，比如本集最为惊艳的雨滴悬停。炫耀视效特技可以，但美其名曰大型实景魔术就有些唬人了。

理由2：刘谦的魔术为什么火？因为那是近景魔术，靠的是手快足以欺骗观众的眼睛。本片的一场重头戏是四骑士盗芯片，强调的就是这一类的手法。但观众明显可以看出这场华丽表演的核心——那张“牌”，是后期CG处理出来的，在四骑士手中飞来接去就如精确制导一般，我真为影院里连声叫好的观众感到无比尴尬。从机器上拆下芯片原本才是这次行动难度最高的环节，居然像车底换零件一般的轻易搞定了。而原本藏在鞋底就能混过检查的过程却非要弄得跟马戏团表演式的复杂，当真是把如此高戒备密室的监控器视若无物么？

理由3：万能催眠术既然可以控制所有人的意志，干嘛还要把简单的事情弄得那么复杂？无法赞同魔术电影滥用催眠术，因为它应归类于魔法而不是魔术。

理由4：《惊天魔盗团》系列一直有过于自嗨的毛病，每次魔术表演时观众的雀跃都弄得跟MJ在世似的，让人很难形成代入感。毕竟魔术算不上非常主流的舞台表演形式，望着满银幕那嗑药般反应的群情激奋，天朝浩浩荡荡的五毛水军肯定也会自叹不如，这托儿多得都快赶上咱奥运会开幕仪式了。片中这种不断重复的自嗨让观众鸡皮疙瘩掉了一地。

理由5：不喜欢主演杰西·艾森伯格。虽然他有着犹太人的姓氏，却长着一张纳粹党人的面容。他每次演主角都给人一种阴郁奸邪的味道，很容易出戏。

理由6：比一个纳粹脸担当主角更糟糕的事儿便是有两个主演都长着纳粹脸。伍迪·哈里森是那种不化妆便能演盖世太保的家伙。他演坏蛋可真是霸气十足，比如《天生杀人狂》，可让他来演正面人物的确有些挑战观众的审美底线。

理由7：导演你确定这次新来的女骑士不是敌人派来的卧底么？怎么看她都与其他几位不搭调啊，虽然上次那个我也压根儿没啥印象。

理由8：为什么续集电影都要重复《终结者2》的套路把首集中的大反派改邪归正呢？摩根·弗里曼长得那么黑，真有必要为了强调马克·鲁法洛老爸的受人爱戴而在本集末尾洗白白么？这种为了反转而反转的刻意安排只能让观众感觉观看第一集时的表情被严重浪费了。

理由9：把我见犹怜的迈克尔·凯恩一而再再而三被送入监狱是我等善良观众所不齿的。看着老阿福一副无辜的表情，导演你真有信心与实力把这样一位老好人形象代言人的群众基础分分钟击垮么？

理由10：蓄须的“哈利·波特”可能是史上最受人同情的反派了，他在飞机上对昏迷四骑士的所作所为可谓风度与风趣的完美结合。想像一下同样是拍照留念，四骑士要是落到了陈冠希手中会是何等的下场？一场菊花与鲍鱼的盛宴可能在所难免。这样一位仁至义尽的优雅反派无疑比四个一心惦记着曝光率的魔术小混混更加受人怜爱。

理由11：四骑士从屋顶滑道坠入澳门厨房的桥段可视性很强，但却完全经不起逻辑推敲。“哈利·波特”有必要花那么多人力、物力、车力、时间与群众演员去瞎折腾一番么？毕竟最终结果也就是把四人带到自己的豪华套房而已。自负的情绪已经在飞机上的拍照环节中得到了完美释放，把他们丢一次厨房完全是为了满足编剧的自负而已。

理由12：为了中国的票房请来了周杰伦这个魔术爱好者客串，这个创意非常棒。只可惜周董耍帅的戏份太少，要再来一句华人影迷耳熟能详的“唉哟，不错哦”才更为过瘾。

理由13：《惊天魔盗团》系列以视效见长，但论观影后能留给观众的回味空间就太少了。比较同为魔术题材的电影。诺兰的《致命魔术》通过剧情的精巧编排，让观众在散场后仍能意犹未尽的讨论片中的伏笔与悬疑，这种电影才会勾起观众二刷的欲望。

理由14：与《惊天魔盗团》同年上映的《超级魔术师》，虽然票房上被前者击败，却仍能给我留下深刻的印象。那种过气魔术师深深的无奈与自嘲正是几位主演史蒂夫·卡瑞尔、金·凯瑞的真实写照，这一点与《鸟人》中的迈克尔·基顿有着异曲同工的共鸣。而《超级魔术师》末尾那场迷晕观众的桥段无疑被《惊天魔盗团2》山寨到了澳门厨房，区别就在于前者虽然看似荒唐滑稽却有着呼应影片主题的必然性，而后者却明显只是抄袭植入故弄玄虚而已。

理由15～100：写累了，歇会儿吧。显然本片并没有堕落到罄竹难书的地步，因为我其实还是乐滋滋的在影院里看完了全片而没有中途退场。但影片的华丽视效的确难掩内涵的苍白无力，它是一部不值得二刷的电影。喜欢它的人也许会有100条理由，而不喜欢根本不需要理由。因为不喜欢，就是不喜欢……

2015年奥斯卡颁奖典礼上，获得5项提名的《大空头》最终只获得了最佳改编剧本这一个奖项，然而这并不妨碍它成为观众心目中的好电影。因为它用一种浅显、风趣的方式讲述了一个非常深奥与枯燥的事件——美国次贷危机。

2007年爆发并席卷全球金融界的美国次贷危机已经过去很多年了，但它的确从很多方面改编了整个世界的格局，其留下的深刻影响潜移默化的浸入了我们每一个人的生活。然而这么大级别的一次金融风暴却很少被改编成为电影，这不得不说是一件奇事。是好莱坞害怕惹怒金融权贵而刻意为他们遮丑么？显然不是。我想多半还是因为素材过于专业化导致剧本容易陷入生涩难懂而难以搬上银幕。

幸好还有迈克尔·刘易斯这样一位著名金融记者以及亚当·麦凯这样一位擅长喜剧片的导演，才让这样一部既深刻又不乏幽默的好电影让我们从侧面了解到这一场金融飓风的暴风眼里究竟发生了什么。

影片非常专业、系统且生动有趣、深入浅出的讲述了次贷危机引爆的导火索—— MBS（住房抵押贷款证券）与助燃剂——CDO（次贷证券集合）的来龙去脉。并暗示了美国这样一个良好运行若干年且机制完备的金融制度为何顷刻间倒塌的内在原因，那便是美联储V型反转的货币制度以及格林斯潘对于房地产泡沫过于乐观的态度，也包括标准普尔、穆迪等重量级评级机构为了彼此竞争而对次贷违约风险睁一只眼闭一只眼的失责，当然最重要的仍是美林、摩根大通、雷曼兄弟等金融机构为了高效率赚取利润而制定出看似天衣无缝、实则漏洞百出的金融产品。

从 MBS到CDO，普通老百姓与非金融人士根本搞不懂它们的构建与盈利模式。它们涉及到了长期债权（银行房贷）通过创新性证券化吸引长线投资而让原债权人短期变现，将优质债与垃圾债打包以降低产品风险，再层层分销到整个华尔街乃至全球以分散风险等等一系列颇为复杂的过程。它原本是以证券化的方式加快货币流通并平摊风险，出发点是良好的，却因为过于信赖事后被证明有渎职嫌疑的评级机构而忽视了基层违约风险。

从片中可以看出那时整个美国都麻醉于房地产高速增长的虚假繁荣中，所有人都嘲笑看空者。而贪婪的金融机构将资金杠杆过度放大也注定让这场灾难演变到了几乎无法收拾的地步。这些都很容易让普通人质疑金融业存在的基础：不直接产生实物与价值的行业究竟有何存在意义？

然而通过一部电影显然无法探讨如此宏大的命题。所以导演只是通过四组大空头在本次危机中的先见之明来警示金融体系那看似环环相扣、无懈可击的盔甲下实则蕴含着无穷的杀机，而这四组看似发国难财的成功者并非没有提前告诫大家，只是身在泡沫中的人们不愿意从美梦中醒过来而已。

这四组大空头为什么快人一步？他们各有什么成功的秘诀呢？

第一组：克里斯蒂安·贝尔扮演的对冲基金经理迈克尔·巴里。

他是靠纯粹的案头工作来发现危机苗头的。这需要他仔细阅读大量的MBS基础文件。据说除了这些文件的起草律师，全世界只有巴里博士认真阅读了它们，因为其他人都依赖于貌似公正的评级机构。金融从业者最平实却又最高深的武功便是理性与严谨，在这两方面做到登峰造极的巴里博士发现了漏洞，并通过金融机构为自己定制了看似傻瓜才会要的房地产做空产品—— CDS（信用违约互换）。可以说，巴里博士是一个人在战斗，几乎全世界都与他为敌，都在等着看他的笑话。

由于是他最先发现并创始这种做空产品，他势必经历最长的亏损期，因为在真正危机爆发前他的基金都必须按月支付数额巨大的保险金，这让他旗下的基金市值最高亏损至－ 19.3%。于是他的老板与投资人勃然大怒，纷纷施压于他。此时的他是最为孤独且抑郁的，但他的另一项绝学发挥了巨大的作用，那便是无与伦比的抗压能力。他通过在办公室里拼命演奏重金属音乐来缓解压力，并熬过了这场漫长的两年等待。他的基金收益成绩单最终定格为+ 489%，在这场金融海啸中，他笑傲江湖。

巴里博士是金融界的一个另类，与那些在拉斯维加斯开同业者大会时还穿着西装革履的标准商务人士不同，他平时在办公室仍然穿着邋里邋遢的T恤与短裤。正是这种重里子而不屑面子的特立独行才让他在华尔街显得卓尔不群。

第二组：瑞恩·高斯林饰演的金融掮客贾瑞德·韦内特。

他偶然间听说了业界关于巴里博士的笑话，并从中嗅出了商机，不但自己购买 CDS（信用违约互换），还四处游说各路基金经理，试图在与他们的合作中抽取佣金。他的汇报方式相当“立体”，用叠叠乐这种儿童玩具完成了次贷坍塌的形象演示。

他的成功模式是华尔街的范本：嗅觉灵敏，惟利是图，不择手段将利益最大化。自己的资金全压上仍嫌不够，还得想方设法拉更多人上船以赚取佣金。这是典型的华尔街做派，油滑而嗜利。他的诀窍很“常见”，所以导演没有花太大的笔墨来书写，又或许是不屑吧。

第三组：史蒂夫·卡瑞尔扮演的基金经理马克·鲍姆。

他是个脾气暴躁、爱打断人发言之后又自顾自打电话离场的傲慢家伙，然而另一方面他又是一个拥有善良品格的人，因为身处华尔街这个尔虞我诈的大染缸而感到深深的自责与苦闷，他是一个出污泥而不染的谦谦（cu lu）君子，痛恨虚伪与欺诈。这使得他变成一个不合群者，谨守道德的同时处处碰壁。

他的成功之道在于如猎狗般的追逐精神，他不相信直觉与嗅觉，只相信缜密的调查与暗访。他的团队是片中惟一走入基层做实地调查的实干主义者，他们杀入前线从而掌握了真实的还贷违约现状数据与预期评估。这使得他敢于顶住压力大规模做空，因为他压根儿就不相信一个脱衣舞娘能按浮动利率还贷五套房加一处公寓。

第四组：由布拉德·皮特扮演的银行家本·霍克特与他的两位平民级投机交易者。

这是一个奇怪的组合，两位小级别的私募基金经理偶然间窥见了商机，却因为资金量太小无法动用机构席位购买到 CDS（信用违约互换），于是他们求助于在华尔街颇有名望与门路的一位朋友，这便是处于归隐状态的霍克特。

霍克特是个理想主义者，厌倦了金融界的浮躁与伪善，归隐于乡间过着与世无争的逍遥生活。之所以要帮助那两位投机者估计是因为对华尔街的痛恨激发了他的斗志，狠狠的砸向对方的下颚便是他作为隐者的复仇一击。

当两位同伴因为买到 CDS而欢呼雀跃的时候，感性的霍克特不无悲凉的说到：“你们知道你们刚刚做了什么吗？你们在对赌美国经济崩溃。这意味着，如果你们赢了，人们会无家可归，大批人会失业，大家没有退休存款，养老钱都没了。我最讨厌就是这一点，把人换算为数字。告诉你们一个数字，失业率每上升1％，死亡人数就会增加4万人，明白吗？……别在我面前为此而跳舞。”

这便是他的成功之处：置身事外，客观而冷静的分析事态发展，并作出不随大流的判断与决定。

这四组人用不同的理念与方式获得的同样的成功，靠的是与众不同的眼光与一以贯之的行动。他们是大空头，敢于与大多数人看法不同的人，他们必须冒巨大的风险与全世界为敌。这是一种智慧，也是一种胆量！

片尾字幕交代各位主角的现状，令人感概的是巴里博士并没有因为第一个察觉风险而受到商界与政府的重视，没有人来向他取经，反而是他被审讯了四次，被联邦调查局查账。他现在惟一在做的小型投资，只关注一种商品：淡水。

如今，整个华尔街还在继续自欺欺人，继续发行着类似的金融产品，它们只是CDO换了个名字而已。

回到片首：“不懂之事，自会小心；惹祸上身，皆是自以为是。——马克·吐温”

冯小刚今年导演的力作《我不是潘金莲》终于揭开了预告片神秘的面纱。本着语不惊人誓不休的做人准则，小钢炮准确的把炮弹射向了舆论的中心，用两款预告片激起了广泛争议层层浪花。他用形式与内容的双出格完成了也许蓄谋已久的吸睛效果。

先行版预告片：

争议一：形式

预告片别出心裁的使用了圆形遮罩画面，这在预告片领域可是个新鲜玩意，大大出乎了观众的预料。小刚的葫芦里究竟卖的是什么药？圆形的画面到底想表达什么意图？是表示全程仿偷拍模式的望远镜偷窥视角么？还是表达主角的唯一性，让圆形画面始终将范冰冰居于中心位置？莫非是想表达圆满这一东方禅意？又或者只是像第一款预告片片尾字幕显示“二零一六中秋相逢是圆”那样纯粹是图个中秋节上映的彩头而已。

可当我得知《我不是潘金莲》正片放映时也将全程采用该圆形遮罩模式时，我彻底震惊了！这是一种何其勇的先锋尝试啊？冯导这次也真是豁出去了，冒着被骂到狗血淋头的风险，硬是将景框这一百年不变的电影外在形式闹了次惊天动地的革命。

然而，他也的确通过这种方式达到了一部常规预告片所无法觊觎的轰动效应。就凭这一点，该预告片就取得了敢为天下先的成功。

争议二：内容

刘震云的原著我是看过的，不光这一本，他的好几本小说我都看过。老刘的文字风格是非常朴实而细密的，他的文学趋向也是偏写实为主的讽刺类型，惯用极为零碎与细小的生活琐事写成长篇小说。有时真的会让读者不得不从心底里佩服他为何有如此底气与耐心把我们生活中的平凡小事写到如此真实、如此细微、如此极致！真像是用放大镜在描写你我的生活状态，让身为书中角色的你我都不禁汗毛倒竖，感觉被人偷窥一般的曝光尽心底隐私。

《我不是潘金莲》主要讲了三个核心内容：荒唐而无奈的上访制度、真实而虚伪的官场规则、执着而坚强的女主人公。上访者李雪莲是个脑袋一根筋的农民，有着令常人难以理解的恒心与毅力，硬是在上访这条道路上花了半辈子走到黑，从这个角度来看本片和《秋菊打官司》有很多相同之处。

第一款预告片的内容比较全面的反映了以上三个核心内容，从开篇的“中国式”开会，到“地方式”的衙门喊冤，再到风雪漫天的遥遥上访路，通过范冰冰发型的改变来暗示其年华的不断老去，也慢慢透露出李雪莲这个人物从可怜、可恨、可爱到可悲的不断转变。

纵观整个预告片，都采取了中规中矩的内容表达，直到片尾才用一个床上裸背镜头加一句“你这是强奸你知不知道？”轻轻的挠了一把观众猎奇的心。

说书版预告片：

争议一：形式

也许是先行版预告片仅凭圆形遮罩画面还不够霸气与惊艳，冯小刚导演又祭出了第二式更加惊世骇俗的招数，这便是说书版预告片。以小刚特有的低音炮京腔作为旁白，这款预告片给人一种传统说书人淡定却不失俏皮的江湖流氓气之感，非常的新颖与奇特。而前卫艺术家魏东专门定制的六幅古风配图也显得极为怪诞与另类，透着一股笨拙与浮夸相混杂的高级恶趣味。

这种画风乍一看来会令很多观众难以消受，却又一次成功的博得了观众的眼球，广告效应甚至胜过了前款。

争议二：内容

读过原著的人都知道，书里压根儿就没跟“潘金莲”扯上什么关系。仅有的床上戏也是到了书尾才来了那么一小段，那也是“夕阳红”的小激动而已，根本不具有想像中的观赏性。但这款预告片却挂羊头卖狗肉式的在大噱头“潘金莲”身上下足了功夫。 

全长一分钟的预告片， “潘金莲”的身世介绍硬生生占到了35秒，仿佛是要同《我不是潘金莲》的片名一般让“潘金莲”这三个字占到影片的一半篇幅。然而这是条蓄意错误的暗示，将色与性这两大诱人要素摆到了无比显眼的位置，诱导观众向“儿童不宜”的方向脑补，达到了一种庸俗化的广告效应。

冲着这种卖点而去的观众肯定要嚷着让冯导退票了。负责任的讲，我估计正片中的“激情”戏不会超过一分钟。想看预告片中春宫图般古装“动作片”的观众还真是无处喊冤去，因为冯导和刘震云会一起出来点醒大家，片（书）名是什么？“我不是潘金莲”！这不早告诉你们不要想歪了么。导演可是“一个高尚的人，一个纯粹的人，一个有道德的人，一个脱离了低级趣味的人，一个有益于人民的人”。

狡猾的说书人用貌似老实巴交的旁白欺骗、戏耍了大家，大家还只能把委屈烂在肚里，因为是你自个儿误解了、庸俗了，不关人家导演和作者的事儿。然而我还是要对这第二款预告片狠狠的骂上一句：俗！忒俗！骗人是小狗！

冯导的两款预告片都凭着不按常理出牌的招式赢得了广泛关注，同时也因为其形式与内容的离经叛道而倍受争议。个人觉得先行版形式奇特、内容朴实，不失为一个颇有创意的预告片。而说书版则形式怪诞、内容误导，创意十足却又脱离了预告片用以提示剧情与看点的应有本质，有着隐（bei）秘（bi）而伟（wei）大（suo）的不良用意。

如果秉承着说书版的方式推出第三款预告片，我也只能用低沉而浓郁的京腔幽幽说上那么一句：忽悠！你接着忽悠！

泰山的故事无数次被搬上银幕，这一次大卫·叶茨要玩点儿什么新花样呢？

让我印象最深的是1999年上映的迪斯尼动画片《人猿泰山》，该片在美术、动作设计以及配乐方面都堪称经典。它的故事比较正统，讲述了泰山的身世、在丛林里的生活以及结识女朋友的经过。

故事的新鲜点在于一个常年生活在动物世界的男孩初次接触人类的无限可能性，当耳濡目染的兽性遇上基因潜藏的人性时，幼小的心灵会起如何的化学反应？而当侵入森林的人类展现出人性复杂而卑劣的一面时，单纯而原始的兽性又当如何奋起反抗？野性与人性的碰撞成为影片的内核，这是它与其他故事截然不同的创意所在。

而1997年由布兰登·弗雷泽主演的《森林泰山》则假借泰山的人物背景，讲述了从小被猩猩抚养长大的男孩来到大城市旧金山所发生的一连串胡闹故事。姑且可以把它看作是《人猿泰山》的续集，因为从常理上来说，了解身世后的泰山理应回归到人类社会，而进入大城市之后泰山将见识到有别于丛林探险队的更为复杂与多样的人性。这类似于原始人穿越到现代社会或者外星人初到地球，生活习性与价值观的巨大差异为此类影片带来诸多喜剧效果，比如《鳄鱼邓迪》、《我的个神啊》。过多的笑料甚至掩盖了此类影片深刻的哲学内涵而让观众仅仅把它们定义为了搞笑片。

而本次《泰山归来：险战丛林》从时间线上继续延伸，堪称续集的续集。它讲述了泰山重返人类社会的若干年后，成年人身份的泰山再次回到森林，为儿时的伙伴而战，保卫自己曾经的家园。这样的立意是非常具有可塑性与挑战性的，它势必触碰由野性过渡到人性后的泰山如何重返野性的心理转折。

理论上来说，成年泰山重返丛林后会有两条路线，要么重拾儿时的天真与善良，与小伙伴们打成一片，找回失去已久的野性自由；要么他会将浸淫于人类染缸中的一些复杂人性释放出来，流露出与丛林习性完全不同的一面，比如虚伪、圆滑与市侩。影片究竟会走向两者的何方，是我观影前一直思索的问题。

然而，本片并没有像我预料的那样去解构，它彻底沦为了一部好莱坞工业流水线上中规中矩的视效大片，对泰山系列有关野性与人性之间碰撞的话题几乎没有任何延伸和发展，是一部不折不扣的续集卖点电影，而非拓展与超越类电影。导演的野心太小，仅仅盯住了票房，却丧失了一次引发全新思考与探讨的机会。

纵观全片，亚历山大·斯卡斯加德所饰演的泰山可谓毫无亮点，既失去了少年的纯真烂漫与青年的懵懂可爱，又没有展现出成年的睿智与世故，仅仅靠裸露人鱼线与八块腹肌才让大家把他和泰山这个知名人物联系到了一起。其个性的扁平化与身体的棱角化让泰山这个人物变得尴尬无比。

曾经活跃在银幕上那个调皮、傻冒的泰山不见了踪影，观众期盼迎来的一个更加光明或者暗黑的泰山也没有出现。影片给我们的是一个四肢日益发达、头脑却愈发简单且只会将爱情进行到底的白痴情种泰山，这样的主角没法让形象实实在在的3D起来，也没法支撑起预谋中的系列电影。

反而是几个配角抢尽了男主角的风头，唠里唠叨的塞缪尔·杰克逊与一坏到底的克里斯托弗·瓦尔兹一度让我有置身于昆汀宇宙的错觉，却又迅疾被那个面瘫的泰山给拽了回来。

缺失野性与人性的交锋，却深陷列强瓜分殖民地的漩涡，让泰山这位儿时英雄变得落寞与单薄，也让本片彻底沦为一部标准化的爆米花电影。我们并不想看到一个丛林版的超级英雄，虽然他在藤条间的荡漾神似蜘蛛侠。

影片惟一让我感动的画面是泰山与草原狮耳鬓厮磨的那一刻，因为只有这一刻，才让我们看到了那个独一无二的、游走与野性与人性之间的——人猿泰山。

1、《情人节》

明星云集的“节日”系列电影，好莱坞贺岁片。由若干小故事串联，人物互相穿插，在片尾统一归位交代各自结局。通俗易懂的电影，卖点在于星光璀璨，难点在于各个故事与众多明星的合理搭配与戏份均衡，还需要流畅的衔接。此类电影受众广但要求不高，数星星即可。由多个短小精干的小故事组成也容易规避单个故事冗长乏味的毛病。本片算是同类电影的范本，套路就此形成。

2、《新年前夜》

《情人节》导演盖瑞·马歇尔的“节日”系列第二弹。套路依旧但故事拓展，除了反映爱情主题之外，又加入了亲情与友情的调料，让新年大餐显得口味更加丰富。诸多大牌演员仍是本片头号卖点，而罗伯特·德尼罗与邦·乔维的演出更是亮点中的亮点。

3、《圣诞节前夜》

本片有山寨盖瑞·马歇尔“节日”系列的嫌疑。几个故事都发生在电梯这个狭小的空间里，估计也是受了《新年前夜》中一个小故事的启发。抄袭的痕迹过重，主演们的名气也远远不如源电影，再加上编剧与导演串联剧情的调度能力也尚欠火候，使得本片只能定位于模仿秀参赛选手的的水平。

4、《全城热恋》

中国版的“节日”系列电影，多线故事并进交叉与全明星阵容是此类电影的标准模式，从这一点来看本片是学到位了。主题确定在“热”这个夏日元素上也颇有新意。全片最大的亮点是张曼玉的客串，我真真切切是从背影与配音中便已第一时间判定那是张曼玉了，这一敏锐的第六感让我非常得意。

5、《全球热恋》

《全城热恋》热卖后商业驱使下的产物，并没有什么创新与惊艳，中规中矩的套路之作。惟一的看点是杨颖与井柏然这两位当时小鲜肉的出镜，令人印象深刻。至于影片为寻求突破而开创的全球化甚至宇宙化取景，那不过是为解决观众审美疲劳的一个偏方，关键还是要看故事本身的新鲜度。.

6、《蓝色情人节》

七年之痒引发的婚姻裂痕，犹如火山爆发后的绵延岩浆，看似缓慢而将熄，实则炙热而焦灼。它深深烫伤了双方，永无止境，直到一切终结。爱情的来临也许只是源于一次偶然的心灵碰撞，火花的迸发或许只需一首歌的时间。然而婚姻却需要经历时间的磨砺与考验，一首歌的搭调并不能保证漫长乐章中价值观与人生观的永远合拍。是一拍两散还是不断磨合？影片并没有给我们答案，只能在片尾曲那灿烂的烟花中回味曾经的美好。

7、《45周年》

因为平淡所以真实，因为真实所以残酷，因为残酷所以刻骨铭心。45年是一段漫长的时光，然而有些秘密可以在夫妻间保存更长的时间。剥开它便是一道裂痕，继续隐藏它便是更深的一层隔阂。是勇于面对，还是怯于启齿？这是一个问题，一个也许拖延了45年的问题。

8、《摩根先生最后的爱》

影片并不是像很多观众理解的那样涉及了跨越年龄的不伦之爱。摩根先生爱上了女孩阳光的那一面，那正是他逝去妻子的气质，犹如洒过窗台的一缕阳光。她的出现让老人孤独的世界有了暂时继续下去的理由，他需要和她一起安排好他的身后事，为妻子最爱的房子找到它合适的主人。而宝琳关爱老摩根是因为自小丧父，她惟一羡慕小摩根的地方并不是拥有一个好父亲，而是他的父亲还活着。要看懂本片，需要认真理解三个角色之间的每一次对话，伏笔埋在了里面，它们暗示了最后的结局。

9、《情深到来生》

感人至深的一部电影。身患绝症的父亲想留给妻子腹中的孩子一份未来的礼物，他用摄像机纪录下他想说的一切，从自己的旧居、故邻讲到修车、做饭等生活中的林林总总，最后才讲到对妻子那羞于启齿的爱。男主角在最后的时光里直面了困扰一生的难题：过山车以及与父亲的隔阂。也迎来了等待一生的礼物：后院的马戏团表演。之后，他走得坦然而从容。

10、《在我梦里（In My Dreams）》

素不相识却又经常活在对方的梦里，这是一种怎样的感受？是传说中的梦中情人么？将它写成剧本是一件浪漫的事情，将它拍出来又不落俗套却并不简单。小品式的爱情电影，适合热恋中的情侣观看。

11、《相拥一家亲》

法式家庭喜剧。兄弟信仰与价值观完全不同，最终仍能重归于好；姐妹先后同侍一夫，居然也能相安无事。法国人的逻辑非常简单，也非常实用，一见钟情最大，其他的都是浮云。

12、《意外之夫》

不是冤家不聚首，不是死敌不白头。老套的剧情，烂俗的结局。探讨了爱情与婚姻的理智与情感之争，观众用脚趾头都能猜到这一类的都市爱情片最终都将以情感战胜理性收尾。惟一留下悬念的无非是婚礼上的劫胡究竟是男劫女呢？还是女劫男？

13、《偷窃的艺术》

贼坑贼的把戏，要玩到艺术的高度就必须得以假乱真。就像片中那一幅幅仿制的名画，并不在于它仿得有多逼真，关键在于偷窃的故事要有模有样，卖出的过程要瞒天过海。艺术多是由真实升华而来的虚构，偷窃的艺术亦是如此。

14、《至尊对决》

骗中骗，所有人设局玩弄一个仇人的故事。看似有些荒唐，然而似乎所有此类影片都是为了迎来片尾大反转这个高潮而精心铺垫，既然片头片尾都没有打上“本片由真实事件改编”的标签，逻辑通不通也就无关紧要了。

15、《偷心大少》

三个骗子一台戏，尔虞我诈多算计。这类影片就比苦大仇深的复仇故事看起来轻松许多，几位主演不愧为老戏骨，演起对手喜剧来得心应手，全程无尿点。

16、《末日浩劫》

走出建筑大门就会死！这种末日浩劫简直就是宅男们的梦想。人类只能生活在室内、地铁或者下水道这种不见天日的地方。哪又是谁在劳动以提供食品、电力与干净水呢？如果你硬是要追究硬科幻般的合理性，欧洲影人会对你嗤之以鼻。本片是一部文艺灾难片，没错，只会出现在欧洲的小成本伦理灾难片。

17、《屠魔战士》

宗教的梗儿再次被用在天使与恶魔之间，只是这次的创意是天使也长得像恶魔而已。屠魔战士仍是百年不老、千年不死，他们拿的可是世纪薪而不是年薪？教堂是永恒的战场，却仿佛隐形了一般从来没正常人进来过。每次神魔大战都搞得惊天动地却又掩耳盗铃似的相互告诫不要惊动了人类，难道人类晚上都睡得那么死么？还是已经司空见惯到了懒得搭理的程度。

18、《幻世追踪》

布鲁斯·威利斯看来是陷在这类低成本科幻片里无法抽身了，而且几乎只能饰演反派BOSS这一固定角色了。没有道德约束的逍遥世界能否摆脱虚拟世界转化为真实的存在？这个问题还真是有得思量。毕竟连一边义正严词反对黄赌毒一边建东莞、保澳门、兴烟厂的国度都能厚着脸皮大谈和谐社会，那万恶的资本主义国家鼓捣出无法无天的犯罪天堂又有什么好害羞的呢？

19、《黑帮追缉令》

真实事件改编的乡村警匪片。没有子弹横飞的枪战，没有狂飙刺激的追车，没有烟火冲天的爆炸，甚至连性感火辣的长腿都没有，因为它只是一部乡村警匪片。有的只有男性角色那修剪整齐的大胡子和慢吞吞的语速。原来乡村的警察和黑帮过着比我们想像中还要枯燥的生活，弄个大人物的暗杀黑名单也许就是为了调剂一下乏味的日子罢了。

20、《合理怀疑》

环环相扣的悬疑片，前半段铺陈相当不错，可惜的是结尾有点儿烂。大团圆结局不适合这类电影，留下杀人魔的背影才能给人未完待续的惊悚感。

21、《贵族大盗》

用大卡司拍出大烂片的示范。手把手教你如何将一帮演技派明星的表演才华滥用到无法收拾的地步。本片也是考验观众耐心的试金石，如我般未打瞌睡且坚持看完的观众，绝对是无药可救的重度强迫症患者。

22、《独立日2：卷土重来》

《独立日2：卷土重来》：这20年来世界究竟发生了什么？

http://i.mtime.com/kenshin/blog/7966496/

23、《忍者神龟2：破影而出》

【最酷忍者神龟】：米开朗基罗的前世与今生

http://i.mtime.com/kenshin/blog/7966743/

24、《惊天魔盗团2》

《惊天魔盗团2》：不喜欢本片的100条理由

http://i.mtime.com/kenshin/blog/7967222/

25、《大空头》

【金融帝国】《大空头》：不懂之事，自会小心；惹祸上身，皆是自以为是。

http://i.mtime.com/kenshin/blog/7967906/

26、《泰山归来：险战丛林》

【原始野性】《泰山归来：险战丛林》：缺失野性与人性碰撞的面瘫泰山

http://i.mtime.com/kenshin/blog/7969465/

【本月观影总数】 26 【短评数】21  【长评数】5

说《爱宠大机密》是宠物版的《玩具总动员》其实是有一定依据的，那两者有多像呢？

相似一：时间

两者的故事都发生在特定的时间，那便是主人不在家时，宠物或玩具究竟在干些什么？故事来源于换位思考，我们从来没有想过白天上班时宠物们的感受，如果更为感性一点，这个问题便延伸到了玩具身上。

相似二：地点

故事的发源地最初肯定是家里，因为宠物和玩具被圈养的性质决定了它们常规的活动范围。而之后它们必然会跳出这个牢笼，因为这样狭小的空间无法撑起一部长达一个半小时的动画电影。

相似三：人物

我们看惯了男性主角双雄争霸惺惺相惜的故事，便也总幻想着非人类的动物间也同样能迸发出这样的基情，于是这样的设定便会反复出现在动画片中。从这两部影片我们可以看出，第一主角往往是个痴爱主人的机灵鬼，而闯入者多半会是一个憨态可掬的傻大个。

相似四：事件

在《爱宠大机密》与《玩具总动员》里主角们的矛盾都不约而同的来源于两个字：争宠。这是宠物与玩具的天性使然，而从争宠、恶斗发展到共患难、建友谊的过程其实只需要把他们扔到离家三英里以外，他们自然而然便会萌发出战友的情谊并彼此黏在了一起。

相似五：反派

《玩具总动员3》里，大反派是控制着幼儿园的玩具“大熊”，而在《爱宠大机密》里则换成了执掌下水道生杀大权的“小白”。他们两者身份的共同处都是宠物或玩具界的有组织犯罪团伙的老大，而其性格特征也非常明显，都有着不堪回首的被抛弃史而变得憎恨人类。

相似六：结局

按照人类的价值观，宠物或玩具终归还是依附于人类的，于是它们的理想结局仍是彼此间化敌为友，双双重回主人的怀抱并从此愉快的一起玩耍。这种结局看上去的确有些老套，然而对于一部老少皆宜的动画电影，似乎又是必然了。

相似七：消费点

其实这两部电影看似是儿童电影，其本质仍是在消费大众情怀。谁没有养过宠物呢？哪怕只是一只小鸡、小乌龟或是一条小鱼，它们或多或少曾经给我们带来过欢愉的时光。而谁又没有童年呢？那些早已离去的儿时玩具或远或近仍能勾起我们的丝丝回忆。

而发人深思的是，随着我们年龄的增长，它们渐渐从我们的视野中远去，宠物与玩具们的伤感又有几人能知呢？人类是一种有感情却很难长情的物种，对于宠物与玩具我们往往有着一种三分钟热情的短期感情消费行为。

很多人由于粗心把动物玩死了或是弄丢了，最多也就是痛哭一场或是难过几天，最终仍会没心没肺的重归自己的快乐生活，或者是在新宠物降临之后便将之前的负罪感一笔勾销。而玩具们的命运则往往更为悲惨，通常是玩过即扔，很难被良好的长久保存。

而它们又是否具有人类那引以为傲的情感呢？这是一个细思极恐的问题。当宠物被抛弃时，它们的心会滴血么？而当玩具们被束之高阁后，它们的眼会流泪么？我们从未思考过这样的问题，因为我们习惯了人本位，对于附属品从来不报以应有的同情。而以上两部影片对这个问题有所揭示与探讨，但仍未敢于触动观众情感神经的底线，因为它们被定位于合家欢动画，而非尖刻写实的黑色电影。

相似八：局限性

片中的宠物与玩具们虽然貌似具有了思考独立性，却仍未升华为人格的独立性，它们根深蒂固的奴性仍未丧失，也就未能获得真正的自由。大树之下好乘凉的心态仍然禁锢着它们，因为它们尚未迎来被主人遗弃的残忍现实。即便是《玩具总动员》被拍到了第三集，剧情仍然笼罩在浓浓的和谐氛围之中。它们幻想着20年过去了，小主人仍然没有长大，小伙伴们依然紧密团结在以XX为核心的家中央周围……

然而这终究只是存在于动画电影中的童话故事，却因为存在着深厚的受众土壤而具有无穷的生命力。即便是我们偶而幻想着它们的续集中能有一部动画版《人工智能》的横空出世，那也只能是想想而已，虽然它的科幻本质其实在我们生活的现实世界里每时每刻都在发生……

将一部散文式的小说搬上银幕会是怎样？我想也应该是散文式的。《陪安东尼度过漫长岁月》便是如此，这也恰恰被许多观众所诟病的来由，因为它真的很散。故事很松散，结构很零散，画风很飘散，演员很懒散……

然而，我并没有觉得这些形散有什么不好，散文电影也许就该这样拍摄吧，又或许作为观众的我原本就是一个闲散之人。

令电影神未散的是片中的两首插曲，它们以MTV的形式贯穿于剧情中，以发自内心的方式吟唱出影片的主旋律。

第一首插曲来自于范晓萱的《同步》：

相隔两地的时空

默契对话没有距离

冰冷的荧幕

因为我们双手产生热度

努力各自的生活

追求不放弃的梦

冬与夏的反差

成了最可爱的交集

我们的爱是否同步

我投给你却投给了他

真希望像棒球最后

会回到我这儿啊

我们的爱没有同步

你给的暗号已告诉我

这个手势代表了

一辈子的朋友

你爱声音的故事

我爱味道的热情

Alice 发出了

我们共同孤独的频率

总是掉进回忆

想象中总是有你

思念时什么事我都无能为力

我们的爱是否同步

就像你爱吃的栗子

剥开的时候就是心碎的声音

我们的爱不会同步

送给你最后的礼物

那是樱花掉落的声音

美丽却无声无息

这首歌唱出了什么？是空间的距离。

朦胧的爱，因为遥远的距离变得愈加模糊起来，

各自的梦想、各自的追求造就了这种距离，也造就了空间上的无法同步。

我住长江头，君住长江尾；我在沐着雨，你却浴着光……

我们在不同经度与维度的交叉点上低头趟过同一条河流，却抬头迎来不同的两缕阳光。

无法在宇宙里同步，是一种遗憾，更是一种浪漫。

朦胧的爱，因为遥远的距离变得无比清晰起来，

梦想的终点、追寻的答案在距离拉长后变得毫厘分明，

哪怕是细微的响动与淡淡的香气也会变得洪亮与浓郁，

那是心碎的声音，和思念的味道……

你我发出了彼此不同的频率，永远无法同步，

然而它们同属一物，那便是……孤独，

无法在旅途里同步，是一种孤独，也是一种共鸣。

第二首插曲来自于陈奕迅的《陪你度过漫长岁月》：

走过了人来人往

不喜欢也得欣赏

我是沉默的存在

不当你的世界，只作你肩膀

拒绝成长到成长

变成想要的模样

在举手投降以前

让我再陪你一段

陪你把沿路感想，活出了答案

陪你把独自孤单，变成了勇敢

一次次失去，又重来，我没离开

陪伴是最长情的告白

陪你把想念的酸，拥抱成温暖

陪你把彷徨，写出情节来

未来多漫长，再漫长，还有期待

陪伴你，一直到故事给说完

让我们静静分享

此刻难得的坦白

只是无声地交谈

都感觉幸福，感觉不孤单

这首歌唱出了什么？是时间的流逝。

爱总是被时间打败，因为它的力量可以水滴石穿；

爱也总是被时间所珍藏，因为它的冰封延续了爱的生命力。

纵然一败涂地，却也无法阻止那执着的陪伴，

因为一次次失去，又重来，他没离开，

因为未来多漫长，再漫长，还有期待。

陪伴是最长情的告白，

纵然相隔千里，仍然为她细数同一片星空；

纵然冬夏去离，依然为她收集樱花掉落的声音。

无声的陪伴无比漫长，一年只能望见一次日落，

有形的陪伴非常短暂，一天也未必能讲出故事的开头，

只希望，能陪伴你，一直到故事给说完……

两首歌分别讲述了空间与时间的维度，

距离让爱无法同步，时间让爱永远停驻……

“陪安东尼度过漫长岁月”其实有两层含义：

在等爱的岁月里，每个人都是安东尼；

在陪伴的路途上，我们情愿度过漫长……

提到动物CP，小盆友们想到了《疯狂动物城》里的狐狸和兔子，老盆友们想到了童年荧屏上的汤姆和杰瑞。我口味比较重，第一想到的是《冰川时代》系列里的锵锵三人行。

没错，他们就是树獭希德、猛犸象曼尼与剑齿虎迪亚哥。从2002年蓝天工作室为我们带来《冰川时代1》开始，这个耍宝三人组合每隔3、4年便会让我们开怀乐一次。但直言不讳的说，除了第一集曾让我深深感动之外，后面的4集都只是靠着情怀二字吸引我进影院了，我甚至不太分得清每集的故事与新晋角色。

这个系列为我们带来了无数的欢乐，然而它终将要向观众们道别，这组动物CP铁三角也终将会迎来落幕。又或者说，他们之间的故事已写到了尽头，几乎没空间再续前缘了。其实这注定的谢幕早有征兆，不妨让我来梳理一下：

原因一：各自建立了家庭

在《冰川时代1》里，三位绝对主角都还是孑然一身，因为机缘巧合形成了奇妙的三人行组合，希德、曼尼、迪亚哥分别代表着机灵、善良与果敢，正是他们各自突出的性格特征交叉组合在一起才让这段护送小女孩回家的旅程变得趣味丛生，而他们三人也从这场公路片似的征途中找到了自我以及患难见真情的伟大友谊。

而自从曼尼在第二集里找到自己的另一半艾丽之后，这种三角平衡便被打破了。之后剑齿虎迪亚哥顺理成章的在《冰川时代4》中结识了希拉。而不出所料的，希德也必然会在终结篇中找到自己的獭生伴侣，否则他的一众粉丝绝不会善罢甘休。

而故事也就从友谊这条主线逐渐转移到了家庭上，合久必分的道理便自然而然的将铁三角那稳固的关系渐渐拉远。好基友都会因为家庭的关系而渐渐疏远，这是现实生活中所不可避免的，动画世界里也同样如此。友谊的故事终将结束，不用加以抱憾。

原因二：新角色不断增加

在《冰川时代1》里，团队的人数为3。随着续集的陆续推出，新动物源源不断的融入这个团队，数量从一只手增加到一双手的手指都数不过来的程度。负鼠兄弟、艾丽、希拉、奶奶、黄鼠狼巴克……直到本集里的桃子、朱利安与女树獭布鲁克。

我们可以明显看出，三位元老级人物的话语权正在逐步减弱，他们的戏份被不断挤占。第一集里话唠成精的希德在本集中的对白甚至没有负鼠兄弟与黄鼠狼巴克来得多，而迪亚哥甚至沦为了次要角色。老司机终究敌不过小鲜肉的道理在娱乐圈发挥得淋漓尽致，观众喜欢看新登场人物的新鲜表演，因为老人们传统的插科打诨贫到第5集时的确有些招数尽使、江郎才尽的感觉。

而当大家发现这部陪伴我们15年的系列行将终结之时才又重新关注起这三位开国元勋来。观众的移情别恋造成了铁三角商业价值的逐步衰竭，随着三人同框出镜的画面越来越少，这个系列存在的意义便已走到了尽头。

原因三：灾难花样已玩完

《冰川时代》系列的故事线索来源于松鼠奎特创世纪般造成的若干自然灾害，从第一集的冰河时期到来，到之后续集里的冰川崩解、大陆分裂直到终结篇里的小行星撞击地球。可以说，他们把艾默里奇能玩的花样基本都玩了个遍，极寒、洪水、海啸、地震、火山、陨星等等一个不落，这简直就是动画界的《后天》与《2012》。

事到如今，连奎特都被发配到了外太空，他几乎已耗尽洪荒之力来制造各种故事背景了，鬼知道他经历了些什么。观众已经很满意了！编剧已经挖空心思拼尽全力了，再要想出些什么灾难来已经难以为继。

原因四：彩蛋预言已到头

正如本集里出现的那块远古预言石碑一样，《冰川时代1》里有一组神谕般的彩蛋预言。那便是三人行护送小女孩回家路过冰川洞穴时看到冰墙上一组犹如时间博物馆里静态壁画的场景，它们分别预言了之后所有续集的故事线索与出场顺序。

食人鱼，预言了《冰川时代2》里洪水的到来。

霸王龙，预言了《冰川时代3》的恐龙世界冒险。

树獭进化，预言了《冰川时代4》的大陆漂移与地球演变。

飞碟，预言了《冰川时代5》的星际碰撞与陨星坠落。

在之后呢？没有下一幅画面了！这便预示着故事走到了终点……

尽管我们依依不舍，但这组动画史上的最强动物CP铁三角组合也终将结束他们漫长的银幕旅程。从找回自我、找寻友谊直到找到亲人、找到伴侣、组成家庭、照顾儿女……他们走过了15年的漫漫旅途，而观众们在戏外也许同样经历了以上的人生变故。

弹指一挥间，他们与我们都不知不觉迎来了自己生命中的悲欢离合与跌宕起伏。究竟是他们在银幕上的冒险更惊险呢？还是我们在现实生活中的经历更传奇？这个答案因人而异。不变的是，每个人都是自己那部大戏的主角。而当《冰川时代》系列缓缓拉上帷幕之时，我们仍要感谢他们曾经带给我们的快乐，以及潜移默化里对我们人生观、友谊观、爱情观形成的善意轻触。

自从2002年这个系列的首部上映，它便注定会成为谍战片的一块金字招牌。短短15年期间，它便拥有了可以媲美老牌谍战片《007》与《碟中谍》系列的众多拥趸。同样是15年的周期，《冰川时代》已落下帷幕，而《谍影重重》却有着越战越勇的前景。

《谍影重重5》在该系列里更是拥有特殊的地位，相对于1～3集来说，它属于承前启后，开启了新的三部曲；而对于第4集来说，它更像是拨乱反正，因为尝过《谍影重重4》的不纯正，才会更加珍惜正宗口味的来之不易。因为《谍影重重5》的宣传词就是：一样的配方，熟悉的味道。

一样的配方：

1、导演

虽然道格·里曼是2002年《谍影重重1》的导演先驱者，但观众们仍然固执的将第2、3集的导演保罗·格林格拉斯当作了正宗掌门人。这来源于《谍影重重》写实性独特影像风格的形成，正是在他的掌镜下得以发扬光大。翻开他的履历表，你会发现他其余的作品如《航班93》、《绿色地带》、《菲利普斯船长》都是以这类风格见长，而且票房与口碑都不错，这充分说明把一门手艺做熟做精是多么的重要。

2、主演

如果说《谍影重重》拥有双核处理器，那除了导演保罗·格林格拉斯以外，便是路人皆知的马特·达蒙了。一样的低调行头，依旧的沉默寡言，马特·达蒙扮演的杰森·伯恩成为史上台词最少（本集据说只有30句台词）却最深入人心的一位特工英雄。这使得在《谍影重重4》中试图接过达蒙手中枪的杰瑞米·雷纳注定将成为一位悲剧性的过客。

3、剪辑

克里斯托弗·劳瑟可谓是保罗·格林格拉斯的御用剪辑，他俩的作品高度重合，而他在奥斯卡奖上的一次夺奖（《谍影重重3》）与两次提名（《航班93》、《菲利普斯船长》）都有赖于保罗的提携与信任。相信在《谍影重重》系列今后的征途上他仍然会是导演的忠实追随者与意志执行者。

4、配乐

高产的约翰·鲍威尔包揽了除《谍影重重4》以外整个系列的全部配乐，他所擅长的鼓点、弦乐结合电子乐式快节奏配乐在这个系列里大放异彩，很好的烘托了片中令人窒息的紧张追逐情节。可以这样说，没有鲍威尔的配乐，《谍影重重》的精气神就不会那么足。

5、片尾曲

不管导演、主演以及若干的技术操盘手如何更替，这个系列惟一不变的便是这首永恒的片尾曲——Extreme Ways (Moby演唱)。虽然每次的编曲都会有所变化，但每当听到前奏里那几声警报的响起，我们便知道这一次的冒险已然结束，下一次的约定还需要等待。我会意犹未尽的从沙发上纵身而起，踏着节奏明快的拍子，试图以杰森·伯恩的独特方式遁入人群，疾走于茫茫人海之中。

熟悉的味道：

1、影像风格

《谍影重重》系列的最大特色便在于它将手摇摄影这种伪纪录片风格运用到了谍战片之上。当斯皮尔伯格将这种风格运用在《拯救大兵瑞恩》之中并获得巨大成功，引发了无数战争题材片的跟风拍摄，之后手摇摄影佳片难寻、趋于沉寂。估计谁也没有料到若干年后，片中瑞恩的扮演者马特·达蒙将会在《谍影重重》系列里掀起此类风格的再一次高潮。

这种强烈的纪实风格有别于传统谍战片强调爆炸爆炸再爆炸的大场面风格，将注重悬念构建与剧情转折的常规套路转变为叙事简单、专注氛围营造的新方式。场景不再强调华丽与精致，转为写实与粗犷。而其镜头剪辑的快速切换已达到令人发指的地步，再配以除几个鸟瞰镜头以外几乎晃个不停的手摇镜头，以及一些很少见的镜头处理方式（如追车戏里碰撞时的独特机位），这让沉迷于这种风格的粉丝大呼过瘾，却也苦了其他不明就里的陌生观众。特别是中国特供3D版的出现，更是让《谍影重重》变成了人影重重，让部分观众出现了观看枪版电影后才有晕影效果。

然而这并不能阻止格林格拉斯把他的这种风格变本加厉的呈现于大银幕，导演乐此不彼，观众们便要学会照单全收。只要你们敢继续拍，我们就敢继续看！谁怕谁啊！

2、角色定位

杰森·伯恩是一位平民特工英雄，和其他高大上的特工如詹姆斯·邦德、伊森·亨特非常不同。他们要么西服笔挺，要么风衣翩翩、皮衣锃亮，尽显高贵与时尚；而伯恩却是永远的高领毛衣加一件双面夹克，一副毫不起眼的装扮，这也正是他经常能隐匿于人海中的制胜法宝，因为他就是那种一丢到人群中便找不着的主儿。如果换上高大帅气的肖恩·康纳利，周边人再多也会显得那么的扎眼。

传统的特工都有香车美女相伴，在滨海大道上蜿蜒疾行；而伯恩却每次都只能开着破旧的出租车或是普通家用车在交通繁忙的城市主干道上进行生死追逐，每次追车结束后他都会从完全变形的驾驶座里慢慢爬出来，一瘸一拐的走向奄奄一息的对手。

伯恩的一生都是在熙熙攘攘的人流中疾速穿行，周遭拥挤却又孑然一身，犹如汪洋中的一叶孤舟，又如沙海中的一匹骆驼，他的终极目标是找回自我，就像我们大多数人一样，这才是我们爱他的原因。

3、动作设计

《谍影重重》系列的动作设计无疑是影片的招牌之一，快速简练的打斗风格、无处不在的武器运用、一招制敌的实用招式、略带血腥的致命镜头，都非常的另类，让观众有着非常新鲜与刺激的感受。

而每集影片的追逐戏都会令影迷津津乐道，特别是第三集里在摩洛哥贫民窟屋顶上跑酷那一段，那种为营造纪实风格的贴身跟随镜头机位，堪称不灭的经典。

而几集里秉承一贯风格的追车镜头设计也是令人耳目一新，只有镜头的不断切换，决无传统大片惯用的快慢镜头变幻。尤其是本集末尾那段长长的追车戏，充分演绎出了极具破坏性的“速度与激情”。

一样的配方，熟悉的味道。《谍影重重》在这条特立独行的动作片道路上马力全开、疾驰而行。但观众要的就是这个味儿！这酸爽，请再来两大碗！

我是一个不折不扣的太空迷，从孩童开始便爱上了各式各类的太空电影与小说。 

我以朝圣的心态看过《星球大战》7部曲以及其他衍生动画，甚至在中学时代读过卢卡斯的小说原著，虽然他只能算得上是一个二流作家。

我是《太空堡垒》与《高达》系列的忠实粉丝，家里有若干的高达模型仍处于待建模式。

我完整读过田中芳树所著的《银河英雄传说》系列，并看过部分动画剧集。

我大学时最爱的游戏是《星际争霸》，没有之一。

我精读过两遍《时间简史》，并结合道家的阴阳图自创了一套中西结合的宇宙起源与衰亡理论。

在盗版VCD与DVD时代，我在录像厅和家里看过数量颇多的太空题材电影。

而自从大陆影院开始引进科幻大片，我一部不落的在影院以最佳硬件配置观看了每年一部的太空电影，从《地心引力》、《普罗米修斯》、《星际穿越》到《火星救援》等。

最近，我床头的睡前读物是阿西莫夫的《银河帝国》系列，之所以现在才开始读这样一套科幻巨著，只能归咎于国内出版社引进它的姗姗来迟已然错过了我的黄金阅读年龄。

……

然而，我对于《星际迷航》系列的了解却并不多。中小学时代我对于早期版本的剧集与电影有着一些模模糊糊的记忆，比如饼状的“企业号”飞船（当时一直疑惑为何它与美国第一艘核动力航空母舰“企业号”同名，后来才知道其实世界上有众多舰船都以它命名，而翻译做“进取号”其实更为贴切），颜色奇怪的制服，带拖拽效果的曲速飞行，以及那经典得无以复加的主题配乐旋律。

该系列电影给我的印象一直处于《恐龙特急克塞号》那样的早期特摄片范畴，直到2009年J·J·艾布拉姆斯重启这个系列，才又重新唤起了我儿时的记忆与对它的全新认识。

在我看来，《星际迷航》的主题定位于对未知领域的探索与发现，强调大无畏的冒险精神与精诚合作的团队精神，是对大航海时代的太空版致敬。其不断进入新国度与遇难克难的过程又很像是东方的《西游记》与《镜花缘》。

思考之下，我觉得之所以相对于其他太空影视作品来说我对该系列不太待见的原因主要还是因为它没能够从感情上打动我。重启之后的3部电影在形式与特效上已做到了极致，从视觉震撼上已达到了开启一部新史诗的高度。然而我也仅仅只能把它当作外在感官刺激的佼佼者，却很难把它与上述许多能震撼与触动过我心灵的作品相提并论。

《星球大战》里长跨度的几代恩仇与正邪相生相杀的对立让它当之无愧被称作史诗，特别是黑武士这个古希腊悲剧式角色从正传到前传这种倒叙式的善－恶－善转变更让观众不禁唏嘘。

《太空堡垒》在我人生观懵懂的时候，告诉了我何为勇气、何为果敢与何为爱情。

《银河英雄传说》在我意气风发的年代，展现了雄狮与智慧两种优秀品格的交锋与碰撞，让英雄惜英雄的悲壮与苍凉如同那个时代吴宇森的诸多双雄片一般让男儿的血液沸腾不止。

《地心引力》为我麻木平淡的生活注入哪怕是苟且偷生都要挺直腰杆的勇气，以及一个危难时向你伸出双手的感动。

《普罗米修斯》在《异形》四部曲的铺垫下向世人揭示人类的起源以及与异形注定相遇的命运轨迹，它给我心灵的触动便来源于这种宿命感的悲怆。

《星际穿越》于我的感动并不仅仅是父女亲情，更在于那若即若离的爱情隐线和那时间线上也许长达百年的孤独等待，它凄美得如同太空夜色般寂寥与瑰丽。

《火星救援》用它的乐观与幽默打破了我对太空题材电影沉重氛围认识的桎梏，一种名为红色的孤独深深的打动了我。

而《银河帝国》更是以一种前所未有的庞大叙事结构与漫长时间线突破了我关于长篇小说主人公应该相对集中与连贯的惯性思维，它给我的震撼更来源于对阿西莫夫大神包罗万象的知识结构的无限敬仰……

而反观《星际迷航》，新三部曲究竟为我带来了些什么？似乎除了场面的震撼与快节奏的叙事，它并没能从情感上征服我。至于重启版里为迎合新时代卖腐口味需求的那句“没有你我该怎么办呢，史波克？”，它砸中我的效果就像用苹果6敲击大哥大砖头机一般的无力与羸弱。

本集影片编导们将老版的合照都翻出来以纪念去年逝世的老版史波克扮演者，这种对于情怀挖掘的良苦用心仍未能从心底里打动我，也许只能归咎于我对《星际迷航》50年航行史的无知与淡漠。实话实说，重启版让我在银幕前激动，却远远没能让我感动。

这有点像同为史泰龙主演的电影，《兰博》能给我带来感官上的极致刺激，却很难带给我如《洛奇》一般的心灵触动。也好似佛跳墙能给我们带来味觉上的浓烈享受，却永远无法企及黯然销魂饭所蕴藏的感性气质。

回头来说说这次观影的体验。这是我第一次在万达影城的顶级配置——杜比影院里观影，据说全国也仅有5座杜比影院，而重庆的南坪万达店是其中第三家开张的。对于杜比影院一直有耳闻，也颇有期待，这得归功于早期盗版碟里片头总会出现的那滴“水”——杜比的音效标志。它让我一直有一种根深蒂固的认识，那便是“杜比”这个名词界定了世界范围内电影音效的行业技术标准。

而因为这次的观影，才让我了解到其实杜比影院不仅仅只是展示了杜比全景声这种音效最高标准，还包括了杜比视界激光放映系统，它会让画面亮部更亮、暗部更暗，说直白点儿就是亮度普遍提升的情况下对比度更强，让明亮的画面中也可以呈现丰富的暗部细节。杜比影院还有一点不得不夸的是它的环境与座椅配置，漂亮的室内装潢设计与豪华宽敞的皮质沙发让观影体验变得更为舒适，据说杜比影院还因此获得过工业设计界的大奖——红点奖。

从实际观影效果来看，对于《星际迷航》这种纯视效音效大片来说，杜比全景声的确做到了全方位音效环绕，从四周甚至是头顶都能感到音效的方位感。特别是一些爆炸或飞船坠毁的场面，你甚至能真切的感到一股冲击波正迎面而来，座椅与全身的肌肤都能感到具有方向性的震动，似乎这才是真正的4D电影。

这种体验当然是需要影片的视效与情节渲染相配合，那种震撼与激动仍然历久弥新。当下影片音效制作技术与影院硬件支撑的迅猛发展，让观众的观影体验已发生了翻天覆地的变化。

从《地心引力》、《普罗米修斯》、《星际穿越》到《星际迷航》，我在各种顶级配置的影院里看过，也在家里用家庭影院看过（虽说我不是顶级发烧友，但也是Jamo与BOSE这种中级配置了），其间的差距可谓天差地别。家庭影院和十几个声道的环绕影厅是没法同日而语的。用电脑、家庭影院甚至普通3D影厅观看此类特效大片我觉得是一种暴殄天物的行为。

而从这次杜比影院的观影联想开来，我甚至在憧憬过往那些曾经感动过我的文艺片如果在这种硬件设备的演绎下会否将难忘的情感体验推向更高的层次。想像一下杜比全景声带来以下身临其境的感受：

《阿飞正传》里，刘德华扮演的警察在雨夜里等待张曼玉的到来，悲伤的雨滴淅淅沥沥的落下……

《东邪西毒》里，梁朝伟扮演的盲剑客在耳畔呼呼生风的刀剑声中坚定前行，迎来他生命中的最后一战……

《情书》结尾处，伴着脚踏厚厚积雪所发出的滞响，渡边博子向山崖走去，对着远方的藤井树发出离别的呼喊……

《四月物语》里，榆野卯月走过樱花盛开的街道，仿佛听到那樱花掉落的声音……

《廊桥遗梦》结尾处，克林特·伊斯特伍德扮演的罗伯特在倾盆大雨中毅然转身离去，留下那孤独的背影……

《大佬》结尾处，北野武走出酒吧的木门，在机枪扫射声中，生命从此落幕，鼓点与小号渐次响起，久石让的配乐缓缓逝去……

《勇敢的心》结尾处，华莱士受刑时声嘶力竭的呐喊：Freedom！……

《美国往事》里，在面条无助而悲伤的眼神下，“Deborah's Theme”的配乐哀怨的奏响……

……

这些轻敲我们心灵柔软处直至泪腺决堤的场景里，音效或柔软、或尖利、或振聋发聩、或寂静无声，惟一的共同处是它们的烘托让我们无比感动。如果说此处无声胜有声的话，那逼真的“有声”又会助推何种效果呢？我甚至难以想像与描述那一刻的美丽……

假如杜比影院在播放如《变形金刚》、《侏罗纪公园》系列等视效大片之余，还能将目光放至这一类让人动容的文艺片，这将是一个全新的视野与命题。当然这也需要受众的培养，毕竟多年以来的观影习惯告诉我们，顶级配置影厅的高票价必须与影片的视效高成本相匹配，否则便有一种赚不回票价的心理落差。我们尚没有建立起这样的消费理念：只有能打动你的，才是真正有价值的。而影院也尚未形成这样的惯例：请在准备3D眼镜的同时，配上一包纸巾。

杜比影院为我们打开了一扇门，它日益强大的硬件设备为我们展示了一种无限的可能性，我们无法用VR设备欣赏达芬奇的《蒙娜丽莎》与米开朗基罗的《创世纪》，但我们也许可以用更好的技术重温《花样年华》和《与狼共舞》……

那将是一种何其快哉又或者痛彻心扉的感受啊！