在皮克斯出现以前，好莱坞动画片几乎是迪斯尼一家独大的景象。传统的2D动画延续了若干年，基本陷于技术创新的瓶颈期，充其量也就是个全球各地域画风巡回展的世博会而已。

皮克斯适时的横空出世给了动画界一盏新奇的台灯，从此它的光芒照耀到了新世纪的各个角落，动画片进入了一个观众全年龄段总动员的时代。

皮克斯的诞生也得感谢几位大佬，它的前身是乔治·卢卡斯电影公司的电脑动画部；而1986年，史蒂夫·乔布斯收购了该动画部，成立了皮克斯动画工作室；之后2006年，皮克斯被迪士尼收购，成为华特迪士尼公司的一部分。

皮克斯的招牌是被国人译名为“XX总动员”的一系列作品，归根结底，它们也离不开友情、亲情与爱情这几大要素。它所出品的动画仍是几付老药方，适度调配比例加上不断的技术创新，便可在几十年内包治百病了。

一、友情总动员

从开山之作的《玩具总动员》开始，友情便是皮克斯动画最为重要的吸金砝码。谁人没有友情？而儿时的玩伴如今都去了哪儿？正如片中我们童年时的玩具，在我们长大成人之后才发现，它们已渐渐离我们远去了。如果玩具有生命与灵魂，这将是一个庞大的受难群体，它们的委屈如果汇入海洋，将会淹没哈里发大厦的塔顶。

《玩具总动员》让我们回忆起童年的玩具，也忆起儿时的玩伴。这是一次对逝去友情的华丽祭奠，也是一次对人间冷暖的精神洗礼。从1995年开始的《玩具总动员》系列一直在围绕着友情反复赚取成年观众的眼泪，屡试不爽。它是皮克斯的起点，也是一座里程碑，目前它正在筹拍第四集，相信胡迪与巴斯光年还有他们的一帮小伙伴会陪伴我们以及我们的孩子在友谊天长地久的道路上一直走下去。

而除《玩具总动员》以外，几乎每部皮克斯动画长片也都会多多少少涉及到友情，比如《怪兽电力公司》系列里的麦克·华斯基与苏利文化敌为友的文武组合便颇有胡迪与巴斯光年般的惺惺相惜，而一帮屌丝小伙伴也正是土豆先生等卖萌玩具组的怪物翻版。

《赛车总动员》走的同样是友情线路，中规中矩。而《飞屋环游记》则是皮克斯不走寻常路的又一明证，老少忘年交的友谊在这一次的冒险故事中进一步拉大的性格差异与对比，在原来的瘦胖配（胡迪与巴斯光年）、高低配（麦克·华斯基与苏利文）的基础上变了个花样来了次老少配（老爷爷与童子军）。

二、亲情总动员

《海底总动员》是皮克斯亲情动画片的代表之作，整个故事就是一段《尼尔斯骑鹅旅行记》的海底版以及《失孤》的大团圆结局版，寻亲成为最能打动人的催泪弹，同时也是家长陪同孩子观看的最佳电影类型。而皮克斯在本片中的海洋动画特效也是3D动画技术创新的行业标杆。亲情渲染＋技术创新成为本片票房口碑双丰收的充分必要条件，也使它的下一集成为最受观众期待的续集动画电影。

《超人总动员》的故事设定本就是在一个两代家庭里展开的，亲情自然是第一位的。由于本片与罗伯特·罗德里格兹的《非常小特工》过于相似，使我一度对皮克斯的创新能力产生了质疑，因而本片也成为了最不受我待见的皮克斯动画之一。

而《勇敢传说》就走出了一条与众不同的道路，虽然民间故事在动画领域是一个屡见不鲜的资源，但值得注意的是皮克斯极少使用。所以《勇敢传说》看起来不那么像带有皮克斯标签的作品。但不管披上如何包装的外衣，本片亲情为核心的主要素材仍然是换汤不换药的，毕竟合家欢主题仍然是动画片最大的卖点。

三、爱情总动员

介于动画片有很大的儿童受众群体，爱情的元素在低幼观众群里是比较忌讳的，所以我们很难在《熊出没》与《喜羊羊与灰太狼》里看到熊恋与羊爱，最多也就是反派秀一下红太狼的家庭暴力。皮克斯动画片即便针对更为广泛的观众，仍然在爱情题材里有些畏首畏脚。《玩具总动员》、《赛车总动员》要么对此朦朦胧胧，要么就点到即止。若是想在《怪兽电力公司》与《海底总动员》系列里看到主角们谈一次海枯石烂的爱情，估计得等到各自的第三集去了。

皮克斯惟一一次正式的爱情留给了《机器人总动员》，而且还是一场单相思。瓦力也是皮克斯世界里的一个另类主角，孤独、木呐，还沉默寡“言”。瓦力并没有如胡迪与麦克·华斯基的好运，有着一个铁哥们儿与若干逗逼亲友团，他拥有的有且只有一整个地球。这便是他孤独的根源，如此之大的世界却没有同类，瓦力的悲凉赛过了聂隐娘。

所以，我们都能理解当冷艳的爱娃出现时，瓦力的世界观与人生观将发生何种翻天覆地的变化。皮克斯的爱情故事的确与众不同，这是一个一见钟情的故事，也将是个忠贞不渝的传说。瓦力将人类最纯朴的爱情加以了升华，正如宇宙间的一尘不染。

《机器人总动员》也许并不是孩子们在皮克斯动画里的最爱，但绝对会是成人观众的首选。我便是这样，被瓦力单纯而执着的爱情所感动，进而被电影所俘虏，成为了一名忠实的瓦力粉。

动画片的类型与技术受制于观众的年龄层次，很难取得质的突破。如日本动画般在各个领域全面开花是必须基于整个国民对其的沉迷与钟情。而对于大部分地球观众而言，老少皆宜是动画片成功的首要标准。皮克斯在将动画片从2D带入3D这种流行模式之后，并没有在内容与主旨上对动画长片提出革命性的创新。它的作品仍然停留在友情、亲情与爱情这几大要素的圈圈里。这究竟是一场憾事呢，还是一场幸事？

《头脑特工队》是一次尝试与突破，它的成功会让皮克斯变得更有信心与野心。我们期待皮克斯两条腿走路，一者在原有卖座片的基础上按部就班的推出质量上乘的续集，延续皮克斯三情并重的优良传统；二者在类型片领域有选择的小规模试水，以出人意料的方式展现出皮克斯求新求变的企业灵魂，毕竟它可是带有卢卡斯与乔布斯这样的巨人血统，让人惊奇原本就是它的企业文化之一。我们不能奢望皮克斯能鼓捣出《攻壳机动队》、《僵尸新娘》这样的另类动画作品，但我们仍能期待皮克斯世界里也能诞生如斯皮尔伯格、霍华德或是诺兰这样的集大成者。

玩具总动员
Toy Story
(1995)

海底总动员
Finding Nemo
(2003)

机器人总动员
WALL·E
(2008)

1、土豪炫富着装：钢铁侠

作为高科技军工企业“斯塔克工业”的旗舰产品，该战衣可谓奢华至极。它从最初的厚重盔甲改进至后期的贴身剪裁，并不断加入动力装置以及各种先进武器装备。是富二代炫富、炫潮、泡妞、晒朋友圈的必备高端着装。它的代言人必须是高富帅，当然作为霸道总裁，矮那么一点点也是可以接受的。

2、屌丝充蒜着装：蜘蛛侠

如果说钢铁侠战衣是高档奢侈品店的限量款，那么蜘蛛侠的行头就是平民屌丝自己动手丰衣足食的代表性地摊货。它是没有任何铭牌与防伪标签的山寨产品，为了节省布料，穿戴者必须是个又矮又瘦的营养不良患者。因为缺少专业培训，自行设计的蓝红主色调服装堪称超级英雄着装最丑颜色搭配首位。它的出现引领了屌丝阶层的异装癖狂欢热潮，之后的海扁侠便是这一跟风系列产品的杰出代表。事实证明：没有最丑，只有更丑。

3、人贱人爱着装：死侍

没有最贱，只有更贱是死侍的座右铭，其浑身胭脂红的紧身衣装扮注定了他是众多超级英雄中最为娘娘腔的一位。红，像蔷薇任性的结局；红，唇上滴血般怨毒。死侍的红，是一种菊花残的娇艳欲滴，诱惑着各位看官，恨不得冲上去狠狠的爆他一通菊花。

4、人见人恨着装：美国队长

美国队长的服装是最具主旋律色彩的制服。因为其意识形态渲染过重的缘故，它成为共产主义国家以及部分极端宗教国家人民最为痛恨与鄙视的着装。逢年过节便会沦为篝火晚会的必烧物品。而最为尴尬的还是因为头盔上的字母时常被人追问是否“A货”与何时“装B”。

5、复古范儿着装：雷神

因为穿越，所以新潮。复古范儿穿在那雷神的身上那也是一种极致的时尚，当然这一切都只是短暂的存在于洛基没有亮相之前。之后他便会彻底沦为古代农民工笨重着装的代言人。象他那样拉风的男人，无论在什么地方，都像漆黑中的萤火虫一样，那样的鲜明，那样的出众。他那忧郁的眼神，稀嘘的胡喳子，神乎其神的锤法，和那件惹牛恨的红披风，都深深地迷住了～～凤姐。

6、生态环保着装：绿巨人

没有哪个英雄像他这样生态，满眼望去绿油油一片；也没有哪个英雄像他这样环保，全身上下单位面积布料最省。他的着装是极简主义，他的热裤短得不能再短。因为他的爱赤裸裸，他的爱赤裸裸，他惹毛了身不由已的狂热。他是热胀冷缩的热，他是宇宙膨胀论的忠实信徒。他用牺牲肉体来证明，人体在适当的情况下会膨胀到六倍的器官远不是你们想像的那么邪恶，因为那不是瞳孔，而是浑身上下每一块充满叶绿素的小鲜肉。

7、弹力最棒着装：蚁人

如果世界如科学家们所说的那样具有反物质，那宇宙里有着一个绿巨人就一定会存在着一个红矮人，那便是蚁人。他是大丈夫能屈能伸的杰出代表，也是人小志气大的最强吆喝。他是热胀冷缩的冷，他是宇宙收缩论的第一粉丝。他用牺牲肉体来证明，人体在适当的情况下会缩小到六分之一的器官远不如你们想像的那么猥琐，那仍然不是瞳孔，而是浑身上下因为紧身衣极度缩水而被挤压成肉肠的憋屈肌肉。因为根据生物学家的报告，成年人人体内水分约占人体重的60％－70%，为了证明自己不是超级英雄中的水货，蚁人挤干了多余的水分。

8、性感爆棚着装：黑寡妇

同样是展示人体美，绿巨人是腥感，而黑寡妇是性感；绿巨人是直线硬，而黑寡妇却是曲线美；绿巨人赤裸半身尽显磐石层叠，而黑寡妇全身裹得严实却难掩波涛汹涌；看到绿巨人我们是头皮一硬，而看到黑寡妇我们却是那里一硬；绿巨人的绿色会让我们变得很纯洁，而黑寡妇的素黑却会让我们变得很“色”；绿巨人的“皮衣”下裹着一坨坨胆固醇，而黑寡妇的皮衣下却裹着满满的荷尔蒙。

9、食古不化着装：超人

超人的着装是永远的，是亘古不变的。标识性的蓝衣红披风与红内裤外穿凸显了他与众不同外星人的背景。胸前一个硕大的“S”似乎也在暗示着什么……是什么呢？原来是等待着“B”的到来。《超人VS蝙蝠侠》了却了人们长久的等待，“SB”组合终于合体了。

10、暗黑哥特着装：蝙蝠侠

蝙蝠侠的着装从来没让我成功联想到蝙蝠，我一直认为那是一只尖耳黑猫。作为夜行动物，黑色是不二选择的保护色，而金属光泽绽放且带有八块腹肌的紧身皮衣更彰显了其低调奢华有内涵的贵族气质。这一点就比同为富二代的钢铁侠那样赤裸裸暴发户显摆要来得更为高贵与内敛。对于追求时尚的潮人来说，忧郁灰远比土豪金更受小资们的青睐。

时间混得真快啊，转眼间2008年上映的《功夫熊猫》都已经拍到系列第三集了。

我们还停留在阿宝刚成为神龙大侠的惊喜中，不知不觉它都快混成老师傅了。

他的小伙伴们还是没啥长进，五侠一上场基本都会沦为“大师兄，师傅和二师兄都被妖怪抓走了！”的报信角色。

而阿宝的肚子还是那么大，身材还是那么任性，我们丝毫看不到练武带来的正效应。

最为令人称道的东方故事背景与中国山水画风在被炒到第三集时，其实也没剩下多少新意了。

这一切都没有改变，究竟得拿什么新鲜玩意儿来吸引观众买票进场呢？

小三儿的新花样如下：

1、新反派

作为一部功夫动画片，反派是必须常换常新的。在经历了第一集的雪豹与第二集的孔雀后，什么奇特的东方物种可以成为第三集的终极BOSS呢？

答案揭晓了，是一个大块头的牛魔王。新鲜感来源于“灵界”的设定，这样它就可以和老战友乌龟大师再续前缘了。

而他的妖法也是一大看点，能收走诸多功夫大师的气并化作钥匙牌随身携带，需要群殴时便砸到地上幻化成若干的“绿矮人”，颇有一点儿哆啦a梦的风采。

而要打败他自然不如以前那么容易，有关于两个世界的穿越从《雷神》那儿被引用了过来，以后如果还有续集这便是个海量的资源库与传送门。

2、新爸爸

熊猫认鹅作父的大梗儿终究需要被解开。虽然我们都知道答案，阿宝的爸爸肯定是一只熊猫，但其过程仍然是具有一定可塑性的。

因为一只熊猫没有同类的孤独感不可能贯穿整个系列，而阿宝遇上同类也就和猛犸象曼尼终将会在《冰川时代2》里遇见伊丽一样的自然。

“爸爸在哪儿？”的终极谜团终于在本集中得到解开，李山占据了重要的戏份。更为惊喜的是熊猫村的出现，一大波萌物正在靠近，靠近，无限的靠近……

3、新配音

比起本系列的前两集来说，《功夫熊猫3》中文配音堪称奢华，完全可以称得上是一种明星的堆砌了。这是一场数星星与刷耳朵的盛宴，过于浪费的行为我个人认为是有违“八项规定”的。

让成龙来配音阿宝老爸是实至名归的，因为一方面他憨厚又调皮的定位很接近于成龙，另一方面也会给观众带来一种李山深藏绝技（气功）的暗示，最终会形成希望越大失望越大的巨大反差，从而激发编剧预先设定的戏剧效果。

而除开成龙以外，也只有王志文配音的师傅、张国立配音的鹅老爸与姜武配音的天煞算得上非常出彩，这也来源于老戏骨们多年的经验与台词较多的发挥余地。

寄予厚望的金猴周杰伦基本没啥表现机会，只有一句“唉哟，不错哦”算是一个笑点。

而白百何配音娇虎完全是错配的经典案例，她们俩的银幕定位完全是不搭调的。

筷子兄弟倒是配合了螳螂与仙鹤的搞怪身份，只是戏份太少最终打了一圈酱油而已。

最大的浪费来源于杨幂，谁能联想到那富贵身材的熊猫美眉是大幂幂配音的？著名的鸭嗓音完全被掩盖在银幕上那如山般的肉林中了。这是一种出人意料的大反串，需要观众留在影院沙发上看完最后的演员字幕表才能恍然大悟。

《功夫熊猫3》也许是本系列的最后一集了，因为结尾打出了“THE END”的暗示。而似乎拍到第三集，该玩的花样也玩过了，该掀的裙底也走光了，实在想不出还能祭出什么新招。然而，商业利益的驱动是有无穷动力的，只要有观众基础与市场需求，阿宝的银幕生涯就能拉长，而具有中国血统的熊猫们的政治生命也会被尽可能的延续。

我们不用费脑筋，梦工厂的编剧们会竭尽所能的神游中华大地，并无所不用其极的挖掘《山海经》（中国版《神奇动物在哪里》）的犄角旮旯，以期海淘出某个神秘物种来为观众们打打牙祭。但愿他们不要走上《怪物史莱克》系列越走越窄的穷途末路。

吴承恩倘若在世，《西游记》的影视版权费足以让他富足一生，笑傲金庸与古龙。

吴承恩倘若在世，看到纷繁复杂的《西游记》改编版本，他也许会哭笑不得。

吴承恩倘若在世，面对林林总总针对这部名著的离奇解读，他也许会惊异于世人的想像而百口莫辩。

这便是《西游记》的奇妙之处，一百个人眼里有一百个哈姆雷特，同样也会有一百个唐僧与悟空。

《西游记》无疑是一座宝库，有无穷无尽的宝藏等待大家的发掘。之所以挖出来的物件有古有新、成色不一、良莠不齐，不光是因为大家使用的考古工具不一样，还包括了大家的心态与理想。

一、正规部队考古铲

虽然86版电视连续剧《西游记》被很多原著爱好者质疑有较大的改编，但仍不能影响它made in CCTV的官方血统地位。它从诞生之初便被寄语为最贴近原著与正统价值观的西游作品，以致于我们这些看着86版《西游记》成长起来的大叔们都坚信那便是我们心目中100％纯果味的《西游记》。

由于它的电视连续剧属性，它有足够的空间与时间来阐述原著有关于宗教、政治、人情世故乃至与宇宙观与世界观的各种深刻内涵，虽然民间对这其中的各种解读也有相当大一部分伪命题的嫌疑。然而86版《西游记》在这方面并没有如《新闻联播》那样的政治觉悟与催眠效果，也没有如《新闻调查》那样刨根问底的霸气与社会责任感。它有且仅有的承担起了《春节联欢晚会》的使命感与艺术性，为那个时代要求甚低的中国观众呈现出了一台喜闻乐见的娱乐节目。

这是正确的，也是应该的，它在市场与口碑上获得了双丰收。它用实际效果证明了那个时代的我们乐于看到这样的《西游记》，不加修饰与解构，淡眉素目的，赢得了观众们的心。

与之类似的，还有上海美术电影制片厂于1961年～1964年制作的动画长片《大闹天宫》与1985年出品的《金猴降妖》。它们的魅力来源于严谨的剧本打磨与精品制作，来源于正能量的宣传与弘扬，来源于当时影视节目的片面化与单一性（换句话说就是观众没太多选择），更来源于那个时代亿万观众的纯朴与憨厚。

然而时过境迁，影视作品的百花齐放与观众们的口味变化，特别是社会风气的市侩化与浮躁化让这种较为忠实于原著的改编模式已经趋于山穷水尽。这些年来凡是中规中矩的《西游记》连续剧与动画剧集无一落到了既不叫好也不叫座的尴尬境界。创作者很委屈，他们也用了心，特效、服装、造型、音效、布景无一不是甩86版《西游记》几条街的投入与实效，却始终无法赢回观众们远去的心。

这怪不得他们，怪只怪观众眼界高了、想法多了、心眼活了，更重要的是电视频道多了、大银幕火了、网络段子可乐极了。万万没想到，啦啦啦啦啦……

于是新思路、新类型的新西游出现了，以一种横扫千军之势……

二、旁门左道洛阳铲

对一部大部头名著的上下其手是需要一定勇气的，也是需要一定流氓习气的，太规矩了就无法亵玩，太下流了又会被广电总局阉割。西游还是嘻游？这，是一个问题。

解决问题的方法有很多种，就像给病人动手术，有的用刀，有的使斧。但有一点，不管你耍穿越也好，玩倒叙也罢，故事结构的创新终究只是一种手段，它可以短时间内满足观众们审美疲劳后渴望猎奇的心理，哄大家开心，玩多了也就那么一回事。真正要成为经典留在观众们的心理，还是得需要一些核心的理念。其中不乏爱情这种《西游记》原著中几乎绝迹的新噱头，更多的仍是《西游记》中深藏的如追求真理、锄强扶弱这些老旧却又弥新的核心内涵。

1、无厘头解构——因为爱情

《大话西游》开创了无厘头解构西游的全新模式，也注定了它是里程碑式的作品。从一开始观众们的不适宜到后来众所周知的全民拥护，这需要一种价值观的改变与观众幽默神经的彻底释放。周星驰起到了一个很好的中介作用，很难想像这一部作品如果非他来主演会是怎样一个结果。

《大话西游》从叙事解构以及表演方式都完全突破了我们对《西游记》的传统认识。说刘镇伟是东方的诺兰在这一部电影中是完全合适的。当香港电影将戏说与穿越从金庸古龙玩到了《西游记》这个经典IP时，大陆观众最初是拒绝接受的。但当大家发现它压根儿就是原著里毛都没有一根的爱情电影时，我们才duang的一声恍然大悟，原来它就是个借壳生蛋的天外飞仙。于是当我们从爱情片来审视该片时，它几个500年的时间跨度瞬间就把一个滥俗的爱情故事拔高了N个高度，从而从另一个角度发挥了西游人物的剩余价值。

悟空恋爱了！这是一个惊人的设定。然而又是合情合理的，谁人不恋爱呢？它将悟空从神与妖的国度拉回了我们凡人的身边，让我们从他的身上看到了自己的内心，继而被自己所深深打动，并沉迷其间。这便是《大话西游》最为成功的要诀。

许多年前红极一时的网络小说《悟空传》将这一段真挚的爱情发展到了极致，那是一万年的长度，也是一个难以逾越的高度。

但凡发现了一条新颖的道路，电影圈便会把它走到底、踩到烂。悟空既然可以恋爱，唐僧、猪八戒、沙僧难道不可以么？于是《情癫大圣》、《春光灿烂猪八戒》等一系列作品便出现了。它们用事实来证明，所有人都有恋爱的自由，也有展示给众人看的权力和义务。

2、永远的英雄——反抗精神

《西游记》最吸引人的地方有哪些桥段？一定是开篇的大闹天宫与之后的取经路降妖伏魔，正是这两大主线注定了它魔幻动作大片的恢宏定位。没有书中的这些情节，哪来2014年的《大闹天宫》与2016年的《三打白骨精》这两部卖座贺岁片呢？然而我们其实可以在这前后两段中发现孙悟空的两种截然不同，虽然有些相似，但却隐隐让人心痛。

大闹天宫的孙大圣有着与生俱来的反抗精神，他对抗着权力与压迫，他从未被宗教与仙道准则所约束。他赤裸裸的自由，有着舍我其谁的豪迈与自豪。“皇帝轮流做，明年到我家”虽然显得有些离经叛道过了头，但读者爱的就是这种目中无人，喜的就是这种洒脱自由。

而到了西天取经路上，虽然孙悟空仍然时不时的叛逆与自我，但更多时候他变成了那个尊师重道、惟命是从的孙行者。他游走于三教九流之间，俨然成为了一名外交能力颇强的掮客与说客，打不过就去菩萨那里搬救兵让孙大圣在我们心目中的地位大大打了折扣。

我们要的不是交际圈神通广大的如来佛祖玉皇大帝观音菩萨指定取西经特派使者，还我们一个敢在玉皇大帝头上动土、敢在佛祖掌中撒尿的泼猴！那才是我们心目中的花果山水帘洞美猴王齐天大圣孙悟空。

动画片《大圣归来》适时的拨乱反正，它亮出了孙悟空的真性情——反抗压迫与锄强扶弱。在没有戴上紧箍咒之前，孙悟空上天入地活出了潇洒自在。他会为一颗蟠桃横扫天庭，也会为一个孩童勇闯地狱。这才是真正的“大圣归来”，老百姓心目中的永恒英雄。

3、再现取经路——追寻真理

在玄奘踏上西行取经路之前，有许多高僧都曾走过同样的道路。他们中的一些人失败了，将尸骨留在了荒漠。而另一些人成功了，却并没获得如玄奘般的成就。我在此并不想探究个中原因，只想明确一点：凡是以时间与生命的代价去追求真理的人，都是最伟大的人。他们是值得尊敬与崇拜的，这也是我一直以来敬仰玄奘的理由。

玄奘倘若在世，小说《西游记》可得把他气死，因为那个胆小怕事、懦弱迂腐的和尚可和他本人相去甚远。正如众多影视作品对《西游记》原著的改编一样，小说《西游记》原本就是对历史的篡改始作俑者。

然而玄奘会像六小龄童那样对改编者们咬牙切齿么？我想那是不会的。佛说：我不入地狱谁入地狱？我们从玄奘的身上可以看到无畏与勇敢，也能从他身上看到宽容与大度。

玄奘西行取经的精神在于对真理的追求，对于信仰的永恒执着与牢不可破使得我们所看到的一切西游改编作品都相形见绌。我们甚至无法从《西游记》中感受到玄奘真正的磨难与孤独。因为书中他还有众多徒弟相伴，沿途也并未失去他们。而真实历史中的玄奘并没有如此幸运，他的孤寂与聚散离合并没有几个人能够体会其中滋味。

《西游记》给我们带来的固有思维让我们很难将历史还原，还好央视近几年陆续推出了《大唐西游记》、《玄奘之路》等几部电视纪录片，让我们得以在《西游记》之外了解真正的玄奘。我非常喜欢这两部纪录片，因为从中我们能感受到玄奘的真实与伟大，他的临危不惧与坚韧不拔正是书中孙悟空的原型与写照，我们从中可以看到真正的大圣。

很高兴很快电影银幕上便能迎来玄奘的首秀——《大唐玄奘》，希望黄教主能演好我心目中的偶像，使我的精神朝圣之旅能在大银幕上缓缓展开。

4、漫漫人生路——重塑自我

让悟空回到500年前，还是去往500年后，时间线的重建目的终究还是只有一个——重新踏上取经路。

而这一次次西天取经的重启早已脱离了玄奘第一次西行的目的，它已经从对真理的追寻扩展到了对于磨难的挑战以及对于自我的重塑。

很多人把《西游记》比作东方的《指环王》，我觉得是有道理的，但并不在于它们的魔幻背景，而在于它们共同的特质——公路片精神。它们都讲述了一行人在漫漫旅途中通过单独或者集体战胜诸多磨难从而达到重拾自己、完善自己的目的。

这便是优秀公路片的共性，不在于沿途的风景，而在于看风景的那一行人在慢慢的改变。这便是单调的旅途所带来的力量，它也许会陷你于疯狂，同样也能渡你于清寂。你究竟是悟到空还是悟到净，又或者是顿悟八戒？一得靠你的造化，二得靠这段旅途的地理跨度与时间长度。

《大话西游》中，至尊宝在旅途中收起了自己过往的虚伪与油滑，他甚至让500年前那个桀骜不驯、欺师灭祖的臭猴子习性消失得无影无踪。当他背着金箍棒踏进沙漠的那一刻，他从至尊宝变为了孙悟空，从男孩变成了男人，也从山贼变成了行者，从无忧无虑的快乐生活，堕入了八十一难的苦难征程……

这一切他是无怨无悔的，因为一段真挚的感情摆在他的面前，他没有去珍惜，他必须要用一段长长的路去学会遗忘，学会救赎。从那一刻起，他脱胎换骨，他重启了自己真诚而虔诚的人生之路。

而就在同一部电影里，原本罗里罗嗦的师傅变得言简意赅，“走，天竺！”简洁明了得让人落下了嘴里叼着的苹果。而原本尔虞我诈、互相拆台的八戒与沙僧也变得谦让与团结，“二师兄，你先请。”“沙师弟，你先来。”至尊宝瞪大了双眼，他们的人性改变了么？是的，在长达500年的旅途中，他们学会了彼此信任，学会了改过自新。这便是旅途的力量，遥远的西行路不再是为了取得真经，因为玄奘早就完成了任务。一次次的踏上这条路，只为了洗涤心灵、寻求真我。

刘镇伟在后续的《情癫大圣》中未能将这一主题再次升华，反倒是周星驰在另起炉灶的《西游降魔篇》中将这一层涵义延伸开来。故事也是换唐僧来担当主角，同样离不开谈情说爱，却在空余时间完成了对三个恶徒的救赎。鱼妖、猪妖与猴妖，我们所不熟悉甚至觉得有些可怖的三个小伙伴在唐僧的感化下走上了正途，踏上了取经路。我们这才恍然大悟，原来片名中的“降魔”不是指取经路上遇到的妖魔，而是四人组中的三位成员。唐僧不是为了取经，而是为了除去三者的魔性才带领他们踏上了征途。

歌中唱到：这是个旅途，一个叫做命运的茫茫旅途。我们偶然相遇然后离去，在这条永远不归的路。我们路过高山，我们路过湖泊，我们路过森林，路过沙漠，路过人们的城堡和花园。我们路过幸福，我们路过痛苦，路过一个女人的温暖和眼泪，路过生命中漫无止境的寒冷和孤独……

年少时我们观看《西游记》，只记得孙悟空的七十二变与筋斗云。直到我们成年之后才能看懂《大话西游》中的无奈与落寞，我们明白了每个人的人生都是一次西游，一场漫漫的人生路。这条路上充满艰辛与磨难，也充满惊喜与欢悦。因为它始于足下，行在心里。

一段旅途它原本就应该是这样的：你挑着担，我牵着马；迎来日出，送走晚霞；踏平坎坷，成大道；斗罢艰险，又出发，又出发。一番番春秋、冬夏；一场场酸甜、苦辣；敢问路在何方，路在——脚下……

大话西游之大圣娶亲

西游记之大圣归来
Monkey King: Hero is Back
(2015)

西游降魔篇
Journey to the West: Conquering the Demons
(2013)

 
A Chinese Odyssey Part Two: Cinderella
(1995)

1、《大圣归来》

【西游】色彩斑斓的取经之路，其实只是我们的一条心路

http://i.mtime.com/kenshin/blog/7948279/

2、《功夫熊猫3》

《功夫熊猫3》：小三儿的新花样  http://i.mtime.com/kenshin/blog/7947289/

3、《美人鱼》

期望越高，失望越大。周星驰的导演作品是分为大年小年的。经过了《功夫》的大热后，《长江7号》并不如人意；《西游降魔篇》又让大家燃起了对星爷的信仰，然后便又期望值爆棚的等待着《美人鱼》的跃出水面。然而，现实再一次让我们意识到了“人类一思考，上帝就发笑”的真理。当星爷如《长江7号》一般把环保或者世界和平这种大道理抬上大银幕之时，他变得和成龙一样的失去了灵气。不否认《美人鱼》有它的成功之处，但在众多翘首以盼的星爷骨灰粉看来，它并不能填满我们胃里那多年以来的饥饿感。

4、《西游记之孙悟空三打白骨精》

期望越小，收获越大。两年前的《大闹天宫》让大家狠狠的恶心了一把。大投资可以换来高回报，但同样可以换来海量的吐槽。猪玉在前，貂尾续狗真的会发生么？几乎同样的创作团队有如此胆量也算是令人敬佩了。而从实际效果来看，影片的质量的确甩了前作N条街的距离，令人刮目相看。郑保瑞真是个怪才，居然把时隔两年的作品拍成了截然不同的风格。事实证明，摒弃甄子丹来继续演孙猴子是个英明的选择，郭富城不论从那个角度来看都要敬业与专业得多。而巩俐的出演证明了姜还是老的辣这一至理名言。最后我要说一句，难道只有一个人认为本集的观音要比上集漂亮很多么？虽然其实是同一个人所扮演。

5、《谜城》

上世纪八九十年代的剧情模式与拍摄手法已无法满足现阶段的观影需求，明显手艺生了的林岭东已不复当年之勇。沿用《监狱风云》等风云三部曲的套路与精髓：一路追逐。但看多了如《飓风营救》等更加快节奏的同类动作片后，《谜城》便显得步履蹒跚了。除了几位主演还算卖力，影片并未露出太多的霸气。以暴制暴倒是不多的亮点之一，当年可比肩吴宇森的林岭东在暴力美学的道路上一路走来，曲线救国，停停走走，略显疲态。

6、《第三种爱情》

本片拍摄与宣传过程中的炒作明显高过了最后成片的质量。刘亦菲与宋承宪的跨国组合以及之后因戏生情的狗血剧情让观众们经历了一连串吊足胃口、味觉麻痹到恶心反胃的生理过程。以至于本片严格上来说是未能经过观众们消化系统的，因为还没吞下去就已经吐出来了。根本无法对本片进行系统性的评价，因为它本身就是一个加长版的MTV而已。至于让人摸不着头脑的所谓“第三种爱情”，其实就是一种彻头彻尾的莫名其妙。

7、《情敌蜜月》

同样是中韩明星合作，《情敌蜜月》的剧情也尽显幼稚与低弱，但和《第三种爱情》站在一起，它却显得高那么一点点。张雨绮与权相宇的组合虽然从大众审美的角度来看，并不比刘亦菲与宋承宪靓丽多少，但不虚伪就已经完胜了。其实张雨绮是适合楚楚可怜的角色定位的；而权相宇也是花花公子的不二代言人，虽然生活中他比扮相纯洁的宋承宪比起来花心值要低上很多。顺便说一句，影片还是海上邮轮与济州岛的旅游宣传片。但我要明确的提醒你，没有哪首邮轮是空闲到了只有四位主演的程度，你可以自动脑补众多同船共渡者的场景，那样的邮轮才不是本片中意淫的鬼船。

8、《我是路人甲》

用横店人拍一部有关于横店的故事，这个创意是非常吸睛的，也是非常大胆的。尔冬升导演想必也为此付出了有别于其他电影的艰辛。因为启用一帮毫无表演培训与经验的群众演员来担当主演是非常具有挑战性的，我们根本无法想象现场NG的次数，片中尔冬升的本色演出也应该是真情流露了。那位长得神似马云的男主角表演起来的确够费劲，其配音有气无力到了观众都替他捏一把冷汗的地步。这也许正是尔冬升想要的效果，群演有他们的巨大缺憾与不足，但也有值得大家敬佩的精神与勇气。许鞍华、徐克、庄文强、麦兆辉这一干名导与吴彦祖、冯德伦等几位明星在本片中当了一回龙套路人甲，这种现实与银幕上的大反串更让本片的精神与内涵得以升华，显得更为纯粹与有力。

9、《横冲直闯好莱坞》

相对于路人甲们的本色演出，三位当红明星的好莱坞之行显得那么苍白与无力。原本与《港囧》颇为相似的看点——影城挖掘题材，最终却限于创作者们对于好莱坞的不甚热爱又或者是资金的短缺，最终导致本片根本未能引发观众们对于电影怀旧感的共鸣。那几个根本称不上中国人民老朋友的二三线明星完全无法调动好莱坞影迷们的念旧神经，只有老态龙钟的T-1000和那个山寨版的施瓦辛格让影迷们醒了一下瞌睡。而三位主演在本片中毫无演技可言，只是不停的横冲直闯、横冲直闯、横冲直闯……

10、《白色严冬》

一部基本上没有战争场面的反战题材电影，同样可以让人看得热血澎湃。喜欢这样的电影，严肃却又不乏暖暖的人情味。当敌对阵营的双方在小小的木屋里划分国界时，我们看到了一种飞行员间特有的绅士风度；当胜利者与战俘身份在转瞬间转换时，我们看到了一种战士的傲骨；当两位军官站在木屋的中央并肩撑起将垮的屋顶时互诉衷肠，我们看到了钢铁般的灵魂也有软弱的一面；当敌我双方一起站在那北极光照耀下的夜间雪原上一边撒尿一边高唱《飞越彩虹》时，我们看到了化敌为友的战场友谊；当并肩滑雪的极度欢悦在一声枪响后嘎然终结之时，我们看到了战争的真实与残酷。战争并没有因为绅士们彼此的善意而停顿下来，这便是白色的严冬。

11、《外星人E.T.》

不能说它是科幻电影中最伟大的，也不能说它是斯皮尔伯格电影中最伟大的。但只有提起科幻电影与斯皮尔伯格，能还是不能不想起它。它只用了两个英文字母，却勾起了我们无穷的回忆和遐想。它的某些镜头（自行车飞越）无疑已载入电影史册。

12、《生死时速》

真没想到啊，一晃都20多年了。不过我仍然能记起那一快到底的紧凑剧情，以及两位尚未成名的靓男俊女。好影片就是这样，它留给你惊喜，也带来回味，当然，它还会带来狗尾续貂的续集。

13、《旺角卡门》

印象中王家卫的第一部电影，个人风格还没有形成。印象最深的仍是那条渡船，还有刘德华和张曼玉的青春模样。也许这是他们俩最精彩的合作了，以后，也许不会再有了……

14、《青木瓜之恋》

很多年前看的陈英雄的第一部电影，听说他是越南的张艺谋，后来才发现只是类比的知名度，而非影片风格。在这部电影中，我意识到了什么叫诗画之作，当然它的慢节奏也同样让人印象深刻。多年后，我仍能记得那饱和的色彩、精致的画面以及那淡淡的忧伤。

15、《进化危机》

印象蛮深刻的一部喜剧科幻片，有长相蠢笨实则凶残的怪物，也有侏罗纪里的一帮恐龙（梦工厂出品的情有可原），最离谱的是结尾的海飞丝广告，真牛啊。

16、《雪季过客》

想看异形之母和斯内普教授的碰撞么？来看《雪季过客》吧，当然你以为的恐怖与魔幻元素一丁点儿都没有。它只是一个关于亲情、友情、赎罪以及自闭症的故事，然而它又是一个关于死亡、冷漠与生命、帜热交汇冲突的故事。它有些缓慢，有些拖沓，有些冗长。它不是浪漫的诗篇、精致的短文、跌宕的长篇，它只是一篇淡淡的悼文、忏悔书，却能直达人心。

17、《飞越疯人院》

早前看过的第一部有关于疯人院的电影。一个正常人混进疯人院会导致什么结果？要么是把全院的病人都改变成为正常人，要么就是把自己给弄疯。其实一直没太看懂这部名作，它也许是想告诉我们这个世界原本就是一个巨大的疯人院，众多的规则与秩序压制着我们趋于正常。而一个小石头投入这潭死水就能激起水花，一连串的涟漪便会因此展开。当一个病人有了自我意识并开始反抗，对一切制度表示质疑与诘问时，整个医院（世界）便会连锁反应似的变得疯狂与难以控制。然而这正是一场革命的开始，也是一次全民的觉醒，这便是飞越疯人院。

18、《无语问苍天》

相较于杰克·尼科尔森饰演的假病人，罗伯特·德尼罗扮演的真病人就显得更为形神兼备。本片获奥斯卡最佳影片、最佳男主角（罗伯特·德尼罗）和最佳改编剧本奖提名，并获金球奖剧情类影片最佳男主角提名（罗宾·威廉姆斯）。悲剧性的结尾让本片不忍直视，更何况它是根据真实事件改编而来。命运让很多人遭遇不幸，陷入无尽的深渊。偶然间神的一念又让他们重拾阳光，然而幸福是如此短暂，让之后重归的黑暗显得无比的残酷与绝望。生命中的挣扎就像汪洋中的一艘小艇，看不见未来，也看不见希望，只能用无语来向苍天倾诉。

19、《移魂女郎》

自传式小说改编意味着同样的真实，精神病院的故事永远是黯淡与希望共存的。女子精神病院更是如此，友爱、嫉妒、敏感、自恋、包容……这一些女人所特有的气质在一部有关精神病院的电影里显得更加的浓郁与强烈。因为在这个特殊的世界里，所有的情感都会被无限的放大，变得歇斯底里与不可收拾。大部分同类型题材电影让人看后都有一种抑郁的感觉，本片也不例外。但请相信，影片的目的不是让你陷进去，而是期望更多的人……走出来。题外话：安吉丽娜·朱莉和布拉德·皮特两口子还真是扮演精神病患者的绝佳夫妻档啊。

20、《换子疑云》

越是真实事件改编而来，就越发显出话题的沉重性。这种电影是无法想像能在天朝立项的，除非是讲的前朝的故事。两个黑暗点：连环杀童事件与因违背主流媒体而被强制关入精神病院，这都是和谐社会所不允许出现的。然而这样的事情其实在地球的哪一面都是真实存在的，差别只在于你是刻意掩盖它还是暴露并讨论它。安吉丽娜·朱莉在本片中的演出堪称完美，与她在其他电影中的角色完全不同。我甚至相信正是这部电影开启了她走向导演梦的大门。

21、《走出非洲》

一直不太明白为什么片名要叫做“走出”非洲。只是因为影片结尾女主角永远的离开了地理位置上的非洲么？除此之外，她已经全身心的“融入”了非洲，这才是本片想要传达出来的真实含义。梅姨和罗叔当年都还不算太老，饰演这种文艺片是他们的看家本领。而影片更为人称道的是配乐，伟大的约翰·巴里让音乐的血脉融进了电影的风骨，成为该片不可分割的一部分。短时间内重温了《与狼共舞》与《走出非洲》，作为我最爱的约翰·巴里配乐生涯中我最爱的三部配乐作品，也许不久的将来我将与《时光倒流七十年》再次重逢。

22、《福斯特对话尼克松》

很佩服好莱坞大胆的题材选择与美国宽松的审片制度，这样一部对前总统进行讨论与批判的电影能够顺利上映在其他国度是无法想像的。在我看来影片的惊奇之处在于它直白的描写了尼克松总统下台后迫于经济的压力而频频出镜，走穴式的演讲并没有贬低这位前总统，而是让他变得更为真实与亲切。而影片的高潮来源与福斯特与尼克松在采访中的暗流涌动，将一部新闻采访题材拍出了拳击场上才有的攻防转换、出奇制胜等快节奏的搏斗感，让观众看得简直透不过气来。这样的电影不愧是导演朗·霍华德所擅长的领域，绝对的经典。

23、《骄傲》

一部讲述一小撮伦敦同性恋者声援南威尔士小镇煤矿工人罢工的电影。听上去有些不着边际与不可思议，但它却是由真实事件改编而来。本片有两个重要的戏剧冲突点：地域与观念，两者不约而同的指向了开放与保守，并在两小时的时长里淋漓尽致的释放出来。这正是本片与其他同志电影的最大不同。同性恋者与矿工们各自的游行示威都是为了争取权益，而当两者中的一小部分结成联盟之际却被世人所怀疑与诟病，甚至被自己的同类所鄙夷，人言可畏。然而正如片名所指，“骄傲”来源于对自己的认同与对朋友的信任，而不在于世人的眼光。只要无愧于心，便是最大的骄傲。

24、皮克斯电影

【爱上皮克斯】友情、亲情与爱情总动员  http://i.mtime.com/kenshin/blog/7944938/

25、《蚁人》

【最酷超级英雄】超级英雄们的红毯秀  http://i.mtime.com/kenshin/blog/7946777/

5年前的3月1日，也是奥斯卡的颁奖日，我写下了这样一段文字的开头：

“奥斯卡颁奖夜，几家欢喜几家失落的夜晚，一向是我这样一个影迷的盛大节日。 

可是，每次的节日总有感伤的环节，今天尤为如此。

这个环节总是在忧伤的音乐声中开始的，

当Cillen Dion在最佳歌曲奖颁发后登场轻唱Nat King Cole名曲《Smile》的时候，我并未意识到这个环节已经到来，

当John Barry的名字第一个滑过时，我甚至误以为是最佳配乐奖或是终身成就奖即将颁布了……

可当越来越多的名字与容貌出现后，我呆住了，呆在了此时、此刻、此地，

我已经意识到这个不可避免的环节悄然已至，

而令我难以接受的是，John Barry出现在了名单中的第一页！

今夜前半段的欢笑已荡然无存，后半段的精彩也索然无味，

熠熠的星光无法闪耀于逝去流星的光华之畔……”

很遗憾的，今晚我们又将迎来同样一个悲伤的环节。

过去一年逝去的明星有很多，音乐人大卫·鲍威（David Bowie）、斯内普教授的扮演者艾伦·里克曼（Alan Rickman）相继在今年年初离去。

而另一位奥斯卡常客的离去应该更值得大家在这个日子对他进行怀念。如果今天奥斯卡忘记了他，那将是一件不可饶恕的事情。

他便是11次获得奥斯卡提名，两次获奖的詹姆斯·霍纳（James Horner）。

有人说《泰坦尼克号》的光环归于两位卡神：詹姆斯·卡梅隆和莱昂纳多·迪卡普里奥。我却一直认为《泰坦尼克号》的灵魂属于两位詹姆斯，一位当然是导演詹姆斯·卡梅隆，另一位便是配乐家詹姆斯·霍纳。

当影片如催泪弹一般横扫观众席中的女性朋友时；当“My Heart Will Go On”红遍大江南北、街头巷尾，甚至被翻唱成各种语言版本时；当Celine Dion在无数颁奖台上接过奖像时，我们也许没有完全意识到，在无意中它已经无处不在了。

非凡的James Horner在影片中配合泪点恰如其分地营造气氛，使《泰坦尼克号》在影像之外再次升华，也因此他如愿以偿的两次站上奥斯卡领奖台。

无法表达我对于James Horner的喜爱。如果把John Barry比喻为配乐诗人的话，James Horner无疑是我心目中最会煽情的散文作家。

从狂放不羁的《秋日传奇》，到高亢悲怆的《勇敢的心》，再到华丽无双的《泰坦尼克号》，James Horner的配乐伴随走过我的五年大学时光。

无数个静谧的深夜，在微弱的烛光下，在轻柔的耳机中，James Horner、John Barry们的音乐陪伴着我的阅读时光。他们就像我生命中的挚友，在我人生中最为纯洁与激情的年代，用那如水似火的音乐，抚平我的伤痛，洗净我的灵魂。

随着年华流逝，James Horner的产量依旧，但作品的深度已大不如前了，除了偶有如《风语者》、《特洛伊》、《阿凡达》这种中规中矩的作品，已很久没有里程碑出现了。

也许不是他的音乐在老去，而是我们的心在不断的老去，是我们的思想与感悟在生活的磨砺与岁月的冲刷中不断的老去……

今夜奥斯卡最佳配乐的颁奖舞台上，约翰·威廉姆斯与埃尼奥·莫里康内这两位年长于霍纳的老将仍在绽放自己的夕阳光华。几乎与霍纳同龄的托马斯·纽曼在提名13次后仍在为自己的第一座小金人奋力拼搏。

而James Horner，却已魂归故里，去往了那遥远的天国。

今夜我能想到最浪漫的事，便是由Cillen Dion再次唱响那永恒的“My Heart Will Go On”。也许刚刚经历丧夫之痛的Cillen Dion很难出现在奥斯卡的舞台，但我仍然会在心里为他唱出这首歌，为他送行，目送他漂向那蔚蓝的海洋，沉入那三万英尺的海底。

2015年6月22日9点，James Horner的私人飞机坠毁，作为飞行员的霍纳在事故中遇难，享年61岁。

这让我又想到了另一位永远飞向了蓝天的音乐人——约翰·丹佛（John Denver）。

John Denver最喜爱的事情便是开着喷气机飞向蓝天，鸟瞰无比辽阔的海洋。在“Leaving on a Jet Plane”诞生20年后的一天，1997年10月12日，John Denver驾驶自己的小型飞机在加利福利亚州帕西菲克格罗夫蒙特雷湾失事，享年53岁。

冥冥之中，他仿佛预感了自己的归宿，载着理想与信仰，飞翔在那通往天堂的旅途上。终于，在世人的仰望中，Leaving on a Jet Plane……

也许同样热爱飞行的霍纳与丹佛正在蓝天之上共唱那一曲“Leaving on a Jet Plane”，愿他们在云端一切安好。

谁会想到，《狼图腾》是James Horner的最后一部配乐作品。这不禁让我们感到迷惘，他的魂最终将归于深海、天空、苏格兰高地还是那宽阔无垠的蒙古草原？

也许他的魂随着风，掠过了这所有的地方。因为音乐的灵无所不在，它在我们每个人的心中。因为他的音乐，曾经感动过我们所有人。

且听风吟吧，因为那是James Horner在弹奏向我们道别的离曲。

今夜的奥斯卡，剧场内的星光将因你而黯淡，夜空中的星光将因你而点亮……

老实说，在《壮志凌云》以前，汤姆·克鲁斯的电影我一部没看过。

也可以这样说，在《壮志凌云》以后，汤姆·克鲁斯的电影我几乎一部没落下。

所以我和大多数影迷一样，是从《壮志凌云》这部电影开始认识汤姆·克鲁斯的。

在我看来，这碗靓汤的熬成，经历了这样几个过程：

1、倚重食材：青春偶像时代

青春片是汤姆·克鲁斯出道时的大杀器，手握这把利刃，他初露锋芒。

凭借着托尼·斯科特导演的一部《壮志凌云》，小汤一战成名。并在之后同样由托尼导演的另一部壮志系列《雷霆壮志》里再次展现自己特有的制服诱惑，前一次是飞行服，后一次是赛车服。

同时期的小汤基本靠卖脸，那张俊俏的让所有男人羡慕的精致小脸活跃在各种类型片舞台上，带着墨镜，骑着摩托，但最终都离不开青春与潇洒的扑克脸模式。

《金钱本色》里搭档保罗·纽曼，《雨人》里搭档达斯汀·霍夫曼，两次与老戏骨们的合作不知道究竟是小汤的幸与不幸。幸的是如此年轻便能与两位演技派明星飙戏的确是难逢的机遇；不幸的是红花终须绿叶来配，两位大腕分别凭这两部电影摘得奥斯卡影帝，而小汤却连一次提名都没获得，只能傻傻的坐在颁奖台下装天真了。

这个时期，是汤姆·克鲁斯的青春修炼手册，大部分明星都要经历这个阶段，没什么好诟病的，毕竟有颜值也是一种资本。

2、调剂火候：演技突破阶段

《生于七月四日》是汤姆·克鲁斯演艺生涯中特别重要的一部作品，不光是因为他本人生于七月三日这样一个很接近于片名的日子，更重要的是本片彻底否定了外界批判他没有演技只靠脸蛋的所有说辞。

这部由奥利弗·斯通导演的反战题材电影几乎带来了汤姆·克鲁斯截止目前演艺生涯中最高的演技评价。影片后半段小汤彻底毁掉了自己青春的外貌，出演一位造型邋遢、终日酗酒、放浪形骸的越战残疾老兵。对于一个将外表形象视作高于一切的青春偶像来说，这不亚于一次自杀行为。

如果说小李子靠不断作践自己终于摘得了第88届奥斯卡影帝是一段大家热议的梗儿的话，汤姆·克鲁斯这位前浪早在1989年便已经拍死在沙滩上了。而小汤的此次自残应该比小李更用力，毕竟小李子在通向演技派的道路上已经神不知鬼不觉的慢慢长残了，而彼时才27岁的小汤长得和《壮志凌云》时24岁的自己并没有什么两样。

同样的付出不一定收获同样的果实，小汤并没有小李那么幸运。他没能入奥斯卡评委的法眼，《生于七月四日》为他赢来各种荣誉的同时却并未能为他捧回那最最闪亮的奥斯卡小金人。在第62届奥斯卡影帝争夺站中，他输给了自残程度更高、直接扮演全身瘫痪的丹尼尔·戴-刘易斯。在《生于七月四日》里，克鲁斯丧失了双腿；而在《我的左脚》里，刘易斯却只剩下左脚能动弹。在这场“看谁比我惨”的竞争中，小汤败下阵来。

之后的汤姆·克鲁斯并没有气馁，他在1997年与2000年凭借《甜心先生》与《木兰花》分别提名当年度的奥斯卡最佳男主角与最佳男配角奖，不幸的是他两次皆铩羽而归。

2008年，克鲁斯在《热带惊雷》里再次刻意扮丑作贱自己，不但秃顶蓄须，还大腹便便，吓得观众们不敢相认。但这次他出格的演出甚至连最佳男配角提名都没捞着，也让他基本断了自毁形象换同情的念头。

那期间克鲁斯游走于《义海雄风》、《大地雄心》、《夜访吸血鬼》、《香草天空》等各种类型的题材片里，试图证明自己的演技。它们或是大众的法庭片、史诗片，或是小众的吸血鬼片、悬疑惊悚片，但都非大制作的商业大片。从中我们可以看出克鲁斯心中对于自己的偶像派定位还是心存芥蒂的，他尝试突破，并付诸于实践。他甚至不惜牺牲色相出演了《大开眼戒》，只是寄希望于斯坦利·库布里克的金字招牌为自己赢来演技派的称号。

从《生于七月四日》、《甜心先生》、《木兰花》这三部电影都为克鲁斯带来了金球奖影帝来说，小汤不可谓不努力了，演技也为众人所认同。然而时运不济未能在奥斯卡上折桂也算是天公不作美了。但小汤并没有像小李子那样执念于此，他学会了放弃。

不再追名，专心逐利。小汤开始向阿汤哥过渡。

3、大牌锅具：商业大片阶段

在试图成为演技派并游走于中小制作政治片与文艺片之后，汤姆·克鲁斯开始将目光转向更为纯粹的商业大片。这种类型片一方面靠大投资，另一方面还得靠大导演。好汤还得好锅来炖，不用上大牌锅具，就只能等着收杯具了。

从《碟中谍1》与布莱恩·德·帕尔玛合作开始，汤姆·克鲁斯参演的众多商业大片里可谓大导云集。《碟中谍2》的吴宇森，《少数派报告》与《世界大战》的史蒂文·斯皮尔伯格，《最后的武士》的爱德华·兹威克，《借刀杀人》的迈克尔·曼，《行动目标希特勒》的布莱恩·辛格……每一位都是如雷贯耳的大腕。

这个阶段也是阿汤哥演艺生涯里的黄金时段，其身价与带来的票房也是令人瞩目的。这当中有克鲁斯自身的商业价值因素，更重要的是各种商业类型片领域里的诸位大导演操刀所致。

4、量身定做：动作大片时代

在对各种商业大片进行尝试之后，阿汤哥最终将自己定位于动作偶像的领域。每一位动作明星都需要一套独有系列来装点门面，要不都不好意思出去说自己是搞动作片的。就像施瓦辛格拥有《终结者》系列，史泰龙有《蓝博》与《洛奇》，布鲁斯·威利斯有《虎胆龙威》，范·迪塞尔有《极限特工》与《速度与激情》一样。汤姆·克鲁斯必须要拥有自己的品牌，这便是《碟中谍》系列。

阿汤哥在动作片领域是有先天劣势的，他的身高比不过施瓦辛格，体重赛不过范·迪塞尔，肌肉没法比史泰龙，流氓劲儿又输给了布鲁斯·威利斯。他聪明的把自己定位于智慧型特工形象，伊森·亨特身高、身材与身手在众多动作英雄中都算不上最顶级的，但论头脑与团队精神却是最杰出的。这便是阿汤哥独辟蹊径的动作英雄之路，随着《侠探杰克》系列的展开，他的特工之路愈发的宽广。

暗合了《甜心先生》的剧情，汤姆·克鲁斯早在1993年便与波拉·瓦格纳（Paula Wagner）成立了属于自己的Cruise/Wagner Productions电影制作公司，并参与制作了自己出演的从《碟中谍1》开始的几乎所有电影，并亲自担当部分影片的制片人。2006年 Cruise/Wagner Productions从米高梅手中收购了联美电影公司，此举更扩大了阿汤哥的电影版图并让他取得了更多的话语权。

当上老板的克鲁斯实际上已经可以自主决定影片的走向了，这从他最近几年的导演挑选便能看出，J·J·艾布拉姆斯、布拉德·伯德、克里斯托夫·迈考利、道格·里曼这几位导演基本上都是克鲁斯钦点的。在彼此创作理念磨合后将会不断的为他自己量身定做更多的动作大片。

从很多角度来看，汤姆·克鲁斯和刘德华、贝克汉姆非常相似：青春偶像成名，演技（球技）天赋算不得是一流，在历经冲奖失败后并不甘于终身偶像派的定位，通过勤能补拙的不懈努力，在某些自己擅长的方面成为标杆式人物。在卖脸开始吃力的时候，他们开始卖“肉”，这里的“肉”指的是汗水、体力与拼博精神。他们都是各自领域的偶像级明星，同时也是首屈一指的顶级劳模，提到他们的敬业精神，没几个演员（球员）能与他们相提并论。

一碗靓汤就是这样炼成的，它需要挑选良好的食材，再通过火候的调剂，用优质锅具慢慢炖制，最后再量身定做进行调味与调色。似乎说起来容易，但真正看遍全过程，我们才发现其中的艰辛与磨砺并不是常人所能克服的。

汤姆·克鲁斯便是这样一道风景，不管你喜欢他还是讨厌他，你不得不认同他的勤奋与敬业精神。银幕上的他总是那样的谦逊与乐观，正如演艺道路上的他，将痛苦与委屈都埋在了心里，永远用阳光般的笑容面对命运中的挫折。他的人生具有正能量，他不知疲倦的拼博，他用辛勤的汗水谱写着一段不老的传说。

汤姆·克鲁斯
Tom Cruise

《疯狂动物城》在短短的几天里已经被迪斯尼粉丝们从政治隐喻、社会阶层、强弱群体、和谐社会、励志精神、跨种族爱情等等各种角度无限解读，使其当之无愧成为了史上世界观、人生观、价值观三观最正的动画片。有鉴于此，我就不想再火上浇油了，来点儿添油加醋吧，从本行（城市规划）的角度戏说一下。

1、宏观层面：总体规划

《疯狂动物城》的视觉开发分为两部分：人物与环境。人物的细节是动态的，吸引观众主流目光，显性，容易出彩；而环境的细节是静态的，观众容易忽略，隐性，无处不在，体现功力。

疯狂动物城的占地面积非常大，如何整体布局是个伤脑筋的事情。很多人从这张海报中分析出它主要由洞穴区、雨林区、撒哈拉区、冻土城四个大区组成。这是“以兽为本”的，因为不同地理带的动物们对各自的生存环境是非常挑剔的。

根据不知来源的概念图显示，在四大居住区包围之下是作为公共服务中心的城市中心区，又称CBD。城市外围还分布有绿洲、动物中心、码头等市政类功能区，也许要到续集中才能得以揭秘。

从以上分区我们很容易联想到城市规划理论里有关《雅典宪章》所涉功能分区的概念，即城市规划的目的是解决居住、工作、游憩与交通四大功能活动的正常进行。然而《雅典宪章》本身的历史局限性已日益凸显，而《疯狂动物城》的创作者根本没必要重蹈覆辙，况且就本片来讲我们暂时没能发现动物城有任何重工业的存在，于是我们只能从另一个角度来解读这个乌托邦动物城的规划了。

它实际上就是一个主题公园的放大版。它的分区来源于我们熟悉的公园设计原则：围绕公园主中心划定不同的主题区域，各自铺陈分中心与辐射区，互相之间建立过渡与衔接，使其各具特色又融为一体。这正是迪斯尼乐园最为擅长的布局模式。也许迪斯尼公司在下一盘很大的棋，专项的“疯狂动物城主题公园”或许不久后便会在迪斯尼乐园里开辟新区。卖多元娱乐方式永远比单纯卖电影票赚钱，这才是迪斯尼秒杀国内动画产业的杀手锏。

2、中观层面：城市设计

功能分区确定之后，下一步我们必须考虑城市空间形态的构建，好的城市是容易识别的，通俗点儿说就是不容易在其中迷路的。

先看看《疯狂动物城》的前期概念设计图。它有着非常夸张的建筑造型与艳丽的建筑色彩，建筑风格也趋于魔幻色彩，这是典型的童话王国，以视觉系为主旨。这在城市设计理论里是有理论基础的，那便是罗伯特·文丘里所著《向拉斯维加斯学习》里的后现代主义思潮，批判现代主义一成不变的方盒子，强调建筑设计应该多元、复杂、装饰、个性与世俗化。

在最后的成片里，我们看到了折衷处理，在保留标志性建筑足够花哨前卫的同时，降低了其他大部分附属建筑群的视觉冲击力，使整个城市主次分明。虽魔幻色彩有所减弱，但空间秩序井井有条，俨然一副未来大都市的范儿。

从滨水区域向腹地由低层建筑过渡到高层、超高层的布局模式也是暗合“低地低建、高地高建”的城市设计常规手法。开发商最大利益体现的高层板式江景房、海景房在动物城得以了有效的控制，这使得城市的内外向景观都得到了最优化的提升。当然动物城的建筑设计其实是基于动物们身高巨大差别而来的，这使得其内在功能性与外观美学性得到了高度统一。

这是一张城市设计从业者梦寐以求的天际轮廓线城市立面效果图，它是单中心＋多居住组团城市模型的理想状态，与背景山体完美融合，有着美学角度的黄金比例与前冷后暖的良好色彩搭配。

美中不足的是似乎这个城市中心区太密了，开敞空间与绿地感觉严重不足，除非有异常发达的轨道公交系统或者多元丰富的交通方式，我很难想像它高峰时段的交通拥堵状况。

3、微观层面：建筑设计

从很多场景我们都能看到，动物城的建筑设计是多元丰富的。它既有古典主义、折衷主义的多层建筑，也有现代主义及后现代主义的高层建筑。那几栋标志性高层建筑我们甚至可以细分到诺曼·福斯特与扎哈·哈迪德等同为高技派却又截然不同的路线风格。

对于啮齿类动物的“小人国”，设计便趋于保守主义了。也许是老鼠们谨小慎微，又或者是安于守旧，它们的社区是以古典主义风格为主线的。不管是概念图还是最后成片，这个由教父统治的街区都透着一股浓浓的意大利街道风格，三段式的立面设计与飘窗、屋顶等装饰细节都让你感觉仿佛置身于欧洲的某座典雅小城。

而冻土城的建筑则明显是俄罗斯风情。

对于动物身高与体型不同而贴心设计的轻轨车厢大中小三种车门与车窗，其实观众都很好奇车厢里的内部结构。这张海报也许能让我们一窥其中的奥妙。

以上便是我对《疯狂动物城》一些环境设计方面的另类解读，下面来谈谈我对本片的一些非主流看法。

《疯狂动物城》短时间内便已成为了一部现象级的动画电影，不得不让人啧啧称奇。在影片质量上它几乎无可挑剔，但就个人感观而言，我认为它仍未能突破迪斯尼动画一贯的合家欢套路。

有人说它有关于好坏人之分的话题突破了迪斯尼以往黑白分明的传统设定，加入了食肉动物其实也有弱势群体一面这一新颖的观点，动画片与悬疑片相混合的新类型以及性格不同两搭档的人物设计。其实早在《无敌破坏王》中，迪斯尼便在这三点上做出了探索，《疯狂动物城》在很多方面都是借鉴了前片。

所以从新意来说，个人认为《疯狂动物城》是缺乏力度的，和《僵尸新娘》、《兰戈》、《卑鄙的我》等影片横空出世时的新鲜惊喜度尚有较大差距；与皮克斯《机器人瓦力》、《飞屋环游记》里的情感氛围渲染功力相比也相形见绌；与日系动画如《攻壳机动队》、《空中杀手》等延伸至哲学、伦理领域的动画电影在深度上更没法相提并论。

所以我认为《疯狂动物城》在热炒之余，有被过度高估的嫌疑，观众无止境的狂刷与追捧也显得有些“疯狂”。我丝毫没有贬低本片的意图，但如果观众都失去理智，那动画片世界说不定真的就会像电影里描述的那样被迪斯尼公司和谐了。我们并不想看到这样的动画领域乌托邦垄断，我们需要多元、另类，甚至是与迪斯尼理念格格不入的冲突与叫板。由此，在众人皆醉之时，我来唱唱反调又何妨呢？

“大侠”与“武侠”或是普通“侠客”有区别么？

当然有，你听过把蝙蝠侠、蜘蛛侠叫作蝙蝠大侠、蜘蛛大侠的么？

大部分国人心中大侠的定义也许都来源于金庸《神雕侠侣》中郭靖教育杨过的八个字“侠之大者，为国为民。”

由此可见，“大侠”是与普通侠客不太一样的，它的“大”来源于大作为，是“伟大”的涵义，而非“强大”。只有为国为民，才能称之为“大侠”。

这一下就把古龙书中的大部分主角给排除在外了。因为不管是李寻欢也好、楚留香也罢，多半是无政府主义者，他们游走于武林与江湖，和“国”基本绝缘。

而金庸笔下的少林与武当两大门派的高手们也基本无法入围，因为佛教、道教基本以“出世”为主，偶而勤个王也是好事不留名的。诸如扫地僧、觉远、张三丰、风清扬这类的世外高人很难成为大家心目中“大侠”的代言人。

范围一缩小，便能很清晰地发现，其实“大侠”的定义主要集中在“入世”的儒家文化里。

数来数去，金庸笔下就剩下郭靖、杨过、张无忌、乔峰等不多的几位大侠了。鉴于他们的主战场在电视圈，于电影圈里他们混得并不怎么样，不参与便成为了一种美德。

不光他们，整个古装武侠大军由于近些年来观众对于吊威压的审美疲劳而在电影圈里基本被边缘化了。于是真正跃上“大侠”这个舞台的还就只剩清末民初的几位大腕了。

而在浩瀚如星的民国武林里，真正能在电影里大放光彩的“大侠”真就是凤毛麟角了。究其原因，我认为还是与电影的创作理念有关。只有深度阐述了儒家精神的电影人物才真正成为了观众心目中公认的“大侠”。

儒家精神是什么？除去三纲，便是那五常：仁、义、礼、智、信。

１、仁者无敌：黄飞鸿

黄飞鸿也许是被搬上银幕次数最多的中国人了，上百部肯定是有的。但论真正能让观众念念不忘的，我想无疑还是上世纪90年代初由徐克执导的《黄飞鸿》系列了。其中又以李连杰主演的三部曲最受欢迎。赵文卓续演的几集开始走下坡路并终结了该系列。而李连杰主演的《铁鸡斗蜈蚣》与《西域雄狮》则由于导演的不同明显有一种外传的感觉。而成龙的《醉拳》系列由于其喜剧风格很难让人记住故事的主角居然是黄飞鸿。

之所以徐克执导的三部曲被认为是经典，关键在于它们切中了一个字：“仁”。

黄飞鸿被徐克与李连杰塑造成为仁者的化身，并因此变得无敌。不光是手无缚鸡之力的贫苦百姓，“仁”的对象甚至包括了许多外国商人与传教士。而黄飞鸿的对手却变成了我们历史教科书中被称为正面人物的义和拳、白莲教领袖，初看之时对于我们这种长期浸淫于正统历史观教育的新中国根红苗正的祖国花朵们来说煞是费解。

细品之后才能明白导演的用意，“仁”不仅仅针对国人黎民百姓，也适用于不带有侵略意图的异族，甚至还包括了值得感化与拯救的对手。这便是黄飞鸿的“大仁”。

他的徒弟梁宽、鬼脚七都曾经是他厮杀惨烈的对手，将他们感召至门下靠的不是武力，而是仁心。而敌营中的若干迷信教徒一个个被黄飞鸿感化并成为他的知己或朋友，更是他仁者无敌、不战而屈人之兵的明证。

观众在这三部曲中看到了中国儒家文化中最为重要的精髓，这便是中国“仁”。某些时候，我们因为“仁”显得过于宽容而濒于懦弱，但更多时候我们因为“仁”而彰显包容的民族性。在此基础上我们拾起必要的“武”，便成为一种不卑不亢、不屈不挠的中国精神。

银幕上，黄飞鸿的背影是一个大写的“仁”字。背起手来是一种姿态，我有广阔的胸怀，更有挺直的腰杆。我以仁待人，也嫉恶如仇。

如同詹姆斯·邦德会分两段报出自己的名号一般，我会骄傲的说：我是佛山·黄飞鸿，更是中华·黄飞鸿。

2、义薄云天：陈真

陈真，不同于其他真实存在的大侠，他是一个银幕上虚构的历史人物。之所以那么深入人心，为国人所认同，关键还在于他的“义”。

这个“义”字有两层含义。第一个是小“义”，在于他对师父霍元甲的尊敬与爱戴，由此产生的复仇之火必将燎原整个敌方阵营。这一股义气植于对师父的恩，长于对仇人的恨。它痛快淋漓的释放出来，并有了银幕上那条活灵活现的中国龙。

另一个 “义”在于保家卫国的大“义”，国破之时宁为玉碎、不为瓦全的精神来源于儒家的“义”。从陈真的身上我们看到了侠书中郭靖、杨过的身影，也嗅到了青史中文天祥、史可法的灵魂。这种为国献身的“义”长存于我们的心底。

有关于陈真的电影不算太多，但基本上华人功夫明星都会以扮演陈真为荣。而且多半以“精武”为名，包括李小龙的《精武门》、成龙的《精武门》、李连杰的《精武英雄》、甄子丹的《精武风云·陈真》。

而其中个人认为最杰出的仍是陈嘉上导演、李连杰主演的《精武英雄》。从形象上来说，李小龙与甄子丹有一股亦正亦邪之气，成龙被其后期电影过于滑稽的形象所累，真正一身正气、不卑不亢的形象还是李连杰所扮演的陈真，也最能让观众认可。

片中最后一句台词，“东三省日本人最多，我们去东北打个痛快！”更是让陈真的形象从一代宗师霍元甲之徒的身份上升到了民族英雄的高度，他成就了一个虚构史实人物的大侠巅峰。

他代表了中国人心目中的“义”字，随着“东亚病夫”牌匾被他一脚踢碎，一股浩然长存的义气从国人心中喷薄而出。

3、先礼后兵：叶问

叶问无疑是近几年最为热门的武林人物，随之而来的咏春热更是席卷整个华人地区。这是一个好现象，我们重新认识鲜为人知的武林宗师，重新挖掘早已没落的中华武术，重新凝集日渐涣散的爱国之心，并重新激发渐渐苏醒的民族自豪感。于国于民，这都是一件幸事。

如同20年前的黄飞鸿热一般，叶问被媒体进行了热炒，一遍遍的榨取他流传后世的剩余价值。精品迭出的同时，滥竽充数也随处可见。

公认成功的两个品牌是王家卫导演的《一代宗师》与叶伟信导演的《叶问》系列。

王家卫的《一代宗师》着实在描绘一个时代的宗师，角度恢弘，视野广博。这部影片正和徐皓峰近几年陆续推出的几部作品一起成为了一类新的片种，它们不隶属于功夫或武侠片，而是另起炉灶开启了一道新的风景，着力讲述民国时期中华武林的兴衰史。从发展、高潮到衰落，它们更像是史诗片，构建起民国武林的众生相。在这些电影里，个体性的大侠让位于群体性的门派。

而叶伟信的《叶问》却是以大侠叶问的个体出发，更像我们熟悉的人物传记片。正如黄飞鸿的“仁”，《叶问》系列的成功之处在于它们把握住了另一个儒家要义，那便是“礼”。

不管你如何诟病甄子丹的为人处事，不得不承认的是银幕上的叶问被他演活了。三部曲的《叶问》让我们重新认识了这位原本地域性的武林宗师，甄子丹对这个人物的诠释在文武两个方面都非常到位。

武的一面不必多说，甄子丹的咏春几乎成了这个拳种的广告与教科书，他招牌式的短打速拳让我们对梁朝伟苦练几年的拳法几乎视而不见，毕竟王家卫玩的是文艺视觉系而不是动作视觉系。

而文的一面便是叶问的“礼”，一个内敛谦虚却不失傲骨的叶问跃然银幕之上，让我们领教了印象中五大三粗的武馆师傅原来是可以这样温文尔雅的。这是一个儒学修养高深的武林宗师，他的文武双修展现了一种中国特有的儒雅。先礼后兵是一种美德，我可以隐忍，可以不怒自威，但一旦摊上了国仇家恨，我也同样可以怒吼“我要一次打十个！”

《叶问》系列很好的展现了大侠叶问的“礼”，这是中华儒学的一脉血液，不仅流淌在文人衣锦示人的面子上，也隐藏于武人粗布麻衣的里子下。

4、大智若愚：苏乞儿

苏乞儿，原名苏灿，“广东十虎”之一。人生曲折离奇，从原本拥有幸福美满家庭被陷害到以乞食为生，再到开创武术新高峰的泰斗。他也是“醉拳”的开山祖师爷，其匡扶正义的豪举使其成为受人敬重的一代武林宗师。

正因为人生的大起大落，使他在大侠中显得与众不同，他早早看透了无常的世事，从而以嬉笑怒骂的姿态面对世间百态。终日沉迷于“醉拳”，却是那众人皆醉我独醒的唯一一个。

讲述苏乞儿人生传奇的影视作品不少，但成功的并不多。袁和平前后于1993年与2010年导演了两部电影，分别是甄子丹主演的《英雄豪杰之苏乞儿》与赵文卓主演的《苏乞儿》。由于袁和平的武指出身，两部电影都以动作场面为看点，对苏灿人生经历丰富所带来的性格变化却未能深度挖掘，使这位大侠的形象仍显单薄。

倒是同为袁和平导演的1978年成龙主演的《醉拳》里，由袁和平的老父亲袁小田饰演的老叫花子苏灿别有一番风味，包括由他调教出来的黄飞鸿（成龙饰演）恰恰绽放出许多苏乞儿应有的性格色彩，天真烂漫却又果敢勇猛、行侠仗义。

而1992年由陈嘉上导演、周星驰主演的《武状元苏乞儿》虽说是一部标准的喜剧，却让观众对这位大侠印象深刻。片中的苏乞儿表面上放荡不羁、玩世不恭，内心里却又雄心万丈、为国为民。这才是苏乞儿应有的个人魅力，表面糊里糊涂，内心却睿智聪明。本片以喜剧身份获得第12届香港金像奖最佳影片、导演、编剧三项大奖提名也算是一种充分的肯定了。

大智如愚正是苏乞儿的人生写照，这里的“智”不是指平常我们理解的智力，而是指一种“大智慧”，对世界观、人生观大彻大悟后的“大智慧”。

5、言信行直：霍元甲

很遗憾，最为人熟知的一代大侠霍元甲却拥有最少的人物传记影视作品。除了那部上世纪80年代万人空巷的电视连续剧《霍元甲》（黄元申主演）以外，能让观众记住的就只剩下2006年于仁泰执导、李连杰主演的电影《霍元甲》了。

对于霍元甲，已无需多说。他已经成为了那个时代中华民族的脊梁，国人自信的源泉与自强精神的象征。《万里长城永不倒》是我听过的第一首粤语歌曲，也毫无疑问是最喜爱的一首。它的歌词唱响了大侠的为国为民：

“昏睡百年，国人渐已醒。睁开眼吧！小心看吧！哪个愿臣虏自认？因为畏缩与忍让，人家骄气日盛。开口叫吧！高声叫吧！这里是全国皆兵。历来强盗要侵入，最终必送命。万里长城永不倒，千里黄河水滔滔。江山秀丽叠翠飞流，问我国家哪像染病？冲开血路，挥手上吧，要致力国家中兴。岂让国土再遭践踏，个个负起使命。这睡狮，渐已醒！”

霍元甲的“信”来源于他的言而有信、言出必行与行为正直。擂台上明知中毒仍然信守承诺，全力以赴。

霍元甲的“信”更在于他成竹在胸的自信与其带给全民族的自信心，这种“信”在那个中华民族倍受屈辱的年代里，弥足珍贵。

虽然影视作品中的霍元甲有许多虚构的成分，但丝毫不能影响我们心目中霍元甲的大侠地位。因为他已经化身成为了一种民族精神，烙印在了我们每个中华儿女的心中。

五位大侠分别代表了“仁、义、礼、智、信”五种儒家精神。他们一次次的登上影视舞台，为观众带来视听盛宴的同时，也为我们注入了善由心生的道德原力。这便是侠义的力量！

他们为我们竖起一面面仁义宽厚的旗，在尔虞我诈的涩风中猎猎生威；

他们为我们筑起一道道有礼有节的墙，在伪善丛生的浊流中巍然屹立；

他们为我们撑起一根根自信自傲的梁，在奴颜媚骨的漩涡中挺直腰板；

他们为我们擦亮一扇扇大智大勇的窗，在混淆黑白的暴雨中望向远方……

黄飞鸿
Once Upon a Time in China
(1991)

精武英雄
Fist of Legend
(1994)

叶问
Ip Man
(2008)

武状元苏乞儿
King of Beggars
(1992)

霍元甲
Fearless
(2006)

1、《叶问3》

从第一集经历国难到第二集的维护港誉，再到第三集的保卫社区，格局有一种越来越小的感觉。甄子丹还是一如既往的沉稳，倒是张晋抢了不少的风头。与泰森的一战时间太短，意犹未尽。与泰国杀手的较量拍出了一丝新意。最后两位宗师的决战，棍刀拳轮番上场，拍摄难度较大，诚意十足，也开拓了咏春多元化的表现形式。本片虽褒贬不一，但狗尾续貂还是不至于，作为一部商业动作片是完全合格的。

长评：【大侠】五位大侠，五种风范，五杆旗帜 http://i.mtime.com/kenshin/blog/7951569/

2、《圣斗士星矢：圣域传说》

高中时的记忆，满满的情怀。身为70后的我们早期接触的日系漫画里最为难忘的便是那《圣斗士星矢》。晚自习逃课就为了追星矢的往事已经随着年龄的增长渐渐退到了脑海的深处，可一丝丝的火苗便能把那残存的热血点燃。燃烧吧！小宇宙！挥出那天马流星拳，扛起那庐山升龙霸。虽然他们的脸型变得有些同质化，全靠那杀马特发型的不同颜色才能区分。然而愚忠的我们不会在意这些，重要的是，久违的小伙伴回来了！战斗吧！青铜圣斗士！

3、《师父》

徐浩峰的电影总是有一种怪怪的感觉，怪怪的男主角、怪怪的人际关系、怪怪的武术设计，这些都让他的电影显得与众不同、独树一帜。也许是武林中人的缘故，他更喜欢讲述武林的兴衰史，而不是一个单纯的人物或是一段往事。这使得他的电影充满了使命感与沉重感，仿佛看到一个江湖的老去。惟一不能让人轻易接受的是本片的配乐，这种怪怪的感觉让人频频出戏，即便是黑色幽默，这种滑稽的配乐也显得有些过头。

4、《玩命速递：重启之战》

作为重启之作，本片惟一的看点是新人如何挑战杰森·斯坦森那深入人心的酷哥形象的。就此而言它只能算作是中规中矩了，从造型、服装、座驾已经情节都没有太大的突破。也许是请不起斯坦森高身价所作的权宜之计。倒不如拍个前传，还可以深挖一下暗黑系的雇佣兵史、黑帮史或是特工史什么的。

5、《最后的巫师猎人》

这种电影就是来看视效的，但花上大把的银子把大反派弄得那么脏兮兮、粘乎乎的就是导演你的不对了。要凭此竞争黑暗届最佳化妆奖么？话说大BOSS能不能给点力啊，不要总是观众瞌睡刚醒就挂掉了好不好？

6、《疯狂动物城》

长评：从城市规划学角度戏说《疯狂动物城》 http://i.mtime.com/kenshin/blog/7951045/

7、《阿纳克莱托：秘密特工》

西班牙搞笑特工片。特工老爹与菜鸟儿子的反差笑点被导演玩得行云流水，黑色幽默洒了一地。喜欢西班牙语速超快的机关枪式唠叨，有一种全片听顺口溜的突~突~突~感。影片最后，老爹挂了，女友独眼了，似乎有一种玩笑开大了的感觉。不过对于这种玩出格的另类喜剧来说，什么常理都无法约束它脱缰野马般的冷笑点。

8、《禁运品》

一堂走私教学片进阶教程。情节紧凑，节奏适度。马克·沃尔伯格扮演的角色简直就是走私界的杰森·伯恩，贝金赛尔可就是个大花瓶了。电影结局有三观不正的嫌疑，靠走私也能发家致富且善始善终是不是美国梦的一种快捷实现方式？作为商业娱乐片来说，管它那么多呢。

9、《偷心贼》

敬业警察抓到的女贼居然是十年前不辞而别的女友，这样的故事设定的确可以延伸成为无数可能性的结局。开头便暴露了其喜剧片的本质，行到结尾却发现爱情的要素高过了一切。一些泪点的设计还是打动了我。特别是珍淑从警车车窗掷出那双球鞋的时候，长发拂过她忧伤与遗憾盈满的眼角，不禁令人心生怜惜。

10、《从今以后》

一部灵异题材电影能被克林特·伊斯特伍德拍得如此温吞与内敛也算是登峰造极了。有一种毛肚烫清汤火锅的感觉。但这正是它与众不同之处，有那么点儿意思。因为不到影片结束你都没法猜透导演的意图，也没法估量影片的走向。这种未知性足以支撑你看完这部节奏缓慢的灵异文艺片。另外老克林特再次操刀配乐的确让人对他多元的才华表示滔滔江水之敬。

11、《麦克白》（2015年法斯宾德版）

逼格直逼《刺客聂隐娘》的电影，对白文绉绉是因为莎士比亚的缘故，画面虚无缥缈是因为苏格兰高地的缘故，色彩灰暗是因为影片主题的缘故，可那么多超慢镜头与空镜头又是为了什么呢？只能解释为导演是位诗人，想通过现代诗歌的形式展示一出老戏剧。很前卫的表达方式，会让爱它的人疯狂，也会让不爱它的人骂娘。敢于尝试，不分对错，拍出自我，方显大气。

12、《名利场》

想拍成《飘》的感觉，却又感觉差了些什么。是缺乏历史厚重感么？战乱的背景与阶层的矛盾貌似又很相似。是原著的思想性不够么？貌似萨克雷的小说似乎还更为尖锐与犀利。是有关情感的话题不够打动人心么？可女主角的感情经历也有够曲折了。是女主角没费雯丽漂亮？这个确认了。是片长不够？有可能。最大的因素还是女主人公的角色不讨巧，太工于心计是宫斗剧的专利，拿来和《飘》比，可就太不惹人爱了。

13《安娜·卡列尼娜》（2015年凯拉·奈特莉版）

导演在不同场景间用布景更迭作为一种视觉创新，也许是想营造话剧的氛围，但也让观众有一种出戏的感觉，这种创意有些难以让人难以接受。凯拉·奈特莉看上去叛逆劲儿倒是有，却很难达到苏菲·玛索的可爱，演绎这样一个悲剧性人物让人看了很难激发同情心。

14、《红鹰》

不是泰国的红鹰侠，而是西班牙的红鹰侠。可真心好不到那儿去。幼稚的剧情，低廉的道具，就宫殿内景值得一看。看完整个人都不好了，感觉欧洲列强打仗跟过家家一样。他们到底是怎么火烧圆明园的啊？就凭这城乡接合部里拼凑来的士兵？

15、《玛奇丝》

苏菲·玛索的早期电影，美得让人心碎。毕竟所演角色是那个荒淫时代的放荡舞女，太有损我苏菲女神年轻时的清纯形象了。很想摁下电视电源，却又难以将目光从她魅力四射的面容上移去。当一种美渗入她的脸庞、身体以及舞步中时，我才明白什么叫作深入骨髓的美丽。女神定格在她30岁的年龄，没有了她，本片毫无意义。

16、《邂逅幸福》

看到曾经的女神只能出演老少恋，我们感到无比的心痛。风韵犹存的苏菲·玛索沦落到了饰演中年妇女的角色是影迷们不想看到的，却又不得不接受的。对于这样一部电影，我只想对导演说，男主角太丑了，下次能找我演么？零片酬也行……

17、《枕边的男人》

老去的女神很适合尝试演这类角色。褪去她的青春与灵动，注入复杂的性格、乖戾的脾气，苏菲·玛索变得更为真实与亲切。即便不再年轻如彼，依然动人心魄。这才是女神应有的影坛归宿，我们不冀望她再在银幕上展示身段与热吻，我们只希望一窥她沉淀下来的知性与成熟。自信一些，苏菲是可以永葆青春的。我们忠贞于你，也渴望你不负我们。

18、《我是女王》

又一位曾经的女神被一群小鲜肉啃噬，除了心痛就只剩心酸了。导演一定要这样糟蹋我们70后的美好记忆么？原来是伊能静干的，用心险恶啊。从片头的长镜头的使用我们一眼就能看出你是新手，因为急于求成的炫技是菜鸟导演的必经之路。你和四娘都是这样走过来的，也同样会那样倒下去。本片的槽点多到令人发指，完全让人无法直视。

19、《杜拉拉追婚记》

这个和前作到底有啥关系？我真没看出来。特别是那个男主，周渝民和黄立行演的是同一个人物么？为毛我感觉完全颠覆了。国内的都市题材爱情电影都陷入了同质化的怪圈。男友必须不务正业，必须得一帮长腿美眉围着转，最后必须在大庭广众之上表白谢罪……阴盛阳衰的格局造就了小妞电影的蓬勃发展，却又反映了当下畸形的求偶观，但愿不要助长它。要不产量与日俱增的剩男剩女都得归罪于电影圈了。

20、《我甜蜜的胡椒地》

战后伊拉克一个边陲小镇的故事，涉及到库尔德人这个政治敏感话题。故事没有想像中那么沉重，节奏缓慢，不乏温情。即便是在最为混乱与躁动的地区，正义依然存在，爱情也依然存在，这便是本片带给我们的一个小小慰籍。影片并没有胡椒地的踪影，那只是一个酒吧的名字，至于为何甜蜜，需要观众自己寻找答案。

21、《锅盖头》

萨姆·门德斯导演，杰克·吉伦哈尔主演，伊拉克战争题材。光这三个看点就已经吊炸天了。没有如《敢死队》般的天雷滚滚，没有如《拯救大兵瑞恩》般的子弹纷飞，只有真实战争的残酷与冷峻。那焦黑的尸体、冲天的火焰、倾泻的油雨，无不让人胆寒。这便是所谓正义的战争，它留给了一个民族无尽的屈辱，也给这片土地带来难平的伤痕。黑色的血液流淌在黄色的沙漠之上，这场战争没有任何的胜利者。

22、《锅盖头2》

缺少了门德斯与吉伦哈尔这两大支柱，《锅盖头2》有狗尾续貂的嫌疑。它演变成了一部中规中矩的战争片，标准的小分队护送目标的情节。它从画面与内涵中都丧失了第一集对于反战的思考，这使本片变得平庸与俗套。

23、《拆弹部队》

个人不太喜欢的一部奥斯卡获奖影片。过于沉闷的剧情、拖沓的叙事结构、昏暗不清的色调与颠簸摇晃的伪战地纪录片镜头，让我的整个观影过程非常不适。很难想像这是一位女性导演的作品，因为它太过于残酷与真实。毕格罗凭此片在奥斯卡上击败了前夫卡梅隆的《阿凡达》，一次漂亮的逆袭，也成就了毕格罗硬派的影片风格。

24、《猎杀本拉登》

毕格罗延续了她冷峻的镜头语言，让本片如同纪录片般的真实。影片原剧本讲述的是猎杀本·拉登失败的故事，戏剧性的是在影片拍摄过程中本·拉登真的被美军鬼使神差般的干掉了，影片随即更改结尾，使它成了一部非常应景的电影，这不得不说是电影史上的一段奇闻了。影片的主题是坚毅与坚持，没有涉及过多政治倾向，只是单纯的讲述了整个事件的过程，比较客观，这在好莱坞很难得，也很独特。

25、《孤独的幸存者》

真实事件改编的阿富汗战争故事，几位主演非常亮眼，个个都是性格明星。战争场面真实惨烈，是近几年小分队作战题材中难得的佳作。但由于过于宣扬美国世界警察的主旋律价值观而让第三世界国家的观众不自觉的产生了排斥感。片中每个人的选择都有自己的道理，滥施善心、忘恩负义、卖国投敌，从不同的角度可以看到不同的定义，开放式的供人讨论。但核心的要义是对生存的追求，它无关正义，只是一种本能。

26、《越来越好之村晚》

东拼西凑的大杂烩，很难想像是张一白的作品。事实证明了，把流行元素放在一起不一定就能流行起来，它也许会成为流行的微缩景观园，一切都那么山寨、那么渺小。唯一流行起来的是那首片尾曲，流行的方式却是手机彩铃。哦，原来一部影片可以这样曲线红起来的。

27、《怪兽屋》

鼓捣出这么一部惊悚动画究竟是什么用意。说好的老少咸宜呢，被怪物屋的血盆大口吃的尸骨无存。反正我是不建议家长带着小孩（8岁以下）看这部动画的。它只适合成年人，因为即便晚上做噩梦，这也只是小儿科，比起“高考”这个时常出现的梦魇来说，只停留在幼稚动画片的层次，离心理惊悚还有一段相当长的距离。

28、《风语者》

它不是尼古拉斯·凯奇最好的电影，也肯定不是吴宇森最好的作品，也许连较好都算不上。但是，它的诸多不完美，也让我们认识了战争中的另一群人，另一种人性，和始终如一的那一面旗帜。

29、《天若有情》

说刘德华是香港的汤姆克鲁斯其实蛮恰当的，他们都有墨镜、风衣和风驰电掣的摩托车，还有那曾经的热血青春，和看似不老的苍老传说。也许有很多人都不待见他们，因为他们没有所谓的演技，他们是标准的偶像派。但是请不要忘记，在你我终将逝去的青春里，有他们不能磨灭的痕迹。就如这部《天若有情》一样，定格了一瞬年少轻狂的记忆。

【本月观影总数】 29  【短评数】28  【长评数】2

        我曾在2013年《超人：钢铁之躯》上映之后写过一段文字，以预测该电影续集的剧情走向（http://i.mtime.com/kenshin/blog/7637330/）。内容如下：

“整个故事我感觉就是耶稣的前半生：神之子以凡人之身降临人间，拥有异能的他经历磨难，遍尝孤独，甚至有些许潦倒；在天父指引后他明白了与生俱来的力量与艰巨的使命，他开始觉醒与跋涉，在人们的质疑之下他展示了神迹，帮助了苦难中的人民；终于，他赢得了大众的爱戴与崇拜，于是他被冠以超越人类的称号——超人（或是基督）。为了进一步表明身份，超人摆出了他经典的造型——在空中平举双臂，完美的十字。

不出意外的话，本片将会有续集出现，我们可以依此线索展望一下可能的剧情发展。超人在赢得大众的爱戴与崇拜后，不断通过神迹震烁世人，这势必影响到某些权贵的威信，也会降低群众对国家机器的依赖与信任。这种抢风头的“民心工程”让统治阶级嫉妒与震怒，于是在刻意的摸黑与煽动下，无知群众开始误解与诋毁超人，一夜之间超人沦为全民公敌与历史罪人，这其中也许会包括朋友的背叛。超人被钉上隐忍的“十字架”，实现符号化的“死亡”，并由此开始了第二轮的沉沦与放逐。当更为强大的恶魔出现后，人们意识到了巨大的错误，超人才得以“复活”并最终受封为神。

至于故事是否向这个方向发展，让我们拭目以待吧。”

显然当时我并没有预判到蝙蝠侠与超人会在续集里同框，所以仍是以超人为惟一主角构想续集的。而事实上除开蝙蝠侠所占的戏份，整个预测还是相对精准的。电影特意选在3月25日复活节上映本身也是有一定深意的。

为什么续集必须这样拍呢？这得从导演扎克·施耐德说起。

许多人诟病《蝙蝠侠大战超人》的剧情过于拖沓与零碎，这是大多数人观影后的感受，的确是该片的硬伤。但如果从导演的简历以及本片的制作背景来看，似乎这一切又是合理的了。

作为一名忠实的扎粉，我来替扎导说几句。

相信大多数影迷和我一样，认识并喜欢上扎克·施耐德是从《斯巴达300勇士》开始的。该片的里程碑地位已毋需我多言，它的突破性就在于超慢镜头与凝重色彩。之后扎克的一系列作品都延续了这两项独门绝技，直到《超人：钢铁之躯》他变得“快”了起来，那也是超人的属性所在，而此“快”的表现方式仍然和彼“慢”遥相呼应、异曲同工。

所以如果扎克在《蝙蝠侠大战超人》里一如既往的慢节奏，我并不感到意外。至于所谓的情节拖沓，就得来看看DC宇宙的大棋局了。

近些年来，DC在与漫威的竞争中明显败下阵来。漫威宇宙已经从《钢铁侠》、《美国队长》、《雷神》等个体英雄发展到《复仇者联盟》组队，再进而各自单飞完成一两部续集，目前已经发展到组队2.0时代，并且已经扩充到《蚁人》、《黑豹》等更多独立英雄百花齐放的丰收期了。

反观DC，由于《绿灯侠》的受挫，目前能拿得出手的英雄就只有蝙蝠侠与超人两位。明显被漫威甩出了几个身位。DC急于扭转颓势，不得不在个体英雄尚未独挡一面的时候便要强行组队，以扛出足以对抗《复仇者联盟》的《正义联盟》大旗。如何快速达到这种吸引眼球的目的？惟有祭出人气最为强大的两位扛把子才行，这便是《蝙蝠侠大战超人》电影的成因。

为了和漫威错位发展，又或者是表达之于对手的不屑，DC一直保持着独特的英雄主义表达方式，这便是“暗黑系”英雄风。从诺兰版《蝙蝠侠：黑暗骑士》系列开始，这种凝重而灰暗的色彩便在DC的大旗上烙下了深深的印迹。中途想改路线山寨漫威轻佻风格的《超人归来》、《绿灯侠》既学得四不像又丢掉了己方的另类风格，反而以失败告终。这使得DC痛定思痛，坚定了走暗黑特色的英雄主义之路。

既然定下了基调，剧本和导演便得有的放矢。从《超人：钢铁之躯》到《蝙蝠侠大战超人》，我们都可以发现这几个重量级人物的名字：编剧离不开大卫·S·高耶、克里斯托弗·诺兰的影子，导演始终是扎克·施耐德。

为什么会是这种组合？因为大卫·S·高耶是《蝙蝠侠：黑暗骑士》三部曲雷打不动的一号编剧，诺兰精通暗黑剧情却并不太擅长英雄电影里的大场面调度，而扎克·施耐德又恰恰是这方面的一位奇才，这从他漫画电影改编大神的履历便可以看出。这种铁三角组合应势而生，对于DC想要强调的暗黑风格来说，堪称完美。

于是，当我们看到《超人：钢铁之躯》里超人的服饰颜色反惯例的变得黯淡，而剧情也趋于《蝙蝠侠》的黑暗晦涩便一点儿也不觉得奇怪了。顺理成章的，《蝙蝠侠大战超人》也会延续这种风格。所以如果你抱着想看《复仇者联盟》里雷神大战绿巨人那种欢乐场面的预期来看本片的话，注定是要骂娘的了。

如果把漫威的《复仇者联盟》等超级英雄电影比作是贾斯汀·比伯的流行音乐的话，DC的《蝙蝠侠》与《超人》系列则无疑是MONO的后摇曲风。前者处处悦耳动听，节奏感十足，高潮迭起。后者却前后分明，先抑后扬，把惟一高潮归于结尾。

后摇是一种摄人心魄、使人上瘾的音乐形式，堪称音乐里的毒品。它的特点是每一首时长都非常长，前面3/4甚至更长的时段都是由单调甚至有些乏味的基础乐器弹奏，营造一种隐忍不发的漫长铺垫，直到乐曲行将结束之时才排山倒海般的轰出吉他噪声墙，以达到一种震撼耳膜与心灵的效果。这是一种不以旋律与桥段取胜的音乐，重点在于极度压抑后的终极宣泄。

在后摇音乐里，感性大于理性，它根本没有约定俗成的所谓乐理与套路，时而呆滞沉闷，时而行云流水，时而又激情澎湃。它重在感情肆无忌惮的抒发，有一种行过狭长甬道后豁然见天地的愉悦感。对于后摇，讨厌它的人嗤之以鼻，喜欢它的人却又爱的要死，沉迷其中难以自拔。

而DC正是在做电影里的后摇。从《蝙蝠侠》、《钢铁之躯》再到《蝙蝠侠大战超人》无一不是想营造一种压抑后的终极释放。

我并非想黑漫威，我也很喜欢漫威的超级英雄电影。但设想如果DC的电影也和漫威做成了同款，那又是多么的无趣啊！对于DC标新立异、特立独行的后摇风格，我要大大的点赞。

正如本片的配乐里，大家都喜欢神奇女侠出场时“Is She WithYou？”这首曲子。但其实若是没看电影而单听此曲，你并不能找到影院里那种酣畅淋漓的感觉。正是因为前半段晦暗的剧情以及若干凝重配乐的绵绵铺垫，才有了此曲在神奇女侠变装出场时骤然响起时那种燃爆的奇妙感觉。这便是那如火山爆发般轰然涌出的吉他噪声墙，似岩浆瀑布般倾泻而下的蓬勃气势。

汉斯·基默是此种配乐的顶级大师，他很擅长这种先抑后扬的暗黑配乐，DC这一系列电影都由他来操刀堪称完美。而想像一下漫威英雄电影若是让汉斯·基默来配乐会是怎样一种效果？多半会是一种不搭调的感觉，比如2014年的《超凡蜘蛛侠2》。

长篇大论一番，并不是想给扎克·施耐德的《蝙蝠侠大战超人》平反。一部电影口碑两极分化并引发影迷撕逼大战本身就说明了影片的重量级与话题性。有多少人讨厌漫威与《复仇者联盟2》就有多少人恨DC与《蝙蝠侠大战超人》，它们原本就是两种类型完全不同的英雄电影。前者看得爽快却没能让我们回味多少，后者流畅度顿滞却能震撼心灵。两者有截然不同的疗效，一种缓解疲劳，另一种专治醒脑。观众需要在不同的心境下观看正确的电影，否则就是食不对味、症不对药，且徒增烦恼了。

《间谍之桥》是一部主旋律电影么？我并不这样认为。

请不要一看到史蒂文·斯皮尔伯格的名字就马上联想到主旋律。翻开他的导演史，大部分作品是冒险、科幻甚至儿童片题材。偶而他涉及到了一些历史题材，如《辛德勒名单》、《慕尼黑》，也是他的犹太人背景使然。

虽然《拯救大兵瑞恩》不如《细细的红线》、《野战排》那样的反战意味强烈，但其对战争的残酷刻画严格意义上来说至少不能作为征兵片来使用。而即便是定调为斯氏最为主旋律的《拯救大兵瑞恩》，它最终想表达的仍然是战场上的情谊与人性，星条旗飘扬只是个形式，换成任何一面国旗其实都掩盖不了其覆盖之下棺材里的实体，那便是人的生命。

《间谍之桥》是在弘扬美国精神么？可以这样说。

它本质上是一部爱国主义电影，但它的爱国也包含了爱政府、爱执政党、爱国家领导人了么？显然没有，它甚至有些丑化它们。换到大洋的另一头，这种电影还能算作是主旋律么？显然不可能，不被封杀就不错了。

抛开政府、执政党、国家领导人，我们所谓的“主旋律”似乎完全没了谱。

可《间谍之桥》硬是让观众觉得正能量满满。那么它的“主旋律”在哪里？它所崇尚的美国精神是什么？

我想应该是对立国之本的制度以及宪法的敬畏，对每个个体人权与生命的尊重，而不是只尊重某一个个体，即便他显得更为重要。生命是平等的，不分贵贱，也不分官民。

影片的主角，詹姆斯·多诺万（汤姆·汉克斯饰）并非一个政府官员，而仅仅是以一个律师的身份参与到冷战期间一宗美苏被俘间谍互换事件中。从导演的角度来看，他更像是一位维权者，而非一名执法者或是外交官。他甚至在随行政府官员的执意要求下仍然我行我素的坚持自己的价值观与人生信条。导演更关注的是公民个体那宝贵的生命与尊严，对国与国之间所谓的国体平等、外交对等等政治游戏嗤之以鼻。试问这些观念在某些国家能算作是“主旋律”么？

影片的主线貌似是地缘政治斗争里的斡旋，充满了政治性的尔虞我诈。但这一切不过是吸引观众的外在噱头，其内核仍然是人性与人心。影片触动我的有两个核心主旨，都和政治无关。

一、屹立不倒的人

多诺万只是一个平凡的律师，并非达官显要或是战斗英雄，然而他的正直令所有观众为之肃然起敬。他在经过意识形态洗脑后的愚忠民众中显得格格不入，为苏联间谍做辩护律师为他招来诸多的误解与敌视，甚至引来人身安全的威胁与执法者的敌意暗示。这一切并没有改变他对宪法的忠贞与崇敬，他固执的坚持己见，维护每个人那怕是敌人的合法权利。在这条维权之路上，他很孤独，但却异常的坚毅，他孤清的背影无比伟岸。

影片后半段，他主动加入到交换战俘的风波中，在万般困难与危险重重的敌国国境内为三名深陷囹圄的囚徒争取生存的权利与重生的希望。这其中包括一名敌方间谍与两位素不相识的本国公民。在复杂的外交蛛网里，他孤军作战，力排众议坚持自己的观点。生命在他眼中是宝贵而平等的，天平两端的砝码都有同样的重量，不能因为政府的利益便偏颇一方。在这条营救之路上，他不是一个人在战斗，但却显得更加孤独，因为身边围站的其实都是监视者。

多诺万是一个屹立不倒的人，己方的误解与敌方的刁难均不能击垮他，他傲然挺立在自身高尚人格的堡垒里，用对正义而非政治的信仰支撑着自己信念，顽强而坚毅的前行，直达公正与胜利的彼岸。

影片里屹立不倒的人只有他一人么？不，苏联间谍阿贝尔与美军飞行员鲍尔斯同样也是那站立的人。在敌国被俘，经历着死刑威胁与严刑拷打之下，两位不同战线上的战士拥有着同样令人敬佩的表现。尽忠职守，绝不叛国投敌，完全不同的体格下流淌着同样坚韧的血液。对各自国家的忠诚促使他们在那座桥上相遇，如同看见镜子里的自己一般迎面而过。

他们的坚不可摧使他们在各自政府里拥有了等量的交换价值，但在各自所属的牢房里，他们是无价之宝。如果将这种忠诚与不屈换算为质量，格利尼克大桥根本无法承受他们中任何一位的重量。

二、男人的情怀

影片行将结束之时迎来了高潮，美、苏、东德三方在格利尼克大桥与另一个岗哨交换三方俘虏。习惯于接受斯皮尔伯格式泪点轰炸的我仍然未能如愿遇袭，正在我无比纳闷并彷徨不安之时，那招牌式的泪点还是如约而至了。

当美苏双方的战俘阿贝尔与鲍尔斯站在铁桥的两端接受双方的身份验证之后，苏方的官员示意可以进入交换环节了，美方中情局的随行官员也催促着多诺万速速跟进。然而此时的多诺万却心系着另一个边境哨所的动态，因为那里本应该同步接收另一位被东德俘虏的美方人质。这时，行将重获自由阿贝尔似乎意识到了这一点，他试探性的询问多诺万“还有另一个人么？”在得到肯定的回答后，这个本应该在此刻无比渴望走向桥那头的文弱老头却冷静的站在了原地，他侧过脸来对着多诺万镇定的说到：“我愿意等！”

这一刻，我那同样坚韧的泪腺被击中了。这是一种男人间的情谊，它不仅仅是阿贝尔对于多诺万的信任，更在于两人间的互相尊重。这是两个屹立不倒的人间应有的对话方式，简洁而充满力量，一字千钧。两位不同政体内、不同意识形态指引下的公民在此刻拥有了同样的信仰，那便是对生命的尊重，对彼此的信任。就象《战马》里敌我阵营的两位士兵为拯救被铁丝网困住的战马一样，这种情感无关于政治阵营，更不屑于国旗飘扬。

一高一矮的两人站在那格利尼克大桥的西端，他们行将告别，也许终身不能再次相见。一位即将完成这次艰巨的任务，如石般重负的心结即将解开；而另一位即将结束战俘生涯，重新踏上祖国的土地，与阔别久违数十年的妻儿相见。然而此刻，他们收束了本该放飞的心情，停下了本该疾驰的脚步，只因为彼此那一份心底的共鸣。

当鲍尔斯引来战友热烈的拥抱，而阿贝尔瘦小的身躯却挤进了桥那头苏方轿车里冷漠的后座，多诺万屹立在桥的这一头，目送着轿车远去……字幕交代了几位主要人物的结局，作为一部真实事件改编的电影，这是必须的，也是必然的。

这是一部应该诞生在上个世纪的好电影，因为它的故事结构、拍摄方式、表达的情感、制作的完整度都是那个时代所推崇的模式，放到当下来看未免显得有些精细有余、惊喜不足，说难听一点儿就是有些过时。

的确，斯皮尔伯格还在延续他一贯的严谨作风，从打磨剧本、挑选演员到技术制作基本沿用了他的老班底，体现了一贯的大师风范与做派。以致于大家一看本片的海报就先入为主的认定它是一部主旋律电影。然而实实在在的，它又不那么主旋律，并且在远离这个“高大上”目标的跑道上孤独前行……

什么是美式主旋律电影？《伦敦陷落》详解了它的主要构成模式。

首先，美国总统必须是高大帅的。长得象维尼熊或是屹耳驴的就禁止上镜。

第二，反派必须是亚洲语系国家的。不管是朝鲜语、阿拉伯语还是为了在世界上观众最多的国家上映而不得不忍痛割爱的那个超级大语种，反正邪恶轴心是不会说英语的。

第三，不管是G8还是G20峰会，甚至是参加某人的葬礼，美国总统也得出风头。代价是，其他政要就得……嘿嘿了……

第四，美国总统多才多艺，还是最能打的。从早年的《空军一号》，到2013年（美国总统灾难年）题材撞车的《白宫陷落》与《惊天危机》，再到这一部《伦敦陷落》，美国总统均能上天入地、见义勇为加勇斗歹徒。这不是其他国家领导人就爱打打高尔夫或是踢踢足球那么幼稚的。

最后，美国总统永远打不死。小强啊，你倒是死一次让哥几个开心一次吧，可他就是死不了，死皮赖脸的恶心你。

本片的剧情是非常老套的，从它的主演杰拉德·巴特勒与艾伦·艾克哈特那老气横秋的脸上就可以猜到。

首先，它是一部续集电影。这年头好莱坞动作大片估计80％以上都是吃老本的。

影片伊始便落入《教父》式暗杀的俗套里，德、法、意、日几国领导人挨个被花式暗杀。看到这里，第三世界国家的观众们感到无比的兴奋，纷纷表示就这半小时已经值回票价了。

之后进入《生化危机》模式，在空无一人的伦敦街道上（我有一种《那一夜我坐上开往大埔的红van》的即视感），总统与他的保镖好基友被恐怖分子追杀得如过街老鼠般东躲西藏，惶惶不可终日。观众们再次爆发出热烈的掌声，期待着下水道与化粪池的出现。

让人失望的，导演最终租用了《突袭》剧组的拍摄地，在一栋废弃的大楼里行进到本片的高潮。在阿拉伯裔恐怖分子暴揍美国总统时，我几乎可以听到观众们心里的呐喊，“水刑！水刑！水刑！”然而如《特种部队2》般的场景始终未能出现，美国总统再一次逃过了应有的惩罚。穆斯林世界的观众纷纷来电对事态的发展表示非常遗憾。

最可恶的还是在结尾，一位拥有宏大战略思维的反派领袖与一位拥有超强执行能力的战士又一次不明不白的死在了“主旋律”编剧的手里。这一段情节肯定会在诸多国家上映时直接剪掉。

这种美式主旋律有意义么？毫无意义。甚至会起到反作用。

纵观历史，从中世纪的十字军东征开始，因为宗教而引发的民族间战争就一直未能停止。原本同源的犹太教、天主教与伊斯兰教之间纷争不断。西方社会与阿拉伯世界一直上演着你死我活的血腥厮杀，早已从土地、宗教的传统战场延伸至石油、军火等国家商业利益领域。

从历次中东战争、海湾战争到911恐怖袭击，再到阿富汗战争、伦敦地铁恐怖袭击、叙利亚战争、伊斯兰国崛起，直至最近的法国、比利时恐怖袭击。这一系列跨越两个世纪的纷争已经形成以牙还牙、以血还血的恶性循环。

双方的立场其实是一样的，你侵犯了我，我就必须还击。至于伤及无辜？对不起，那是战争所无法避免的。而你因为报仇伤害了我的家人或朋友，我也同样会毫不留情的将枪口对准你的家人与朋友，尽管他们手无寸铁……

在这无数场不义的战争里，双方都无止境的越过道德的底线，对平民与妇孺进行了无差别的屠杀。伊斯兰极端组织如此，难道以美国为首的反恐联盟不是如此么？片中的大反派巴卡维正是因为妹妹在自己的婚礼上被美国政府的无人机袭击身亡才变得更加极端与冷血，继而策划了这一起针对各国领袖的复仇计划。

这个内在的逻辑其实导演与编剧非常清楚，然而他们仍然在本片中极力宣扬民族间的以暴制暴，这种行为是令人鄙夷的。可以想像穆斯林世界的观众观看本片后会产生何种强烈的抵触情绪，并进而迸发出无数怨恨的念头与复仇的火焰。

欧洲各国不断以包容的胸怀接纳着叙利亚等伊斯兰国家的战争难民，他们的盟友美国却因为一己私利不断用无人机与好莱坞大片播撒着仇恨的种子。他们将原本应该报应在自己国土上的“XX陷落”引火烧身到与阿拉伯世界更为比邻的欧洲大陆上，从而减轻自身的压力。这种卑劣的行为的确为人所不齿。

联想到最近发生的巴黎、布鲁塞尔恐怖袭击事件，《伦敦陷落》的拍摄简直就是一场蓄谋已久的纪录片再现或是预告片提前上映。这样一部具有明显种族歧视与邪恶指向的以暴制暴式电影只能让事态更加恶化，让民族间的伤疤更加难以愈合。好莱坞为了赚钱真可谓无恶不作了。相信只有美国人民在观看本片后会感觉正能量满满，其他大部分国家观众想必都会对本片所宣扬的美式主旋律嗤之以鼻。

而号称和谐社会的天朝居然为了票房分成堂而皇之的引进本片，也真的是善恶不分了。一向以审片严格著称的光腚总局连一场情爱或血浆戏都要无情剪掉，却居然让如此一部以宣扬民族仇恨为乐的三观不正电影在国内上映，居心何在？还想激化原本还不够公开的国内民族矛盾么？

有种你趁热打铁引进上一部《白宫陷落》试一试啊，看看XX共和国外交部会不会严正交涉并威胁三日内用核弹夷平贵局？

鲁德亚德·吉卜林的原著《丛林之书》为我们描绘了一座虚构的奇幻森林，而这部电影《奇幻森林》却为我们展示了好莱坞工业实实在在的奇幻之书。

全片看下来，我不得不对影片全CG制作的动物们赞不绝口，因为它们太活灵活现了。

而当我得知电影里不光是动物，连草原、森林、河流、山脉等等所有场景都是由CG全全包办的时候，我能做得就只有不停的高喊“My God!”了。

我被好莱坞如此以假乱真的CG场景制作震撼得五雷轰顶；

我对好莱坞敢于提出全CG制作真人电影这一创意佩服得五体投地；

我被好莱坞奢侈到连一草一木都用CG建模渲染这一土豪行为吓得五内俱崩。

这是赤裸裸的炫技、炫富！整个好莱坞就是一群变态的技术宅加一帮无节操的土豪！

然而，你又不得不从心底里暗自服气。活儿好又有钱，人家不当老大天理也不容啊。

全片只用了一名真实的演员（配音除外），就是那个小男孩毛克利，其他的所有都是由特效制作完成。这不禁引发了我的几个问题：

1、以后的动物题材电影，还需要真实动物来演出么？

导演过《子熊物语》、《虎兄虎弟》与《狼图腾》的让·雅克·阿诺一定感到很纠结，下次我是与马戏团、动物园、自然保护区合作呢？还是干脆回家装个动画软件？

2、以后的动物题材纪录片，还需要实地拍摄么？

导演过《微观世界》、《迁徙的鸟》与《海洋》的雅克·贝汉一定感到很狼狈，天南海北的奔波，数年如一日的蹲守，翻来覆去的取景拍摄，竟然敌不过几台电脑服务器的渲染。

3、以后的《国家地理》与《探索》频道，会被迪斯尼动画部兼并重组么？

如罗伯特·金凯般《国家地理》的摄影师们，别指望还能在廊桥碰上艳遇了，不学学美图秀秀与PS你们都得下岗了。这世界不光动物、植物，连不动的峡谷、岩石都用电脑CG制作了。

设想一下，如果未来的某一日，我们在观看《动物世界》或《国家地理》等纪录片后，在惊叹伟大的造物者创造了如此五彩斑斓的生物界与那般鬼斧神工的地理界之时，影片幽幽的出来一行字幕：“本片全片由电脑CG制作，特此感谢好莱坞特效制作团队。”此时，观众该作如何感想？找一块虚拟豆腐一头撞死么？

也许我们会突然的警觉，是不是影片里的那些动物、植物都已经灭绝了，所以才要如《侏罗纪公园》一般需要用CG技术来重现？而那些洁白的雪山、湛蓝的海洋、茂密的森林与无垠的草原都已只存在于我们的记忆之中，工业的发展与生态环境的破坏早已让这一切灰飞烟灭了？却又那另一种工业——好莱坞重建了它们，仅仅在虚拟的世界里。

问题接踵而来：

4、VR技术如此发达的趋势下，我们还需实体动物园、植物园么？

也许我们的后代会变得更宅，因为足不出户，他们就可以游览全世界、全宇宙。

“妈妈，我带个眼罩就能看到所有活的动物了，干嘛还要顶着大太阳去几十公里以外的动物园呢？”

5、我们还需要对世界自然遗产与文化遗产进行保护么？

“我昨天神游了大堡礁，今天准备去鸟瞰金字塔，世界百大景区我差不多都用VR眼罩游遍了。听说巴米扬大佛因为被谁谁炸掉了所以评级展望由‘稳定’被调整为‘负面’，其实我一点儿都不Care。”

技术的发展让这个世界变得无比的宽阔，同时也变得空前的狭小。无数的可能性通过技术宅的勤奋与努力得以实现，同时也给他人带来了难以想象的懒惰与自闭。

我们豁然打开了一扇虚拟世界的大门，却渐渐关上了真实世界的窗户。

在虚拟世界里，我们肆意遨游，自由飞翔；在真实世界里，我们却惊慌失措，寸步难行。

《奇幻森林》的制作团队让3D眼镜之下的我们看到了一个前所未有的奇幻世界，却让我们心生疑窦，也许若干年后他们会揭秘：“其实那个所谓真人扮演的小男孩也是CG制作的！我们欺骗了全世界，只是为了在劳工部终于想到要投诉我们使用童工之时给他们一个大大的惊喜。”

“我们会拍一部有关莱昂纳多·迪卡普里奥的传记片，其中的场景、动物包括迪卡普里奥本人均由纯CG制作。最终我们会凭此片摘得奥斯卡最佳影帝小金人，而把最佳视觉效果奖留给由真人迪卡普里奥主演的《XX街之狼》，因为他在影片中那非人类的歇斯底里表情我们用CG制作真的有些力不从心、望尘莫及……”

动画CG与虚拟现实技术究竟是让我们离真实更接近了，还是更遥远了？

这个问题我咔咔咔的想了一早上，直到停电的那一刻中断了思维……

我踢了一脚电脑机箱，轻声的告慰它：“今天别再想了，这个问题我不急，明天你继续慢慢帮我想。哦对了，你咔咔咔一直响是几个意思？做机器就得低调点儿，阿尔法狗横扫李世石时都没你这么得瑟啊……”

我曾在一篇以《【华语导演】乱弹金庸群侠谱》为题的文中用武侠人物类比了一下银河映像的主力导演：

“杜琪峰——中神通王重阳：以杜琪峰的威望，已不愧为一代宗师。更为重要的是，他开创了属于自己的门派（银河映像），有众多跟随自己的门徒。从这一点来看，与王重阳最为相符。其实力与功力，博大精深，也与中神通相当。

 韦家辉、游达志、游乃海、罗永昌、刘国昌、郑保瑞、鞠觉亮等——全真七子：杜琪峰与韦家辉的关系有点儿像王重阳与马钰，亦师亦友。而其他几人多为则更像是杜琪峰的门徒，传承着银河映像门派的风格与血脉。但在掌门人的光芒笼罩下，仍然显得有些黯淡。但一旦集结起他们团队的力量，其威力也不容小觑。”

如果以银河众星再来一次类比，我想他们应该是北极星（最亮者）与北斗七星的关系。再继续联想开来，银河里还应该有若干与之为伴的明星们。他们互为拱照，撑起了那片璀璨耀眼的星河。

1、刘青云

刘青云由于肤色与颜值的关系，在电视圈里一直混得死气沉沉，只一部《大时代》算是上了头条，就这一部连续剧大家还得注意了，其导演可是韦家辉。之后的电影圈里，除了一部《新不了情》以外，刘青云也一直都是不温不火的状态，直到他踏入了银河映像的大河……

从《一个字头的诞生》、《非常突然》、《暗花》、《暗战》、《神探》到《夺命金》，银河映像许多重量级作品里他都是当仁不让的男主角，这让他成为了银河映像中最大的一匹黑马。也成就了他多次金像奖最佳男主角提名与一次金马奖影帝。

刘青云的特质在于演技精湛、戏路广泛，时不时会有神之一手般的演技爆发。《暗花》里深沉内敛，《暗战》的罗里罗嗦，《神探》里的神经兮兮，《夺命金》的大喜大悲……无不在他的演绎下发挥了极致的渲染力，让银河映像最核心的黑色风格得以在主要角色的的身上呈现出一种神经质与戏剧化的极度彰显。可以这样说，刘青云就是为银河映像而生的演员，他们相辅相成才能共同走向成功。

2、古天乐

古天乐天生丽质，可不像刘青云那样星途坎坷。不管是在电视圈还是电影圈，古天乐一直都是当红小生。要说他还有什么遗憾，那便是在个人荣誉上差了那么一个影帝。我想这也是古仔愿意投身银河映像以奋力一搏的一大原因吧。

从《柔道龙虎榜》、《黑社会》、《意外》、《单身男女》、《高海拔之恋2》到《毒战》，古天乐在银河映像的角色更为全面，也更为滑头，正反面角色都有，好评差评并存。

古天乐的特质在于黑白通吃。他肤色上的黑在刘青云的基础上再一次证明了银河的本质是黑色的，而他主演的《黑社会》系列更是让人看到了古天乐演技里以往被人忽视的一面：冷峻而阴险，暗黑得让人看后不寒而栗。而他的白在于他始终很适合扮演都市喜剧中那贱贱的美男子，让人既爱又恨、舍不得扇耳光。

3、刘德华

刘德华是众多银河映像男星中绝对属于台柱型，但由于他个人影响力太大，在银河映像之外拍摄的好电影也多如牛毛。这便使得他更像是游离于银河映像之外的一名巨星。然而我们翻开银河史的前传，便能发现刘天王与银河的缘份其实早有定数。

无线剧集《鹿鼎记》、《杨家将》都是杜琪峰执导，《圣剑天骄》的导演则是鞠觉亮。而杜琪峰在成立银河映像之前导演或出品的作品《天若有情》、《至尊无上2之永霸天下》、《天若有情之烽火佳人》里刘德华都是男主角。

再扒一扒刘德华的银河史，依然能看到一座座里程碑，并能从其中看到众所周知银河映像有关文艺警匪与商业爱情这两条主线的蓬勃发展。《暗战》、《全职杀手》、《大只佬》是前一类的代表作，《孤男寡女》、《瘦身男女》、《龙凤斗》是后一类的佼佼者，而《盲探》则更像两种风格的结合体。

而杜琪峰也给予了刘德华最大的回报。长期被人诟病缺乏演技并因此极少获奖的刘德华终于凭《暗战》在金像奖影帝上开了胡，并用《大只佬》梅开二度。应该说是杜琪峰的调教让刘德华改掉了以往那些满脸刘德华式浮夸表情的毛病，《暗战》中刘德华戴上那足以遮住他挤眉弄眼瘾的墨镜，硬生生憋住了台词欲与表情欲的他在站上颁奖台的一刻也许才真正明白表演里“少即是多”的真理。

4、任达华

杜琪峰与银河映像改变了很多人，也拯救过很多人，任达华便是他们从深渊里拉回来的其中一个。曾经在电视电影圈也算是火过一把的任达华在上世纪90年代初不知为何突然变得无比堕落，接了一大堆烂片不说，还趟上了三级片这潭浑水，让他的演艺之路变得前途未卜。

直到他进入了银河映像的世界，一系列高质量的黑色风格警匪片才让他的电影生涯焕发了第二春。《非常突然》、《PTU》、《大事件》、《跟踪》里，任达华扮演的阿SIR沉着冷静；《黑社会》、《枪火》、《放逐》、《复仇》里，他扮演的大佬飞扬跋扈；《文雀》里的盗贼，《铁三角》里的小人物，《奇逢敌手》的跳舞狂……无一不是个性鲜明、韵味十足的角色。

在金像奖上凭《PTU》、《黑社会》、《文雀》多次提名最佳男主角也算是对他演技重返巅峰的认可，相信任达华在银河之路上会越走越开阔，成为涅槃重生一般的一只传奇老凤凰。

5、黄秋生、吴镇宇、张家辉

这几位我也不用多介绍了，他们和任达华一样，同样曾在上世纪90年代香港电影的黄金时代里迷了路，同时也迷失了自己。在一大堆烂片、三级片、屎尿屁片里沉沦与挣扎。幸而杜琪峰一直在关注他们，并用银河映像这条船将他们从沼泽中捞了起来。《枪火》、《放逐》、《黑社会》……银河映像中期一些扛鼎之作由他们共同支撑了起来，也同时为他们打开了另一片更为灿烂的星空。

6、任贤齐

把任贤齐的名字和银河映像联系起来是非常费解的，也是充满喜感的。因为我们印象中，任贤齐是个歌手，即使在影坛上他也永远是《星愿》里那个永远长不大的邻家大男孩。他所演出的大部分电影里，只要一露脸基本就是观众莫名笑场的时间，这一点上他和周华健有得一比。

然而正是这样一位被观众定型为傻哥哥代言人的任贤齐，居然多次把自己的名字印在了银河映像出品的电影海报上，这不得不说是杜琪峰另类伯乐的一种魄力。从《放逐》、《大事件》、《意外》、《夺命金》到即将上映的《树大招风》，任贤齐正从一位和蔼可亲的绝世好男人逐渐走向一条阴冷狠辣的悍匪（警）之路。

7、林雪、林家栋、邵美琪等

银河映像的作品里总是有一些铁打的黄金配角，林雪便是其中认知度最高的一位。说他是参与银河映像电影次数最多的一位，我想肯定没人会质疑。几乎每部银河映像出品的电影里你都可以像期待彩蛋一般的静候林雪的出场。这个死胖子硬生生把自己变成了银河映像千年不变的吉祥物。从他每次抢戏的程度，你可以判断出杜琪峰对他是多么的青睐有加。林雪演绎了各式各样的小混混、歪警察、小人物甚至只是个路人甲，但他标志性的肥硕身材与呆萌表情总能让你在短短的电影时长里眼前一亮。

林家栋在甘当银河绿叶的同时已经逐渐表露出了自己性格明星的才华，这使得他片约不断并赢得更多担当主角的机会。而邵美琪似乎并没有那么顺利，只是在一系列如《暗花》、《PTU》、《黑社会》、《跟踪》、《大事件》等影片中扮演配角后赢得了更高的人气热度，继而重新走上了电视剧的表演舞台。

8、郑秀文

从以上的星河里我们可以发现，似乎男明星主宰了银河映像的整个世界。事实上银河映像的确有些阳盛阴衰的迹象，也许是黑色警匪片特有的冷峻风格与暗黑气质所决定。女性角色早期主要靠李若彤，后期如邵美琪也多是以冷面女警的形象出现。

然而我们差点儿遗忘了银河映像另一大主题片种——都市题材爱情喜剧片。细想之下才惊觉发现，这另一半的商业舞台上似乎只有一个女主角，那便是郑秀文。让我们来数一数她的片单，便可以由量变到质变的方式理解她之于银河映像的重要性了。

《孤男寡女》、《钟无艳》、《瘦身男女》、《百年好合》、《龙凤斗》、《高海拔之恋2》、《盲探》……郑秀文几乎已一己之力撑起了这以阴济阳的半边天。究竟是她造就了银河映像的主体女性形象，还是银河映像成就了她的电影生涯？这已经如鱼与水一般的融为了一体，不可分割了。

郑秀文有着干练的外形、亲切的表情、甜美的歌喉以及偶而神经刀般的灵光乍现，这些集合起来便构成了银河映像的主要女性形象。“有一个姑娘她有一些任性她还有一些嚣张，有一个姑娘她有一些叛逆她还有一些疯狂……”郑秀文便如这首歌中唱到的一样，在银河傻大姐的那颗星上熠熠闪光。

璀璨的银河里，总有一些星是最亮的。

他们中的有一些，一直镌刻在银河系的正中央，他们给银河映像增光添彩，同时也在北极星与北斗七星的照耀下不断摄取能量，以爆发出更加耀眼的光芒。

而另一些星曾经无比闪耀，之后却渐渐沉寂，是杜琪峰的银河映像给了他们重现光华的舞台，通过自身的努力，他们又再次亮了起来。

还有一些小小的星，尚未在星图上留下自己的名号，银河映像便如那太阳，给予他们温暖与普照，让他们在各自的星途上一步一个脚印慢慢成长。

银河映像正如银河里的恒星，用自己强大的引力吸引着众多行星与小行星乃至宇宙砾石。在它的调度下，群星们依循各自的轨道，或快或慢、或远或近的以恒星为中心飞速运转。

而换一个角度，这艘以银河映像命名的超级星舰，在20年的航程中不断前行，勇闯电影里那一片浩瀚的星海。杜琪峰与他的伙伴们正是那船长、大副与众多船员，他们隐身于各自的操作间，让诸多站立于战舰甲板上的将领齐声高喊：我们的征途是星辰大海！我们的时代便是那银河英雄传说！

在无垠的天穹上，这首星舰才刚刚启航……

杜琪峯
Johnnie To

暗战
Running Out of Time
(1999)

暗花
The Longest Nite
(1998)

枪火
The Mission
(1999)

黑社会
Election
(2005)

国内建筑界的朋友都知道，奇奇怪怪的建筑如今很不受待见，碰巧扎哈死了，这个世界也就清静了。

而如果波及到奇奇怪怪的电影，很多影片也将很难上映，说不定资源都再难找到了。毫无疑问，《龙虾》就属于这类奇奇怪怪的电影。

导演硬要把电影拍到这个份儿上，也算是费尽心机了，其中的隐喻充斥了电影的每一分钟。各花入各眼，每个人都会有不同的解读。你一认真，导演就笑了。

可把这类影片真弄来上映也是有风险的，就如《聂隐娘》一般，弄不好又成了曲高和寡的高逼格代表，直接高挂在了云端上，普通观众们搭着梯子也很难够到。

《龙虾》的设定是这样的：在的不久的未来，单生有罪！根据城镇的规定，单身的人必须要被逮捕并移送到酒店内。在那里，他们必须要在45天之内找到一个匹配的伴侣。如果失败，他们将被转化为他们选择想要转化成的动物，并被释放到森林中。

这样一个稀奇古怪的背景设置究竟是个什么由头？在我看来，也许就是另一个“围城”的含义，只不过在这里，城里的人不敢冲出去，城外的人不屑冲进来。

这似乎是在描绘当下比较功利的爱情观与婚姻观。

1、在酒店里，也就是制度下，单身是可耻的，而且是有罪的。

人类有很大的责任与义务是男女结合并繁衍后代，因此他们必须找到爱情并结婚生子。这个逻辑听上去是正确的，然而形成制度便有些荒诞了。

没有配对成功就必须沦为在生物链上更低级的普通动物，这便是功利主义婚姻观的当下人们管单身族叫作“单身狗”的一个真实影射。事实上如影片所表，大部分义无反顾保持单身追求的人最终的确选择了转世为狗。

每个尚在单身的人被告知酒店生活是倒计时的，这便如生活中不断有父母亲戚提醒你寻偶时间不多了似的真实与可笑。其潜台词就是这样，错过了这黄金时间，你就只能永世低人一等了。

大部分制度下的住客在不停的洗脑教育下相信了规则的重要性与唯一性，于是他们纷纷绞尽脑汁并使出浑身解数力图终结自己受人歧视的单身生涯。

2、爱情的基础似乎在于双方的共同点，找到了它，也就抓住了救命稻草？

片中那个瘸腿男并未能找到和自己相似的瘸腿女，于是他假扮习惯性流鼻血以引起一位有此类患症的女孩。他们之间的共同点使他们走到了一起，虽然其中的一方明显有作弊的嫌疑。

现实生活中，这种情况并不鲜见，追求异性的一方为了迎合心仪的对方去临时抱佛脚学这学那并最终抱得美人归的桥段常常在电影里上演，不仅不会遭到谴责，反而会被引以为傲。

然而这段看似励志的爱情故事里，有一方终究是被欺骗了，她是在对方有意营造的共同爱好中缴了械。她是被俘者，胜利的一方在漫长的婚姻中迟早会露出马脚。彼时他不再掩饰自己并非同道中人，而她又该作何感想？

片中的男女主角因为同为近视眼而相近相亲，也有着同样的原理，虽然他们似乎是真实而不带欺骗性的。然而当其中一方失明了，另一方仍然会为了追求两者的共同点而毅然决然的自毁双眼么？

这是影片留给观众的悬念。相信爱情的理想主义者会坚信，他刺了下去，这是如杨过与小龙女一般高尚与忠贞的爱情，为了爱情不惜牺牲自己宝贵的一部分，视力、事业、理想、爱好……它们会从自己的生命中消失，只因为你选择了那个生命中惟一的她，与自己一生结伴同行。

怀疑论调的现实主义者会猜测，男主角在犹豫不决，在衡量爱情与失明（或是生命中其他重要事物）的孰重孰轻。最终他必将逃走，留下那独自等待的女主角孤独一人。因为爱情可以继续寻找，而有些事物失去了就不再回来了。

影片在这里戛然而止，没有答案。因为每个人心中答案都不尽相同，这基于每个人不同的爱情观与婚姻观。事实上，真正残酷的是，失去了就不再回来的事物恰恰正是爱情！如果你们相爱的那一刻是真诚的话……

引发的隐喻似乎又不止于此，我们会追问：每个人是否真的需要找到与自己志同道合的另一半？你是在找一个爱人还是在找一面镜子？要求伴侣与自己在理想、爱好以及任何事物的认识上都完全一样是否是一种苛求？这是否源于每个人的自私？因而产生的欺骗是否罪无可恕？而这又是否真的是影响爱情与婚姻的最大障碍？电影并没有过多探究，但现实生活中，大部分处于爱情或婚姻中的观众却没法回避。

3、形形色色的人，便有形形色色的爱情，以及所谓的“爱情”。

在酒店里不断与男主角套近乎的那个饼干女，心直口快，目的性明确，她想尽快结束这场游戏，以尽早踏入安全区。她想要的是速食爱情，如求生般的本能，没有丝毫快乐可言。当发现时日无多时她怯于面对沦为动物的将来，于是从窗户跳下。又因为自身的怯懦，最终只选择了一楼的窗户，在并无太大痛苦的情况下赖在地上哀嚎不起。

这是那类喜欢无病呻吟的人，一直渴望爱情而不得，却又不敢勇于面对，只能怨天尤人，哭天抢地，整日里唠唠叨叨冀望得到众人的同情。其根源还是在于未能理解爱情的本质，却又把爱情这个她认为的名词而非动词随时随地摆在了嘴边。

另一位冷酷女因为有足够的剩余时间而不急于寻找伴侣，现实中的高冷女与高冷男随处可见，他们对任何事物都不抱有热情，包括爱情。因为她（他）们有的是资本，包括金钱、权力、地位……她（他）们认为这一切能换来时间，也能换来爱情。

而流鼻血女孩的那个金发闺蜜和这类高冷女是有区别的，她的孤独是骄傲的。本着宁缺毋滥的原则，她最终未能找到合适的伴侣。她勇敢的选择了单身归宿，一匹骄傲的小马。她是孤独的，并且践行到底；她也是快乐的，因为拥有那一个人的孤独。

4、当婚姻出现裂痕时，上帝会给你们一个孩子。

酒店这一看似荒诞的设置是最接近于现实的。孩子是上帝的赐予，造物者的礼物，很多时候孩子们起到了婚姻调和剂的作用，让一段本已摇摇欲坠的婚姻继续维持着平衡。

导演想用这个情节讽刺婚姻中无奈的一幕，却又真实道出了值得我们思考的事实。如疼爱自己孩子一般怜惜自己的另一半，如理解孩子一般包容身边的那个她（他），真的有那么难么？

婚姻是爱情的坟墓，孩子却是那坟墓里的烛光。有些人躲在狭小的坟墓里偷偷饮泣，而另一些人却在幽暗而局促的空间里相拥取暖。这一切其实不在于烛光的真正到来，而在于你透过烛光所看到那对方的脸，她（他）正如镜子里的你一样，充满着爱意与善良。这才是你们结合的本源，而不是鲜花、金钱、事业、爱好以及其他的其他。

5、在孤独者联盟的眼里，爱情是也是一种罪过。

剧情发展正如大部分反乌托邦电影一样，逃出酒店这一专制牢笼之后，男主角找到了森林里隐藏的抵抗组织。他们是同他一样暂时无法妥协于形式主义与强迫主义爱情的孤独者。他们有共同的语境，也能同享孤独的快乐。在那里，孤独是高尚的，爱情是可耻的。

这似乎如围城的一道高墙，深深的割裂了社会。如同太极图里曲线的两侧，非黑即白，极端的两极化让故事能在最短的时间里爆发最大的戏剧冲突。这便是孤独者联盟存在的意义，而现实社会中，它的构架远没有如酒店般主流意识方那么强势与具有侵略性。孤独者联盟顶多是一个松散存在的弱势群体，在主流价值观的压迫下偶而的呐喊与呻吟。

影片中，导演强化了它的反抗精神，使得孤独者联盟近乎演进成了复仇者联盟。这种仇恨不仅加之在对立方，甚至残忍的处罚已方的持异见者。反叛者中的反叛者，是在传统爱情婚姻观中挣扎而出，继而在孤独论中再次反抗的终极逆骨。听上去好像是名垂千古的烈士，其实也就是如你我般不愿意屈服于主流价值观的独立思考者而已。

他们希望逃脱于制度外，有独立人格与个人意识，能追寻自己真正向往的爱情与理想。不甘于受人控制，不管是当权者还是反对派。他们想追求小小的自由，精神上的专属岛屿。然而现实是，他们会被各方所排斥，所摒弃，甚至被猎杀。

6、每个人都是有罪的，不管身处爱情还是孤独中。

《龙虾》里的所有角色都不是完全干净的，包括男女主角。他们都有各自的缺点与问题，都在为自私的行为寻找合适的理由与借口进行掩饰。引申开来，生活中的每个人都是有罪的，没有那个人纯洁的一塌糊涂。自以为处于大多数阵营里的我们都歧视另类，而当我们沦落到敌对人群中时，我们才明白什么叫作真正的孤独，而我们曾经鄙视的孤独，原来是那样的可贵。电影讽刺了我们每一个人，以它深刻的隐喻与荒诞的表现方式。

然而我们真的没救了么？我们只能如此承认现实了么？导演并没有给出明确的答案，似乎这很不负责任，让观众看完后负能量满满。

于是我想起那片中提到的龙虾，一种生活在海洋深处的动物，有着蓝色的高贵血液。它是否保持着孤独者的高傲与矜持，还是因为要时刻防备这危险的世界而甘于独居深海一隅。独立的人格是否就像那高贵的龙虾，虽然渴望着一个拥抱，但仍然固执的活在自己的世界里。因为我们拥有蓝色的血液，这种忧郁的本性流淌在身体里的每一处角落。

我们应该继续融入这社会，还是该孤傲的游向那深海？做一只孤独却自由的龙虾，还是做一只华丽却端上那餐桌的龙虾？

有些电影有着亮丽的色彩、怡人的风光、舒缓的节奏以及曼妙的音乐，却仍然掩盖不住满屏的罪恶。就像披着羊皮的狼，看似娓娓道来一个温婉的故事，实则却是在观众心里狠狠的插上了一把刀。

《女仆日记》就是这样一部电影，以看似哄孩子似的轻言轻语不露痕迹的讲述了一个狼吃人的恐怖故事。

故事发生在法国南部一个朴素的乡村，有着干净的街道与静谧的花园，教堂里熙熙攘攘，处处洋溢着和谐幸福的味道。不要以为这是新闻联播第二个10分钟里所虚构的童话故事，因为很快的，现实生活中的八恶人即将登场。

上层阶级：

恶人一：女主人

她是七宗罪里“贪婪”的化身，一心只想着压榨佣人们的劳动，斤斤计较计算着盘里梅子的个数。她的世界里只有银质餐具与瓷器尿壶，满脑子都是孔方兄的身影，对下人的死活与婚姻的幸福毫不关心。

恶人二：男主人

他是七宗罪里“色欲”的代表，脾气温和却色胆包天。第一次见到女仆便动手动脚，把家中的女仆全当作满足自己色欲的后花园。他从未真正爱过任何人，只是在动物本能的驱使下欺负弱小。影片同时暗示在那个时代里这种风气盛行，几乎所有女仆都难以摆脱男主人的性骚扰，而女主人也因为自找情人而乐得各行其是，其时的世风堕落可见一斑。

恶人三：邻居上校

表明开朗与豪爽的他其实是“傲慢”的代言人，自持军人的身份瞧不起周边的乡绅。对女仆看似宽厚实则居心叵测，一份遗嘱便引得女仆对自己死心塌地，暗地里却又另立遗嘱并嘲笑下人的无知。对待心爱的宠物如草芥，转眼间便能弃之如敝履甚至残忍的杀死。

恶人四：贵妇掮客

她对应为“懒惰”，靠拉拢贫苦少女出卖色相来维持自己富贵的生活，这种人原本就是社会的蛀虫，不劳而获的赚取旁人皮肉里的青春血汗。她也是食人族的一员。

底层阶级：

恶人五：邻居上校家的女仆

她的恶在于“嫉妒”，在所有人面前散布谣言，旁敲侧击的挑拨他人。她将邻人的悲惨故事作为谈资来东说西讲，丝毫不报以同情与关爱，而是作为一种提高自己幸福指数的毒酒来麻醉自己。从本质上来说，她的恶并不比残忍的统治阶层少几分。

恶人六：胖厨娘

她也许是最为无辜的，因为她始终扮演着任人宰割的角色。那小小的恶仅限于“暴食”，不仅仅指胃口上，也代指她遭受男主人淫辱时表达出来的逢迎。她一次次的在各个家庭里充当泄欲工具，丝毫不以为耻，即便在怀孕并继而丧失亲身骨肉之后仍然保持固有那种逆来顺受的态度。她的懦弱与麻木助长了历任男主人的淫欲，她也是一名帮凶。

恶人七：马夫约瑟夫

貌似沉默寡言的约瑟夫其实是一个内心险恶且深藏不露的恶人。他的罪恶源自“愤怒”，对犹太人的憎恨与暴力倾向暗示着他是一个潜在的纳粹主义者。对男女主人的恨因为狡诈的隐藏瞒过了主人与警察。他偷走了女主人的值钱家当，这便是对视财如命者的深度谋杀。他垂涎于女主角的美色与精干，企图诱惑她跟自己私奔，进而合伙干一些见不得人的勾当。影片还暗示他残忍虐杀了村里的幼女，是一个十恶不赦的歹徒。他的成功只在于他内敛的掩饰与虚伪的忠诚。

恶人八：女主角赛丝

表明上，蕾雅赛杜扮演的女主角坚忍不拔，有着一个区别于周遭的高贵之心，不甘于社会的欺凌而勇于反抗，虽然倍受蹂躏但却一直不屈服于命运。她自始至终在践行自己的选择，而从未把这一权力妥协放弃。但看看她最终的选择，却依然让人不禁唏嘘。他答应了恶人约瑟夫跟他远走高飞，哪怕她明知要去做边境上淫邪之地里酒馆中的一个卖笑风骚女。也许观众会辩解她的这种选择是无奈的、是惟一的，但在数十年未曾向命运低头之后突然软弱下来做出如此决定，这并非能作为弃贫从娼的借口，何况对方还是那样一个阴险狡诈的凶徒。

女主角最终还是踏上了约瑟夫的马车，脱离了现实的苦海。影片并没有告诉我们在那片漆黑的小路尽头，是怎样一个难测的未来。但可想而知的是，那将是另一个苦海，更深的沼泽。因为在充满荆棘的巴黎与乡村，她尚能够洁身自好；在去往了如约瑟夫般歹徒云集的恶人谷后，除非她升华为更加凌人的邪恶，否则迎接她的必将是无穷的屈辱与痛苦。

我们宁愿相信她会选择提高自身的邪恶等级，让自己变成凌驾于七宗罪之外的大恶，至少这样她会暂时摆脱弱肉强食的悲惨境地，直到审判日的到来。

这是一部满眼皆恶的电影，犹如一部恶之教典，充满对现实世界里强权的痛斥与对懦弱的苛责。我宁可相信导演并没有报以同情之心，而是以怒其不争的态度试图把所有的羔羊都鞭挞成为恶狼，去除观者的羊性而唤起内心的狼性似乎是影片结尾想要强调的导向。

这类阴郁灰暗的电影其实并不鲜见。比如《菊豆》就和本片颇为神似，贪婪、色欲、嫉妒、愤怒所交织的一对男女最终选择了恶向胆边生，幽禁了男主人以达到自身逍遥快活的目的，却丝毫没意识到这其实是心中的恶盖住了善的结果。

同为法国片的《最佳出价》也是如此，全世界的人仿佛都在欺骗那孤僻善良的老人，全片难以寻觅一个真诚的人。只有一闪而过的一丝爱意留给人财两空的老人在漫长的余生里独自痛苦的咀嚼。

这类影片会对观众造成两极分化，执着于性本善论的观众会在观后如鲠在喉，缺乏善有善报恶有恶报的结尾会让他们感到非常不适，并继而抱怨影片主旨过于灰暗，只会传达负能量。

而性本恶论的拥趸们却会高呼万岁，这部电影教科书般的囊括了包括七宗罪在内的各种人性原罪。它手术刀似的切开了所有人虚伪的皮肉，让邪恶的灵魂鲜血淋漓般的暴于人前，以告慰那个远在天上的神：你所赋予我们的原罪，只待你的炼狱来加以惩罚。

一个满眼皆恶的世界，充斥着欺骗与混沌，需要我们自己去分辨，去衡量，去坚守，去践行。任何人与事物的引导与解读都无法蒙蔽我们心中的双眼，擦亮它们，才能拨开云雾，看清远方……

1、《神战：权力之眼》

华丽的视效难掩剧情的羸弱，土豪金的势力范围已从苹果那里延伸到了世界的各个角落，连大神们的血液都是金色的，简直富的流金，亮瞎双眼啊。好莱坞这些年来似乎把特效都倾注于在演员身高方面下功夫，不是弄成矮人，就是弄成高人。这让潘长江、姚明、贾巴尔之类的特型演员情何以堪啊，饭碗快没了。有种你弄一部巨人潘长江VS小矮人姚明同框给我们看看。

2、《猎神：冬日之战》

毁童年的方式有很多种，该《白雪公主》系列就是其中之一。它的前作《白雪公主与猎人》错就错在猎人比白雪公主还亮眼，以致于这部前传＋续集完全没了白雪公主的戏份，当然她出轨的事儿得另算（此处求吸血鬼美男的心理阴影面积……）。整部电影就一《冰雪奇缘》真人暗黑版的即视感。惟一的亮点在于那道冰墙能有多高，以及查理兹·塞隆的酱油瓶能有多薄，其他的情节几乎可以在雾霾笼罩的氛围里视而不见。

3、《远大前程》

前半段节奏还算正常，后半段简直就是生拉活扯的往前赶了，都快成剧情简介了。狄更斯的小说从来都是时间与地点大跨度的作品，不扯上几代人的恩怨是不罢休的。而把如此一部四十余万的名著浓缩到两个小时以内，其结果多半就会像本片一样，类似一个快进播放的模式。这种大部头，最好还是留给小荧幕吧。

4、《恋恋笔记本》

这类剧本通常分为三部分：一是年少时的初恋，单纯而明快；二是成年后的虐恋，三角、多角、婚外情，纠结而混沌；三是用作回忆线索的老年恋，多为相濡以沫的亲情而缺乏前两者的热烈。本片的亮点在于它将第三部分建立在了老年痴呆症这一许多家庭不得不面对的特殊情况之下，既使影片跳出了滥俗大团圆的窠臼，又使得两位老人的感情在亲情的基础上重燃那帜热的激情，一如往昔。不得不补一句，事实证明，有一套属于自己的房子是多么的重要啊！

5、《空投柏林》

一段鲜为社会主义阵营人民所知的战后柏林冷战故事，将斯大林等东方领袖塑造成了丑角。一切皆是政治使然，其实根本无所谓正邪，那个时代的政治家没一个是干净的。而影片并没有过多探讨政治，却将镜头对准了战后仍显动荡的柏林众生，有锐气大挫但仍高傲的德国人，也有趾高气昂却又风流温存的美国佬。影片想向《卡萨布兰卡》靠拢，来一段刻骨铭心的乱世婚外恋，只可惜深度远远不够，颜值也逊色太多。

6、《一念天堂》

影片貌似一部励志片，正如导演的野心，想成为中国的盖·里奇。然而宁浩也不是一日能炼成的，本片剧本的凌乱堪称黑色喜剧玩砸了的范本。演员看来是用力了，但是有力无心却是你们的不对了。力图吐槽假药、电信诈骗、黑心餐馆、黑心诊所、碰瓷等等社会丑恶现象的主题是正确的，也是值得肯定的。但，请多在剧本上用点儿心，否则借人气明星赚快钱就真跟片中讽刺的对象没什么分别了。

7、《王朝的女人·杨贵妃》

垃圾中的战斗机都无以形容本片的恶劣本质。经历了换导换演风波，又鼓捣出“马震”这一低俗的噱头，史诗级的烂片终于隆重登场，它的糜烂程度甚至超过了故事中的唐代宫廷。面对一大串明星阵容与田壮壮、张艺谋的挂名，以及如侯咏、张叔平、黄家能、和田惠美等强大技术后盾，本片用“看疗效”的事实来证明，再好的技术支撑也敌不过一场以恶意赚钱为目的的影片策划。郭在容一边儿偷笑去吧，这淌浑水算是让你躲过了。

8、《神探驾到》

看到黄百鸣的名字几乎就能猜到一年一度贺岁烂片颁奖时间到了。他的人缘该有多好才会让这一批批明星年复一年义无反顾的投身于如此艰苦卓绝的烂片长期建设工程啊？当然他每一年还是有几处新亮点的，比如本片里古天乐一本正经的胡闹，林家栋歇斯底里的造型，柳岩一如既往的大智若愚与大胸若海，以及那四个孪生甄子丹的温拿演出。需要用四个甄子丹来证明烂片的新境界么？需要么？不需要么？

9、《暴走神探》

导演你这种前卫的电影风格我真的难以消受。神经兮兮的表演莫非真是让年轻演员实现演技突破的惟一方式？粗制滥造的布景难道真是话剧风的华丽再现？那颇为抢戏的裸露威压究竟是几个意思？我究竟看的是正式上映版还是内部审片版？故意不做后期处理这真的是一种理念创新么？还是为了省钱所美其名曰的伪文艺？剧情里的谜底完全不值一提，讲述故事的方式才是一大堆问题所在。导演是否自己也感觉有些不知所云？

10、《白幽灵传奇之绝命逃亡》

凯奇大叔的烂片风终于刮到了大洋此岸，你不愧为中国影迷的好朋友。我能说克里斯滕森与刘亦菲是被你连累了？还是他们被你传染了？又或者你们本就是志趣相投。烂片王云集于此，如此祥瑞天象必将预兆骇世惊俗之事即将发生。显然我们期望过头了，本片无论如何都算不上烂片中的至尊极品，在各位主演的烂片史中也无法占据头等位置。它烂得让观众难以启齿，因为影片本身几乎没有开始就结束了，白开水式的走过场让观众几乎没有尝到一丝丝苦味。

11、《稻草之盾》

剧情的原始设定很容易激发影迷一连串宏大枪战场面的假想。然而三池崇史本次却意外的收敛了他所擅长的暴力倾向。过多将主旨纠结于执法与私刑的道义说教似乎让本片显得过于沉着与老套，让观众很难享受预期的cult快感。毕竟对凶犯的杀与不杀，影片伊始大家也能猜到结尾，导演只是一味在对凶犯的仇恨度上不断挑战观众的神经粗度，而非真正要刷新片中男主角的心理底线。忍，是一种境界；忍无可忍，是一种临界；无须再忍，是一种宣泄。

12、《鼹鼠之歌》

本片让我们看到三池导演恶趣味的另一面，荒诞而狂放。正如与他风格相似的昆丁与北野武，滑稽却故作正经的外表下终究难以隐藏他们那颗滑稽而不正经的心。与其学学院派们讲道理，不如就像这样一起愉快的玩耍，这才是我们想要的三池。让那些假正经都见鬼去吧！期待续作……

13、《恶之教典》

恶趣味是可以的，但拿出来吓人可就是你的不对了。三池崇史的这部电影我很不喜欢，没理由的一味屠杀让观众简直看不到时间的尽头。血腥与暴力虽然是cult片的重要元素，但放到学校里的确有些让人不适。纵然有《大逃杀》在前，也有众多真实的校园枪击案在后，但活生生的搬上银幕仍然显得残酷有余、善意不足。丧心病狂已不足以定义本片的精神气质，心善者最好避而远之。

14、《告白》

同样是有关老师虐杀学生的故事，《告白》就比《恶之教典》看上去要委婉10倍，唯美100倍。几乎没有血腥的场面却让人感到彻骨的寒冷，这是复仇的最高境界，无与伦比的华丽。没有一声枪响却有一种用机关枪行刑的残忍快感。剧情的编排完美到极致，丝毫不输给诺兰。超棒的剧情源自那超人气的作者，凑佳苗，新生代的推理女王。她的小说无疑将陆续成为日韩推理片的宝库，她用实力证明一种类型片的兴盛离不开文字所蕴含的强大原力。

15、《只在那里发光》

压抑、颓废、灰暗、晦涩……有着明快片名的本片却注定带上诸多负能量的标签，让人看过之后几乎无心继续生活。社会底层的真实让所有光鲜的掩饰都显得苍白无力。他们在海边怡然自得，那样的清澈，那样的纯洁。可当场景换成了喧嚣的社会后，他们便会变得无奈、渺小、痛苦、自惭形秽……他们只在那里发光，一个小小的角落，那是彼此的心里，微微的烛火，却照亮了转瞬即逝的天堂。

16、《老千》

本片让我们看到了后港片时代赌片的重盛之光，韩国电影无疑是港片黄金时代的遗产受让者，它们继承了商业类型片的优良血统。赌片的一大精华在于做局，本片掌握了这一精髓。难能可贵的是，它在传统赌片多为喜剧结尾的惯例下为本片注入了悲中有喜、喜中带悲的情绪，这中亦苦亦甜的结局让人可以长久回味。本片几位主演的演技堪称惊艳，这样的组合恐怕以后难得一见了。

17、《老千2：神之手》

珠玉在前让这部八年后的续集从立项之时便背上了沉重的包袱。清一色的新面孔让本片有一种孤注一掷的搏命感，谁让它是赌片的后代呢？赌博的精神让本片获得了成功，虽然我一直觉得它与前作相比总是差了些什么，也许就是那种淡淡的哀伤吧，这种感觉很难复制。影片的亮点之一便是那场赤身（名义上的）赌博了，想像如此场景真是让人甘堕其中啊。长腿与深V还是吸睛的，黄毒不分家，这类影片历来就是男性观众的福利。

18、《神之一手》

牌桌与棋桌都能诞生神之一手，其叙事结构也多半相似。都是经历小得意、大挫折、消沉再到崛起与复仇的过程。花牌与围棋在韩国都有相当的受众，将它们的元素加入类型片便形成了一套模式化的商业片运作方法。正如黄金时期的港产连续剧与日系动画片，涉足领域之广、专业划分之细，恐怕会令只晓得宫斗、穿越、谍战与抗战的国产编剧们无比汗颜。世事如棋，以围棋为题材的要义和赌片差不多，关键还是在于一个字，局。

19、《危险的见面礼》

《罗密欧与朱丽叶》的喜剧版，《拜见岳父大人2》的韩国范儿，其核心冲突与笑点都来自于两个家庭根深蒂固的矛盾与隔阂，在加上一些地域性的偏见，应该是有一些非韩国人无法体会的方言笑料。这一点在中国也是蛮普遍的，只是因为搬上银幕有些背离和谐社会的导向所以很难被我们常态化的复制。总之它就是一部温情与搞笑融合的小品式电影，适合茶余饭后合家观看，包括岳父和丈母娘。

20、《危险的见面礼2》

和前一集并没有什么关联，只是基于双方家族恩怨渊源这一同质的戏剧冲突梗儿衍生出来的另一部作品。比起前作来似乎更为有趣一些，因为把矛盾放在了警察与盗贼这两种近似于猫和老鼠这样的天敌设定上，由地域冲突直接上升到职业情仇上了。女主角蛮漂亮，权当制服诱惑的效果吧。

21、《蝙蝠侠大战超人》

《蝙蝠侠大战超人》：暗黑风的DC走上一条后摇之路 

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22、《间谍之桥》

《间谍之桥》：它真的是一部主旋律电影么？

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23、《伦敦陷落》

《伦敦陷落》：极其下作的美式主旋律电影

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24、《奇幻森林》

《奇幻森林》：这座森林没有一片树叶能制造氧气

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25、《暗战》

【银河映像】银河英雄传说：夜空中最亮的那些星

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26、《龙虾》

【北影节】《龙虾》：孤独是可耻的，还是高贵的？

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27、《女仆日记》

【北影节】《女仆日记》：八恶人的世界，满眼皆恶

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 【本月观影总数】 27  【短评数】20  【长评数】7

当看到片名与主演名单时，我会下意识的联想剧情肯定会涉及到年龄差距所造成的情感代沟，而罗伯特·德尼罗一定是那位循循善诱的上司，安妮·海瑟薇则会是那个冒失鬼实习生，毕竟她在《穿普拉达的女王》里轻车熟路。

事实上我只猜中了前半截。好莱坞在缺乏创意反复翻拍老题材的同时也的确在做着不断的创新，观众做梦也没想到在本片里罗伯特·德尼罗才是应题的那个实习生。于是这样一个出乎意料的反差设定便形成了戏剧性的吸引点与切入点，再老套的故事也就充满了新鲜感。

和传统职场片一样，本片离不开事业与爱情这两大主题。然而由于两位主演的形象与定位不太适合发展忘年恋（观众也压根儿不会向那个方向去联想），所以将本片梳理为海瑟薇所扮演的女老板与德尼罗扮演的实习生两条主线索则更为清晰。因为他俩的戏份基本相当，大部分有交集而局部各表一线，共同组成这部都市小品式轻喜剧电影。

每部电影都有它的戏眼，在每个观众看来也不尽相同。关于忘年交与情感代沟并我并不太感冒，倒是其中的一个细节深深感动了我。

故事行进到一半时，有一次年轻女老板加班很晚，而老迈的实习生谨守老派的作风执意留下来陪她加班，两人利用晚饭时间坐在一起聊天。老实习生告诉新晋女老板，她公司所在的办公楼是由一栋老厂房改造的，而他本人恰恰是原址工厂的前高管，他在这个大开间的厂房里工作了40年，那个靠窗的位置便是他以前的工位，他在那里站起身便能看到整个房间里那热火朝天的工作场景。

几句淡然而朴实的台词，由罗伯特·德尼罗用他那自然的表情与磁性的嗓音缓缓道出，就有了一种历经沧桑的厚重感。莫名的感动击中了我，因为那个演员、那个角色、那栋建筑……

那个演员：

毫无疑问，罗伯特·德尼罗是我最喜爱的好莱坞男演员，我看过他主演或配角演出的大部分电影。潜意识里我都会把他所演绎的每一个人物当作各片里最为重要的角色，我想很多忠实影迷都会有这样的感受和观影习惯。

我们不得不面对一个事实，德尼罗正在老去，而且终将离去。看着他白发苍苍的样子，我们知道，我们不再可能期盼出现《教父2》里惊艳的青年版维托·柯里昂了，我们也无法再等来他巅峰期所塑造的公牛、出租车司机、猎鹿人以及好家伙了，而《纽约，纽约》里的小司仪、《喜剧之王》里的小演员、《赌城风云》里的大亨以及《铁面无私》里的大反派也永远无法复制了。《美国往事》里的面条、《无语问苍天》里那个敏感而执着的病人、《恐怖角》里疯狂的复仇者……这些令人印象深刻的角色也只能定格在他未生华发的面容里。

随着德尼罗的年华逐渐老去，他在影片中当仁不让的主角地位在渐渐失去，我们虽然还能够在《狂迷》里欣赏到他一如既往神经质的表演，在《老大靠边闪》与《拜见岳父大人》里惊喜的发现他无厘头的喜剧天分，但不可否认我们更多看到的是他隐藏在《警察帝国》、《沉睡者》、《星尘》与《弯刀》的配角名单里，或是出现在如《浪人》、《大买卖》、《危狱惊情》、《致命对决》等根本不适合他演技定位的电影中，他和爱德华·诺顿的组合简直就是一场又一场噩梦。

      虽然他偶而还是能在《新年前夜》中躺在病床上灵光一现，或是在《美国骗局》里让影迷捡到宝式的目睹他短短的出场便能震慑四方的赌场老大形象，以及《成为弗林》里释放出那令人叫绝的精彩演技。但不可否认的是，他已垂垂老矣，他已不再适合演出如《盗火线》里那盛气凌人的悍匪了，他与阿尔·帕西诺在《火线特攻》的二度追逐已经让两人老态尽显，更别提《铁血精英》里他好汉不负当年勇的窘境了。如我般忠实的影迷甚至不忍直视这样的他，心痛他为何要接拍这样的影片。

那个角色：

只有在如这部《实习生》里我们才能看到一个满头银发但依然儒雅得体的罗伯特·德尼罗，风度翩翩、沉着老练，偶而用他惯有的挤眉弄眼化解着一处处小尴尬，那么的自信与睿智。我们希望看到心目中偶像的光华永不褪去，即便老去也要留有风度，就像片中的那栋老厂房，在另一个时间与空间的维度里焕发新生。

那栋建筑：

由于职业的原因，我经常会面对着一栋栋老去的建筑，一条条湮灭的街道、一片片枯朽的街区甚至一座座没落的城市。我是一个异常念旧的人，会经常去看望这些老建筑、老街巷，有时候和一群志同道合的“扫街者”，有时候独自一人，带着一架相机与一瓶水。我会沉醉在那青灰淡雅的屋檐下，惆怅于斑驳泛黄的残墙边，或是开怀于茂密遮天的榕树下，凝思于潺潺而过的溪水畔……

我经常在幻想，这些正在逝去的建筑、街巷，它们有没有情感呢？它们会为自己的老去甚至坍塌感到悲伤么？正如那老去的德尼罗，不得不接受逐渐沦为男配角的命运，在自己黄昏将近的演绎生涯里目送一栋栋崭新的高楼拔地而起，而自己却风光渐淡、乏人问津。

我们会将一座座老厂房LOFT改造为创意街区，又或者将一片片历史街区严格划线进行保护与修缮，并试图注入旅游与商业功能，使它们重获新生，以赢得新生代青年们的关注与使用。因为在他们眼中，这些是陈旧的、也是新奇的，经过时尚的内外改建以及创新产业的植入，它们很容易变得另类而新潮，收获更多的受众。

正如片中那栋老厂房，外观如故但内部装饰经过落地玻璃与钢结构等新表达方式的重塑之后，摇身一变为新兴网络时尚服装公司的办公场地，游走着时髦的低头族与苹果派。但至此我们规划设计的初衷仍然是面对未来的，并没有过多考虑过它们以往的主人。

而当影片中，老派的实习生本·惠特克心怀崇敬的讲述着他工作过40年的办公楼，就像在念叨他朝夕相处的一位老朋友时，我才赫然发现原来它们的价值远不止于未来，它们的可贵恰恰正在于那漫长的历史。

有故事的一栋建筑、一条街巷拥有着丰沛的情感，它们会哀伤、会欢悦，因为曾经奔跑于其间的少年，因为曾经激情燃烧于其内的火红岁月。它们承载着记忆，并将不会因人们的老去与离逝而消散，因为无机物的身体让它们不朽，而幻化的灵魂却历久弥新的长驻了下来。

建筑与街巷有灵魂么？有的，空间让它们能为人所用，无私的为人们承载脚步与遮风挡雨，这便是那高贵的灵魂。随着主人的不断变迁，它们回荡着一代代人的欢笑与呢喃。这便是我们惯常所说的场所精神，它不是永恒不变的，它随着使用者的更迭在不断重新定义，进而一次次嬗变。

当片中茱尔斯惊叹于本在这栋建筑里工作过40年时，她表现的是一种敬佩与尊重。年轻人可以不断的跳槽与创业，他们不理解老一辈的人们为何囿于一处从事枯燥的工作那么多年，但仍会敬佩他们的忠诚，尊重他们的守候。

这些便是本片于我的感动，只因为那个演员、那个角色、那栋建筑……

银幕上悲苦的母亲角色很多，一个比一个惨的也数不胜数。可要是论专职扮演苦命母亲的演员，我第一个想到的是韩国的金允珍。很少有像她这样“母亲”一而再再而三的踏入同一条霉运的河流，也很少有她这样的“母亲”经历了如此之多的苦难与煎熬。

从影之处她不是这般悲苦的，在她30岁以前还没轮到母亲年龄段的时候，接拍的电影有《生死谍变》与《密爱》。但自从2005年的《六月的日记》开始，她和她银幕上的若干子女就迎来了注定悲惨的命运。

1、《六月的日记》（2005年）

影片涉及一系列中学生连环遇害案。金允珍扮演一个目睹儿子在自己面前被车子碾过的母亲，也是女主角刑警秋子英的旧友，并成为破案的关键线索。片中她的哭戏气场强大，让观众既恨又怜。

2、《七天》（2007年）

金允珍扮演了一位女律师，其女儿惨遭绑架，她必须为一位杀人犯辩护使其在七天之内无罪释放才能救回女儿。剧情听上去有些不可思议，但只要记住女主角很倒霉，全片不停奔波只是为了拯救女儿就基本记住了所有剧情。

3、《和声》（2010年）

这次她的儿子没死，也没失踪，但她仍然不得不面对母子分别的痛苦。金允珍所扮演女犯人贞慧在狱中生下了儿子敏宇，母子相依为命生活在其乐融融的监狱里，但法律规定待到敏宇长到一岁半，狱方势必要为他找到一个狱外收养家庭以让他过上正常小孩的生活。这种被动的分离对贞慧来说是心酸与无奈的。哭戏在本片是必须的，也是必然的。

4、《心跳》（2010年）

这一次金允珍的子女该轮到那种悲摧设定了？想必大家都能猜到。因为这里是韩国，绝症如影随形。没错，这事儿被她摊上了。金允珍所扮演的幼儿园院长妍熙过着丰衣足食的稳定生活，失去丈夫的她唯一的夙愿就是看到八岁女儿艺恩顺利做心脏移植手术变成健康的孩子，不料艺恩的情况突然恶化，医生告诉她女儿的心脏会随时停止，她必须及时找到器官捐献者……故事就这样展开了。结局终归是好的，但这对母女的眼泪肯定没少流。

5、《邻居》（2012年）

这次不是亲生女儿，但继女的命运却金允珍银幕上儿女中是最为悲惨的。金赛纶扮演的继女遭到连环杀人魔邻居虐杀，金允珍扮演的继母因为在继女遇害那天未能及时接她放学而对此事万分内疚，并经常幻觉看到女孩回到家中，神经几近崩溃。最终她得到了继女的谅解，并化解了久久积郁的心结。这是一部带有灵异色彩的惊悚片，有着令人拍案叫绝的离奇结局。

由以上5部电影可以看出，长相温婉的金允珍几乎被韩国导演们定义成为了悲苦母亲的代言人。不得不佩服金允珍的强大泪腺，在每部电影里均能决堤般的释放自己的泪海。她所扮演的母亲角色有的决绝、有的优柔、有的坚毅、有的脆弱，性格多样，但惟一不变的是对儿女那疯狂而帜热的母爱，令人动容。

值此母亲节之际，为天下所有的母亲祈祷，希望她们都不要撞上金允珍的苦命。也向所有的母亲问好：你们所有的苦痛与付出都是为了儿女，世人都能够看到。你们辛苦了！

金允珍
Yun-jin Kim